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Cuando se trata de orquestación MIDI, la sección de cuerdas es probablemente la más difícil de emular. Esto se debe a que, aunque las cuerdas son probablemente una de las secciones más homogéneas de la orquesta, tiene algunas características que son extremadamente difíciles de producir a través de muestras..
En primer lugar, las cuerdas son instrumentos de arco. Esto significa que los músicos usan un arco para producir los tonos. El arco se puede mover hacia arriba o hacia abajo y esto crea un aspecto diferente del sonido. En segundo lugar, los jugadores siempre están un poco desafinados, principalmente al principio de la nota, especialmente cuando cambian de posición muy rápidamente y, por lo tanto, producen un tono confuso. Y por último, pero no menos importante, un violinista, por ejemplo, puede tocar un solo tono en diferentes cuerdas y, por lo tanto, crear un sonido específico. Si observas varios tipos de partituras clásicas, puedes ver que el compositor escribió intencionalmente “Sul D” en la parte superior del solo de violín. Esto puede crear un efecto específico o enfatizar cierto sentimiento..
Como probablemente haya adivinado, la mayor parte del trabajo en la orquestación MIDI va para melodías de cuerdas. Entonces, ¿cómo podemos capturar exactamente ese sonido único? ¿Es posible obtener el sonido de la melodía de violín tan perfecto como sonaría cuando se toca en vivo? En mi opinión, las computadoras aún no pueden reemplazar la sensación real que las cuerdas nos pueden dar. Se necesita mucho tiempo y trabajo para que las cosas suenen precisas, ¡e incluso entonces algo no está bien! Quiero abrir un soporte aquí y quiero decirles que no tengo los recursos financieros para probar las bibliotecas orquestales más caras, por ejemplo, LASS y EWQL Hollywood Strings. Estoy seguro de que serán mucho más fáciles de tratar cuando se trata de melodías de cuerdas.
Así que antes de continuar con el tutorial actual, me gustaría ofrecerle algunas cosas que debe considerar, observar y observar..
Ir a conciertos de música clásica. Sé que algunos de ustedes odiarían esa frase en particular, pero en la música clásica pueden observar cómo los compositores utilizaron la sección de cuerdas, qué tipos de articulaciones utilizaron y cómo los interpretan los músicos. Intente responder a preguntas como "¿Cómo lograr el efecto pizzicato?", "¿Con qué frecuencia los jugadores cambian sus direcciones de arco?", Etc..
Escuchar música clásica y analizar. No puedes notar visualmente cuando los jugadores cambian sus arcos, pero puedes escuchar cómo suenan las cuerdas. Por ejemplo, escuche "La Campanella" de Paganini; primero escuche el violín solo y luego las cuerdas de acompañamiento. Imagina cómo puedes lograr exactamente esos sonidos legato en tus orquestaciones..
Y mi último consejo sería comprar algunas partituras orquestales y revisar todas las articulaciones y melodías incluidas en la partitura. Sugeriría la orquestación de Maurice Ravel de "Imágenes de una exposición" de Mussorgsky. Mira de cerca las líneas de legato, acentos y así sucesivamente. Después de haber escuchado mucha música clásica, intente hacer algunas maquetas de piezas clásicas y siempre compare su trabajo con el original. Puedes tomar la melodía de "Montagues and Capulets" de Sergei Prokofiev de "Romeo y Julieta" e intentar capturar esa emoción a través de muestras..
Ya es suficiente hablar por ahora. Vayamos a la parte principal del tutorial, creando una bonita melodía en cuerdas que pueda sonar realista. Trataré de explicar algunos consejos y trucos para lograrlo..
Esta es la melodía que vamos a utilizar. Como puede escuchar, he cargado un solo parche de violín de mi Orquesta Sinfónica de Quantum Leap de EastWest (el nombre del parche real es 18V QLeg). He puesto unos ligeros cambios armónicos en el piano para que tengas una idea de la música..
Haremos una línea de legato esta vez (en una sugerencia rápida anterior mostré algunas ideas sobre el uso de articulaciones cortas, como staccato o pizzicato).
Bueno, tenemos una melodía que no suena convincente en absoluto. Si volvemos al principio del tutorial, podemos ver que existen estos detalles específicos cuando se toca un instrumento de cuerda: dirección del arco, posición y ligera afinación al inicio (de vez en cuando, no en cada nota).
También hay otras características: los tonos iniciales tendrían un ataque largo, algunos de los tonos medios tendrían menos vibrato que los otros. Por lo tanto, cargaré otras muestras, una para comenzar (algo con un ataque lento), algo con un vibrato y algo lírico (porque nuestra melodía es del tipo amoroso). Solo recuerde que todo tiene que ser del parche exacto - esto significa que no debe usar para un tono un parche de 18 violines y para otro tono - un parche de 11 violines.
He cargado estos parches:
He dividido algunos de los tonos en diferentes parches. Escucha ahora esta demostración y escucha lo diferente que suena nuestra sección de violín ahora..
Ahora viene una de las cosas más difíciles y molestas: la edición de notas. Tenemos que asegurarnos de que 1) nuestros violines no suenen planos y uniformes, 2) todas las transiciones de tono sean fluidas y sutiles, y 3) la melodía se convierta en una oración musical completa.
En mi DAW tengo la posibilidad de agrupar diferentes canales y editarlos juntos; Si no puede usar una herramienta como esa, tomará algún tiempo, pero tenga la seguridad de que no será inútil.
Voy a empezar con los cambios de velocidad. Quiero que la mayor parte de la transición entre los tonos sea suave. Además, me gustaría hacer un legado de la música, por lo que haría un ligero solapamiento de notas con la mano. Tenga en cuenta que no usaré el script “legato” incorporado, que se puede encontrar en EWQL SO.
Las curvas de volumen y expresión pueden ayudarlo a lograr ese sonido fluido de una sección de cuerda. Puede cambiar el volumen de tal manera que su muestra deje de ser plana y sin brillo y tendrá algún carácter..
La diferencia entre volumen y expresión es que los límites de la expresión dependen del controlador de volumen. Esto significa que el controlador de expresión puede ser muy preciso, especialmente cuando se trata de cambios dinámicos leves. Para ilustrar esta declaración con números, puede recordar esto: si nuestro volumen está en su máximo (127), entonces la expresión puede variar de 1 a 127. Y si el volumen está en torno a 73, la expresión aún varía de 1 a 127. Esto significa que con la expresión puede agregar cambios muy sutiles dentro de su rango de volumen.
Examinemos los problemas en la última demostración: 1) nuestras notas finales son muy uniformes y 2) seguramente el parche 18 Violin Qleg suena horrible en la forma en que lo hice. Intentaré editar algunas curvas y veremos qué ocurrirá a continuación..
Primero edité el Qleg Patch, porque presentaba la mayoría de los problemas en nuestra melodía. Una cosa interesante es que publiqué algunas de las notas de expresión con el parche Qleg y bajé las notas rápidamente a través de la curva de volumen.
Editar tono puede ser la guinda del pastel musical o el completo desastre de todo lo que hemos hecho hasta ahora. En primer lugar, recuerde que en nuestro caso "18v Qleg" significa que 18 violinistas han estado tocando tonos de legato en un estudio de primera categoría. Esto definitivamente significa que tendremos algunas diferencias de ajuste muy sutiles.
Pero aparte de eso, podemos usar algunos cambios leves en la curva de tono en nuestra melodía, especialmente cuando "salta" a G y Ab, porque si nos imaginamos a los músicos, ellos moverán su mano sobre las cuerdas y, por lo tanto, crearán una sutil "confusión". efecto". Lo haremos de dos maneras: al usar el tono y el portamento (portamento significa que el músico está haciendo un deslizamiento rápido de un tono a otro).
El nuevo motor East West, PLAY, tiene su propio script de Portamento que se puede activar a través del controlador CC # 65.
Uno de los mejores libros que he leído sobre el tema es "The Guide to MIDI Orchestration" por Paul Gilreath.
Sugiere que un orquestador MIDI contemporáneo debería tener al menos dos bibliotecas de cadenas y debería duplicar melodías de ambos tipos de muestras. Para las personas como yo, que no pueden permitirse tener dos bibliotecas en ese momento, siempre hay una solución: duplicar la melodía con instrumentos de viento e incluso con otros instrumentos de cuerda. En nuestro caso, lo haré. ambos.
Primero, cargue un parche de flauta agradable. Sería mejor si la flauta tiene un ligero vibrato en ella. Colóquelo en el mismo rango con los violines y baje el volumen drásticamente. La flauta no es un solo, solo da más tamaño del sonido..
Y finalmente, usaremos la ayuda de otro instrumento de cuerda. Elegí el chelo, pero en realidad no hay diferencia aquí. Tomé algunas notas graves del violonchelo, pero lo importante es que también puse la melodía en el violonchelo, colocándolo (de nuevo) en el mismo rango que los violines. Luego bajaré su volumen hasta que no pueda ser escuchado. De hecho, en ese momento puedes sentir el violonchelo: el oyente no lo oirá tocar en ese rango, sino que percibirá cierta riqueza en el sonido..
Espero que esto te ayude. Estoy deseando leer tus comentarios. Puedes escuchar el resultado final de nuestro tutorial en esta demostración:
Buena suerte!
Accentsconagua