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Cada década tiene su sonido. Y cada guitarrista de esa época tiene un sonido específico que era popular en ese momento. Ya sea el toque rockabilly de los años cincuenta, el surf de primavera de los años sesenta o cualquier combinación de sonido rock de las últimas décadas, cada década tiene algo que les es inherente. A lo largo de este tutorial Premium, repasaré el sonido de guitarra que se destacó en cada década, la historia de los tonos de guitarra y también te mostraré cómo lograrlos..
El sonido de la guitarra de la década de 1950 se caracterizó por el distintivo eco de la bofetada que le dio ese sonido de casi el mismo eco cuando escuchas que los acordes de la guitarra suenan en la pared. Las guitarras sonaban como si estuvieran grabadas en pequeñas habitaciones luminosas donde sus ecos rebotaban, o golpeaban, de las paredes de inmediato. Eso, además del pesado archtop y las guitarras de cuerpo hueco de la época, le da a la década de 1950 un sonido característico especial que hemos llegado a conocer como el sonido rockabilly..
La década de 1950 fue una década limpia, las caderas giratorias de Presley estaban siendo censuradas y la distorsión era un término que nadie conocía entonces. Todas las guitarras limpias de archtop o hollowbody que tocan los amplificadores de válvulas limpios dieron a esta década su sonido. Escuche el tren misterioso de Elvis Presley aquí abajo para escuchar el sonido distintivo de la guitarra de los años cincuenta. Inmediatamente, en la introducción, escuchas el sonido de la guitarra rítmica en las paredes..
Recrear tal sonido es bastante simple. En los viejos tiempos probablemente tenían algunos amplificadores boutique bastante dulces, con tubos de vacío cálidos que les brindaban un sonido limpio. Si no tiene un amplificador de válvulas, puede intentar usar un simulador de amplificador de algún tipo. La calidad de los emuladores de amplificador aumenta con cada nueva versión, y con frecuencia puede simplemente conectar el sonido deseado de un preset en el emulador de amplificador de guitarra que elija. Pero cuando tienes el sonido limpio hacia abajo, necesitas encontrar un buen stompbox o plug-in de eco para crear esa distintiva bofetada de rockabilly. Usando el retardo de eco o de cinta, puede simular este slap-back marcando en un retardo de 110 ms o así con solo una repetición. De esa manera, su retraso no se repetirá más de una vez, lo que le dará ese sonido de bofetada a la pared y la espalda. Como la bofetada en esos días fue bastante brillante, también puede ecualizar el extremo inferior de las repeticiones, hasta aproximadamente 400-500 Hz, si su plug-in tiene una sección de ecualización separada. Siempre puede configurar su retraso como un efecto de envío para tener más control sobre las características del retraso. De esa manera puede agregar algo de saturación de cinta para ensuciar la bofetada sin afectar la señal original.
Sólo por no hacer nada en Logic y usar sus complementos de guitarra incorporados, logré crear un sonido de bofetada rockabilly bastante convincente. Esto es en realidad una guitarra acústica, que solía obtener ese sonido gordo de arcos o cuerpos huecos. Es una trampa, pero si hubiera usado mi electricidad, ¡habría sonado demasiado country! Mi acústica, junto con un emulador de amplificador de válvulas y un poco de demora en la cinta, creé una estructura simple de blues de 12 compases directamente de los años cincuenta.!
Ahh… el sonido de surf del sur de California. Esos acordes limpios trémolos de una suave guitarra Fender. En la década de 1960, las guitarras Fender se fabricaron principalmente en California, dando a sus guitarras un dominio casi predeterminado del mercado sobre la escena de surf de California. Casi puedes oler las playas y las olas cuando escuchas el sonido de guitarra cargado de reverb de la escena de surf de los años 60. Escuchar algunos de los ejemplos más famosos de música de surf de la década de 1960 es como hacer un viaje a través del uso de la reverb de primavera. Si el efecto dominante en los años cincuenta fue el eco slap-back, la reverb de primavera gobernó el mercado en la década de 1960 en el sur de California..
A continuación se muestran tres ejemplos de las diferentes, pero muy populares canciones de la época, Wipeout by the Surfaris, Pipeline de The Chantays y Misirlou de Dick Dale.
Los Surfaris - Wipeout
Preste especial atención a los apuñalamientos de acordes en el coro de la pieza, donde puede escuchar claramente el sonido "boing" de la reverb de primavera. La guitarra de plomo limpia también tiene un montón de reverberaciones de primavera, empujándola hacia atrás en la mezcla pero no tanto como para enterrarla en la pista. El frágil sonido vítreo de la escena del surf es ayudado por las pastillas de bobina simple de las guitarras Fender que eran tan populares en ese momento..
Los Chantays - Oleoducto
Pipeline es un ejemplo aún mejor de cómo puede crear algo que se puede describir como "música de surf oscura". La pesada reverb de primavera de las guitarras principales, junto con la elección de la melodía y la escala, sugieren un tono oscuro y misterioso. La cercanía a México podría haber permitido que parte de la música tradicional mexicana influyera en algún músico de surf..
Dick Dale - Misirlou
Pulp Fiction alguien? El sonido de la guitarra es el mismo, aunque tal vez un poco más oscuro y más saturado, pero la pesada reverb de primavera sigue ahí. Aunque ahora, debido a que la ejecución es tan rápida, la reverberación de la primavera suena como un desastre húmedo detrás de la línea de guitarra original, dando a esta famosa pista su sonido característico..
Solo por cargar un poco de reverb de primavera y algunos trémolos, puedes lograr algunos sonidos de surf psicodélicos desde el principio..
Aquí hay un acorde E y A no aburrido antes de cualquier tratamiento de surf..
y aquí tenemos los mismos acordes con una amplia dosis de reverberación de primavera y algunos trémolos para un efecto agregado. El trémolo está un poco fuera de la década, ya que es estéreo, pero entiendes lo que quiero..
Con el rock and roll cada vez más grande, el género comenzó a hacerse más difícil a medida que los amplificadores se hicieron más grandes, más fuertes y, lo que es más importante, más distorsionados. Antes, el artista necesitaba abrir agujeros en los conos de los parlantes para hacerlos vibrar y así "saturarse", pero no fue hasta finales de los sesenta que la sobremarcha y la distorsión comenzaron a ser nombres familiares en el negocio de la música. Con actos de rock pesado como Black Sabbath, Led Zeppelin, pionero en el género del rock en los amplificadores de tubo saturados de la década de 1970 combinados con guitarras humbucker, fue el sonido característico de los setenta hard rock y metal..
Escucha el Black Dog de Led Zeppelin para escuchar el sonido saturado de los setenta. En cierto sentido, el sonido es muy seco, sin ningún efecto, excepto la saturación mencionada anteriormente que fue dada por el amplificador de tubo de manivela.
El sonido de hard rock de los años setenta se logró con 4x12 Marshall y la mayoría de los guitarristas, como Tony Iommi de Black Sabbath y Jimmy Page de Led Zeppelin utilizaron guitarras humbucker como Gibson SGs y Les Pauls. Los humbuckers tienen un sonido muy distinto y más grueso en comparación con las pastillas de bobina simple. Humbuckers son básicamente dos pastillas de bobina unidas entre sí en polaridad opuesta. Lo que esto significa es que redujo significativamente el ruido de la guitarra, especialmente cuando la guitarra tiene un sonido distorsionado. A su vez, las dos pastillas juntas crean un sonido más grueso y más jugoso que la pastilla de bobina única, que era muy deseable para los guitarristas de rock de la década de 1970..
Escuche el clip de audio a continuación de un riff de rock típico jugado con un humbucker primero, y luego el mismo riff con una pastilla de bobina simple.
Observe cómo cambia el sonido con solo usar la pastilla de humbucker o de bobina simple. El sonido se debilita significativamente y es mucho más ruidoso en el último riff cuando cambié a la pastilla de bobina única. Se podría decir que el sonido jugoso del humbucker fue fundamental en la evolución del sonido de guitarra de rock grueso de los años setenta. Sin embargo, no dejes que te engañe tanto que crees que no puedes lograr ningún tipo de tono de guitarra de rock sin un amplificador enorme y una guitarra de tipo humbucker. El solo de Led Zeppelin en Stairway to Heaven no fue grabado con ninguna de esas cosas. En realidad, se grabó con una Fender Telecaster a través de un pequeño amplificador de 10 vatios, por lo que a veces no necesariamente tienes que creer todo el bombo. Pero los riffs de big rock suenan más gruesos y grandes con el uso de amplificadores de válvulas saturados y guitarras de estilo humbucker.
Música disco de los años setenta. Bash si quieres, pero no se puede negar la perfección de los sonidos de guitarra cristalina que este género popularizó. Las puñaladas limpias de guitarristas como Nile Rodgers contrastaban con el rock pesado y el heavy metal. Mediante el uso de pastillas limpias de una sola bobina, a diferencia de los humbuckers distorsionados, nació el sonido de guitarra de la discoteca. El sonido de disco limpio es casi exactamente lo opuesto al sonido de la guitarra de rock de los años setenta. En lugar de guitarras de estilo humbucker, los guitarristas prefieren usar pastillas de bobina simple como las Stratocasters, y en lugar de usar grandes amplificadores Marshall, por lo general solo conectan su tono de guitarra directamente en el panel de mezcla, prefiriendo un sonido DI que sea lo más limpio posible..
Escuche Le Freak by Chic a continuación y escuche a la escobilla limpia DI'd Stratocaster of Chic guitarrista Nile Rodgers.
Por supuesto, hay tantas canciones y sonidos increíbles de esa década que realmente se podría escribir un libro, como muchos lo han hecho. Pero la década en el sonido de la guitarra se reduce a una saturación espesa y cremosa de Hard Rock y Metal y al rasgueo limpio del género más tabú de Disco. Parece que el guitarrista de esta década no se dio cuenta de cuánto haría la próxima década por sus sonidos de guitarra limpios y sin efectos. En la década de los 70, los guitarristas estaban felices con una saturación suave y una limpieza comprimida, sin saber cuánta reverberación, retraso y coro iban a infligir a la industria los guitarristas de los años ochenta..
A medida que los guitarristas comenzaron a experimentar cada vez más con distorsión y efectos, el sonido solo se hizo más grande, más grueso y más distorsionado. Atrás quedaron los días de saturación en tu cara crujiente, pero en lugar de eso tuvimos un enorme riff de guitarra de rock que solo se mejoró con el uso generoso de, bueno, bastante reverb. La década de los ochenta se conoce como la década en la que reinaba la reverberación suprema, abriéndose paso en todos y cada uno de los aspectos de la producción musical de esa época. Y el sonido de la guitarra no fue una excepción. Escuche la canción de 1978 Ain't Talkin "Bout Love de Van Halen para escuchar la diferencia significativa entre las guitarras de rock saturadas de principios de los años setenta y luego las guitarras de rock impulsadas por reverberaciones de finales de los setenta y ochenta..
Además de la reverb de arena gruesa que le da a la guitarra de Eddie ese sonido distinto, también hay algunos usos bastante sutiles de los efectos de modulación que se hicieron más grandes a medida que avanzaba la década. Las últimas tres notas del intro riff tienen un sonido diferente al resto del riff porque Eddie activó un efecto de phaser para acentuar el final del riff. A medida que los ochenta se volvieron más locos con la reverberación, también comenzaron a incursionar con más y más efectos de modulación como el coro. Puede parecer que estoy describiendo una década como un adicto a las drogas que se hunde lentamente en drogas más fuertes, pero la analogía tiene sentido. La música popular se volvió absolutamente loca y se obsesionó con grandes reverberaciones y modulaciones, y no fue hasta la década de 1990 que la gente se inscribió en la rehabilitación de reverb y se alejó de esa sobreabundancia de reverb y efectos en sus producciones musicales..
Al igual que en la década anterior, hubo un contraste con los riffs de rock ricamente reverberados. Los riffs de guitarra limpios y fuertemente comprimidos fueron el pilar de bandas como Duran Duran, mientras que muchas bandas de glam rock tenían un toque limpio a su yang distorsionado. "Is This Love" de Whitesnake abarca muchos de los sonidos de guitarra que fueron tan populares durante la década de 1980; guitarra con coros limpios en la introducción, reverberación pesada en las guitarras de rock en el coro, así como una considerable cantidad de demora para las líneas principales.
El problema de los años ochenta era que, en realidad, todo sonaba mucho mejor en contexto, con todos esos efectos y toda esa reverberación. Tomemos las guitarras principales, por ejemplo. Las líneas de plomo en ese momento sonaban enormes, con grandes dosis de reverberación y retraso que engrosaban los solos de guitarra y las líneas de plomo. Al igual que en la canción de Whitesnake anterior, las líneas principales y el solo sonaban mejor de esa manera que si alguien decidiera prohibir la reverberación y la demora en su registro..
Escucha estas dos líneas exactas a continuación y juzga por ti mismo. El primero es solo el amplificador típico sin reverberación ni retardo..
Ahora, a medida que le agregamos una gran reverb y luego un poco de retraso medio a largo, la línea comienza a sonar mucho mejor. Todos estos elementos añadidos crean esa típica línea principal de la balada poderosa de los años ochenta, y suenan mucho mejor y más interesantes con todas esas cosas que sin ellas..
Los detalles más pequeños a veces eran cruciales para el sonido general de una banda específica. En algunas de las bandas de pop de los años ochenta tuvimos los típicos pinchazos de acordes limpios que estaban muy comprimidos para el ponche, así como el coro sutil de ese sonido pop de los ochenta. Pero una de las características del sonido de la guitarra no era solo el coro o la compresión limpia, sino el interruptor de activación de la guitarra. La posición fuera de fase de la típica Stratocaster de bobina simple permitieron crear un tono más redondo y ligeramente más débil. Esto fue preferible y deseado por los guitarristas en ese momento, ya que tenía un sonido más limpio y delgado que era bueno para los ritmos limpios. Tome "Girls on Film" de Duran Duran como ejemplo. Ahí tenemos un riff de guitarra muy simple que tiene ese sonido entrecortado y desfasado..
Al igual que lo hice antes, al mostrarle la diferencia entre un humbucker y una bobina simple, déjeme demostrar con el mismo riff lo diferentes que suenan esas dos posiciones de recogida..
Aquí está el riff con la pastilla de bobina simple del cuello..
Y aquí tenemos el mismo riff con la posición fuera de fase entre el cuello y la pastilla central..
Escuche cómo cambia el sonido desde el pick-up de cuello bajo hasta la posición de picking fuera de fase ligeramente más débil. Ese fue un sonido muy deseable para los guitarristas pop de los años ochenta..
El auge del grunge y del rock alternativo marcó el final de los pesados acordes de reverberación y coro de chicle de los años ochenta. Toda la década tuvo el período de “¿en qué estaba pensando ?!” y comenzó a desechar todas las grandes ideas de producción, lo que permitió que el grunge, la alternativa y otros tipos de hard rock pasaran a la vanguardia. Aunque las reverberaciones enormes y los efectos de coros lindos habían desaparecido, eso no significaba que los guitarristas abandonaran los efectos por completo. No, los efectos de modulación encontraron diferentes usos, a veces sutiles pero siempre interesantes..
Kurt Cobain, uno de los pioneros del grunge y el rock alternativo, no fue uno de los que mejoraron la distorsión de su pedal Boss DS-2. También popularizó el uso del efecto de coro con un grupo diferente de guitarristas. Su uso de los pedales Electro Harmonix Small Clone y Poly-Chorus es definitivamente una parte crucial de su sonido de guitarra limpio, que se demuestra fácilmente con su canción "Come as You Are".
No solo se puede escuchar el sonido característico de su sonido de guitarra en el memorable intro riff, sino que, al utilizarlo con una distorsión de gritos, también creó su sonido de rock distorsionado. Escucha toda la canción para escuchar los diferentes estilos que toca; la línea de introducción con coros, los acordes de coro jangly saturados del coro, así como la distorsión jugosa en su solo que se ve reforzada por su uso del efecto de coro.
Esta era una forma completamente diferente de usar el efecto de coro que las bandas de glam rock de los años ochenta. Pero Kurt Cobain fue capaz de hacer que todo pareciera angustiado, incluso sus efectos de modulación..
De hecho, he escrito un tutorial Premium diferente solo sobre los diferentes efectos de modulación en la música moderna llamado 10 cosas que todos deberían saber sobre los efectos de modulación. Allí me refiero un poco a la utilización de Flanger por The Smashing Pumpkins y Billy Corgan. Sin embargo, en este tutorial quiero referirme un poco a la diferencia en los efectos de distorsión. Kurt Cobain fue famoso por usar su pedal de distorsión DS-2 en un amplificador Mesa Boogie para obtener su sonido de rock grunge. Sin embargo, Billy Corgan usó un efecto de distorsión totalmente diferente para obtener su distorsión gruesa, a saber, fuzz. Si dividimos la distorsión en tres categorías; Overdrive, distorsión y fuzz, luego fuzz es definitivamente el sonido más intenso. Es como si estuvieras cocinando y necesitas espesar un poco la salsa para obtener la distorsión perfecta que deseas, pero al final agregas demasiada harina o almidón de maíz, lo que resulta demasiado espeso y difuso. Dejando de lado las extrañas analogías de la cocina, puedes poner alboroto en el extremo del espectro de distorsión, ya que generalmente implica un sonido increíblemente espeso y cremoso que ha sido deseable para muchos guitarristas. Jimi Hendrix fue el que lo popularizó, pero Billy Corgan de Smashing Pumpkins fue definitivamente el que lo llevó al extremo..
Solo escucha "Quiet" del álbum de Smashing Pumpkins Sueño siamés e inmediatamente puede escuchar la diferencia entre la distorsión de la roca de Come as You Are y la gruesa fuzz del pedal de fuzz Electro Harmonix Big Muff de Billy Corgan.
Es difícil clasificar un sonido como el sonido de una década, y a medida que la música se vuelve más complicada y más géneros comienzan a aparecer usando básicamente todos los efectos y equipos conocidos por el hombre, en realidad ya no hay ningún sonido característico. Sin embargo, algunas bandas han llegado a la vanguardia no solo por sus habilidades musicales sino también por el genio de sus guitarristas. Si tomamos a algunos de los guitarristas de finales de los 90 que son conocidos por sus locuras guitarristas de guitarra, puedo nombrar a dos que empujaron el sobre lo máximo que podría hacer con la guitarra como instrumento. Tom Morello de Rage Against The Machine y Mike Einziger de Incubus llevaron la guitarra a alturas desconocidas, ya sea acumulando efectos de modulación para llevar la guitarra lo más lejos posible de que suene como una guitarra, o haciendo que suene más como una mesa giratoria que una guitarra real.
Escuche la mezcla ecléctica de modulación, reverberación y retardo de Mike Einziger en la canción de Incubus "The Warmth" del álbum de 1999 Hazlo tu mismo como ejemplo de cómo intentaron distanciarse tanto de cualquier cosa que pudiera clasificarse como un sonido de guitarra típico.
Tom Morello llevó las cosas un poco más lejos y creó un sonido que a veces era irreconocible como proveniente de una guitarra eléctrica. Al usar el interruptor de recolección de su guitarra, su pedal de golpe y un poco de rascarse las cuerdas, pudo obtener un sonido nuevo y emocionante de la guitarra. Su introducción y solo a la canción de 1992 "Know Your Enemy" de su álbum debut homónimo. Rabia contra la máquina
Es un gran ejemplo de su genio. Al usar su pedal y golpear el interruptor de la pastilla, con una pastilla apagada y otra encendida, crea un efecto de trémolo que no se escuchó en ese momento. La introducción junto con el pesado pedal de guitarra tocada con un solo golpe lo puso en los escalones más altos de los guitarristas de todos los tiempos.
Como se ha visto en todas estas décadas, el sonido de la guitarra ha evolucionado sustancialmente. Cada década tiene un sonido específico que es característico de esa década, independientemente de si está limpio o distorsionado. El sonido limpio de cada época ha tenido un sonido particular, evolucionando desde la bofetada rockabilly hasta la línea de guitarra grunge con coros oscuros. Lo mismo puede decirse acerca de la evolución de la saturación o distorsión. Desde la era en la que las personas necesitaban romper sus conos de altavoz para obtener una distorsión audible en los años cincuenta hasta el metal de hoy en día, donde hay una distorsión más jugosa presente en cualquier amplificador de lo que alguna vez necesitará..
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