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El arte vectorial y los cómics son una combinación hecha en el cielo. Debido a esto, no es de extrañar que a muchos ilustradores de vectores les encantaría ilustrar su propia novela gráfica o cómica algún día. Para ayudarlo a alcanzar este objetivo, aquí hay 10 lecciones de cómics de cómic de un grupo de estrellas del mundo repleto de estrellas..
Dan Scott es un ilustrador independiente ubicado cerca de Kansas City, Missouri. Ha trabajado en proyectos con Dark Horse Comics, Warhammer 40k, Wizards of the Coast y DC Comics. Dan Scott es ampliamente conocido por sus ilustraciones e ilustraciones de CG que utilizan computadoras para crear su arte digital. En una entrevista con 3D Total, describe su proceso de investigación de los personajes con los que está trabajando para desarrollar las características clave que se han establecido en el pasado:
Con una pintura que muestra un personaje icónico como él [Superman], sentí que necesitaba investigar primero cómo había sido representado en el pasado. Muy a menudo hay que dedicar un poco de tiempo de investigación antes de que incluso pongas lápiz sobre papel (o tal vez debería decir el lápiz a la tableta), ya sea para ver qué tipo de plantas se encuentran en la escena de la jungla. Vuelve a pintar o asegúrate de conocer la musculatura adecuada de ese caballo que estás preparando para representar. En este caso saqué varios libros de bolsillo que tenía que ver para ver cómo lo habían mostrado otros artistas. Tomé notas mentales de lo que me gustaba y no me gustaba de ellos y lo regurgité en mi propia versión personal del personaje..
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Brian Denham trabajó como ilustrador detrás de los cómics de X-Files basados en la popular serie de televisión. Como un cómic basado en personajes de la vida real, la recreación de las semejanzas de Mulder y Skully resultó ser un desafío. En una entrevista, Brian Denham habla sobre cómo ajusta su estilo a través de los temas para acercarse a una representación realista de sus sujetos:
Creo que Mulder es el más difícil. Dibujé una foto impresionante de Mulder en el # 1, pero una página más tarde no es tan buena. Cosas como esas se resolverán a medida que voy.
Al principio entendí a Scully, pero noté que lo que se veía bien en blanco y negro no se veía tan bien en color. Así que cambié algunas cosas sobre cómo dibujo a Scully. Intento no dibujar tantas sombras negras en sus labios como lo hice en el tema cero. Las imágenes estaban fuera de la última página, como se puede ver. Dejaré caer algunas cosas a medida que avanzo y llegaré a una versión más precisa de los personajes..
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Simone Bianchi es un ilustrador de cómics italiano que es el artista actual de Wolverine, el personaje de X-Men, y ha producido algunas portadas destacadas para Detective Comics. En una entrevista en línea de la New York Comic Con 2007, describe cómo trabaja junto a los editores durante la creación de la obra de arte. antes de Incluso comienza a dibujar. Esto ayuda a garantizar que todo el trabajo realizado sea algo que el editor querrá utilizar y minimiza la cantidad de trabajo que se desecha en la edición final..
El proceso promedio es que hablo con mi Editor Peter Tomassi, lanzamos algunas ideas a través del teléfono y empiezo a dibujar tomando fotos como referencia y dibujando la portada..
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Mark Brooks es un ilustrador profesional de Marvel Comics que, como dibujante, interpreta la historia y crea los personajes en cada secuencia. Recientemente ha trabajado en Ultimate Fantastic Four y X-Men Annual. Cuando se le preguntó en la Comic Con de Nueva York, hizo un punto sobre la creación de arte que se relaciona estrechamente con la historia:
Aprendí que es mucho más que ver con la narración que solo el arte bonito ... Los cómics son mucho más que arte, veo muchas personas que llegan a los cómics en la misma posición en la que estaba y los veo centrándome en gran medida en la forma en que dibujan y haciendo covers y pin-ups y cosas así, y no veo mucha atención en la narración de cuentos, que es algo en lo que realmente he tratado de centrarme en los últimos años. Creo que si alguien puede aprender de mi experiencia, concéntrese en eso tanto como en su arte..
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Alex Toth es un maestro del arte del cómic activo desde los años 40 hasta los 80. Su trabajo más reconocible incluye proyectos con Hanna-Barbera, Super Friends y Space Ghost. En una entrevista en TwoMorrows habla sobre su uso de las expresiones faciales para transmitir emociones en su arte:
En primer lugar, el romance era muy especial. Se trataba de las emociones de una manera diferente a las cosas de la aventura slam-bang. Hay muchas cosas debajo de la superficie ... una línea de diálogo podría decir "esto", pero la expresión de la persona diría "eso". Tal vez solo la cámara / nosotros / el punto de vista del lector revelaría la verdad cuando dijo: "Yo también te quiero, George". ¡Su cara, los ojos decían algo más! Y el lector lo sabe, pero "George" no! ¡No puede ver eso! Por lo tanto, hubo todos estos pequeños matices de lecturas de líneas, actuación, reacción, interpretación, capas de personalidad del personaje, integridad, etc., personas rebotando entre sí ... que de repente eran muy grandes, en oposición al slam-bang ... Era un juego de pelota completamente nuevo, y me obligó a prestar atención, mirar, aprender y escuchar..
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Lee Sullivan es un artista cómico británico que ha trabajado en títulos que incluyen Transformers, Thundercats, Doctor Who y Robocop. Cuando se le entrevista con SciFi Pulse, toca una sugerencia al retratar secuencias de acción en formato de cómic:
Creo que una de mis situaciones menos favoritas es cuando un escritor pide que ocurran acciones y consecuencias en el mismo marco; por ejemplo: el primer hombre entra por la puerta, el segundo hombre lo golpea y el primero se estrella contra la mesa. Puede salirse con las últimas dos acciones combinadas, pero realmente no puede mostrarlas combinadas con la primera. Ese es otro panel!
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Tony O 'Donnell es un talentoso artista de cómics que ha trabajado en títulos como Ghostbusters de Marvel UK y DC Thomson Starblazer. En una entrevista para el British Comics fanzine Vicious, ofrece su consejo a los aspirantes a ilustradores de cómics:
¡Guarda un cuaderno de bocetos y úsalo! No intentes imitar al artista "favorito" actual, tal vez para cuando puedas dibujar como él o ella, ese estilo está pasado de moda. Intenta ser fiel a tu propio talento y dibuja para complacerte, en lugar de seguir tendencias temporales. Todos estos consejos son difíciles de seguir y desearía haberlos seguido yo mismo. Aún así, mejor tarde que nunca! En el pasado, hice un exceso de trabajo con mis lápices para hacerlos tan "buenos" como sea posible, mientras que ahora creo que es mejor adoptar un enfoque más flexible y quizás tener más confianza en ti mismo en tu propio estilo personal. Steve Dillon me dio el mismo consejo en 1982, y creo que ser perfeccionista puede quitarle la "diversión" al dibujar cómics..
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Scott McCloud es un artista y escritor de cómics que no solo ha producido ilustraciones para DC Comics, sino que también ha lanzado varios libros relacionados con la industria. Más recientemente, produjo el comunicado de prensa para el navegador Google Chrome. En una entrevista en 2006, se le preguntó qué consejo le daría a los artistas:
Escribe y dibuja lo que realmente quieres ver como lector. No intentes escribir y dibujar lo que crees que otros comprarán o lo que otros quieran ver, porque si no estás tan interesado en el tema que nos estás contando, eso se mostrará. Y esa falta de entusiasmo va a debilitar tu trabajo. Tienes que preocuparte profundamente por lo que estás haciendo. Si lo haces, siempre habrá al menos alguien más por ahí que se preocupe tanto como tú. Pero si estás tratando de venderte, si estás tratando de crear el tipo de historias que crees que les gusta a otras personas, siempre estarás en segundo lugar detrás de otros que tienen un amor más genuino por ese material. Así que también podrías escribir lo que amas..
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Lee Bermejo ha tenido un éxito reciente como artista junto con el escritor Brian Azzarello con el lanzamiento de la novela gráfica Joker. Hubo sorprendentes semejanzas entre su interpretación del Joker y la del popular estreno de la película The Dark Knight, a pesar de estar bien encaminado con sus ilustraciones del personaje del Joker antes de que Heath Ledger fuera elegido. En una entrevista se le preguntó si es importante que los artistas incorporen elementos visuales de las películas para cerrar la brecha con los cómics:
Creo que lo único que realmente importa es que la esencia de los personajes sigue siendo la misma, independientemente del medio. Los elementos de la superficie y algunos problemas psicológicos son divertidos para jugar y agacharse un poco, pero solo necesitas darles a las personas lo que saben que es el personaje para que varias audiencias "lo entiendan". Prefiero ver los enfoques personales de las personas a los personajes principales. Es solo algo que disfruto y preferiría ver miles de tomas diferentes en estos tipos, en lugar de que todo comience a adaptarse a la encarnación actual y más exitosa..
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Lee Sullivan, como se mostró anteriormente, también ha compilado una guía extremadamente útil para escribir y dibujar cómics en su sitio web. Cubriendo áreas extensas de la industria e incluyendo muchos consejos útiles, es una excelente lectura para cualquier persona interesada en la ilustración de cómics. Uno de los puntos que presenta es cómo presentar tu trabajo:
Hacer que vean tu trabajo es muy difícil y muy desalentador: los editores rara vez tienen tiempo para mirar tus cosas y la mayoría no reconocerían un buen trabajo si saltara y se los mordiera en la nariz, al menos, así parece. Muy pocas personas pueden dar el salto entre lo que tiene en su folio y lo que están buscando. Un consejo aquí acerca de las carteras: descarte todo lo que le molesta, incluso en términos de calidad, SIEMPRE desaprueba todo lo demás. A menudo eres juzgado por tu peor trabajo!
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