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Las primeras grabaciones de todos, ya sean tres o trece, suelen ser de la misma manera. La fecha límite se acerca rápidamente y casi no se hace nada. Lo que se ha hecho no suena bien. Tus compañeros músicos no tienen idea de lo que se supone que deben hacer y nadie en la sala está realmente seguro de cuál será el siguiente paso en el proceso.
Para la mayoría de los principiantes, desarrollar un flujo de trabajo de grabación no es una prioridad. Pero los profesionales te dirán que el tiempo es dinero y que es por eso que han trabajado tan duro para hacer que el suyo funcione. Cuanto más rápido pueda hacer su trabajo, más efectiva será su tarifa por hora, y mientras más rápido pueda hacer su trabajo, menos pagará para contratar estudios, equipos y personal. Funciona desde una perspectiva tanto de gastos como de ingresos..
A continuación, le ofrecemos un vistazo al proceso y flujo de un proyecto de grabación que se realiza correctamente, con consejos para optimizarlo aún más..
Escribir es la primera fase de cualquier proyecto de grabación, incluso si comienza mucho antes de que se haya tomado la decisión de grabar la canción. Durante la fase de escritura, las letras y la música se crean y refinan hasta que funcionan bien juntas..
Cuando estás en la fase de escritura, es importante pensar en las realidades del rendimiento y la grabación. Si escribes canciones que no puedes grabar o tocar en vivo con tu banda, no son muy buenas para ti. ¿Qué tan orgulloso de tu trabajo estarás cuando entres al estudio y te des cuenta de que no tienes el equipo, los músicos o los instrumentos adecuados para hacer que la canción funcione??
La construcción de un repertorio es importante y necesita poder ejecutar y grabar ese repertorio. Incluso en el contexto del proceso de grabación, es importante tener en cuenta la presentación en vivo. A menos que sea una banda de estudio solamente, su trabajo debe traducirse en todos los medios.
Tener algunas restricciones sobre las que trabajar es propicio para la creatividad, así que acepta el desafío. El artista que tiene todas las herramientas del mundo a su disposición a menudo se paraliza por elección, mientras que trabajar dentro de un conjunto de limitaciones puede hacer que las decisiones creativas sean mucho más fáciles. Para la mayoría de los músicos, este es un tema recurrente desde la escritura hasta la masterización, ya que puede ser una de las carreras o pasatiempos más caros de todos..
Una vez que estés en el estudio, es posible que tengas que trabajar con músicos de sesión que no hayan ensayado la canción contigo, o tal vez quieras discutir una determinada sección o riff de la canción con tu productor y otros músicos. El apoyo de los vocalistas requerirá letras. ¡Si no se preparan los materiales adecuados por adelantado, se convertirá en un impedimento más importante de lo que muchos piensan! Esto es lo que recomiendo que traigas a cada sesión, al menos algunas copias de cada sesión:
Aunque puede sonar tonto, el ensayo es parte del proceso de grabación. Porque si no puedes tocar la canción como grupo en primer lugar, no tiene ningún sentido ir al estudio.
Si bien tener la grabación, compilación y cuantización de varias pistas en la lista puede hacer que parezca que grabar una canción es más fácil que tocarla en vivo, la verdad es que la música grabada es bastante voluble y cualquier cosa con más de dos o tres pistas requiere una , muy delicado equilibrio en la mezcla para evitar que las cosas se caigan..
Si no suena bien tocando juntos, si no puede bloquear el ritmo de su sección de ritmo y dejar espacio para cada instrumento donde cada instrumento lo necesita, es una cosa más que hará que el delicado equilibrio se rompa. Tu grabación apestará antes de que termine..
Debe ensayar hasta que la canción suene lo suficientemente pulida como para que piense que puede configurar algunos micrófonos en su sala de ensayo y obtener una toma con la que pueda sentirse feliz..
Si bien muchos principiantes pueden sentirse tentados a ignorar esos consejos, aquí hay una consideración más práctica para usted: los estudios cuestan dinero. Cada hora que no ensayes es otra hora que pagarás al propietario del estudio porque hay muchos problemas con la grabación.
Seriamente. Ensayar.
El método más común para practicar una canción es hacer que la banda la toque repetidamente de principio a fin. Esta es una forma de trabajo particularmente ineficiente, porque estás pasando tanto tiempo en las partes de la canción con las que la banda está de acuerdo como las partes con las que la banda está luchando..
Concéntrese en los diferentes segmentos de la canción, o incluso pase veinte minutos en una sección de cuatro compases de la canción si es difícil para todos mantenerse al día. No continúe hasta que la banda haya aprendido a tocar los segmentos problemáticos a la perfección..
Es importante practicar la canción como un todo sin parar, pero pasará su tiempo mucho más sabiamente si guarda las prácticas directas hasta que todos estén contentos con las secciones de componentes por su cuenta..
Entonces, la canción ha sido escrita. La banda puede tocarlo con los ojos cerrados, colgando boca abajo en su ropa interior. Ahora, han decidido que es hora de grabarlo..
"¿Qué estamos esperando? ¡Vamos a grabar! ”Todos decís en vuestra emoción. Lamento ponerle un freno a tu grupo, pero no tan rápido. Primero necesitas hacer un plan..
¿Qué vas a hacer y en qué orden? ¿Cuántos instrumentos estarán involucrados? ¿Cuántas partes tendrá cada instrumento y, por lo tanto, cuántas pistas se necesitarán para cada instrumento? ¿Cuánto tiempo tomará todo el proceso? ¿Cuándo necesitamos reservar el estudio y el productor? ¿El ingeniero de masterización? El jugador de piccolo maestro siempre esquivo?
Sin un plan, le quedan dos días de tiempo de estudio antes de que la mezcla deba continuar para la masterización y el único jugador de piccolo que aún esté vivo en este lado del ecuador está reservado durante tres meses seguidos. Ups.
Un plan siempre debe estar en forma escrita. No me refiero necesariamente a lápiz y papel (puede ser un documento de computadora o una talla de piedra), pero los planes que se almacenan en la cabeza de un ser humano son planes que se olvidan tan pronto como termina la fase de planificación..
Su plan solo necesita ser tan complejo o simple como el proyecto en cuestión. Si necesita un resumen para comenzar, sugeriría algo así:
Los planes pueden ser mucho más complicados, así que agregue a eso lo que desee. Los planes también pueden ser bastante simples: si desea grabar una canción popular de tres minutos a través de un estante estándar de equipo de estudio, solo con la voz y la guitarra, y tal vez un doblaje de percusión o dos, no necesitará el mismo tipo de estructura.
Para muchos músicos, la fase de demostración es una de las primeras fases de un proyecto, y eso significa que no están completamente preparados y listos para comenzar el trabajo. Los primeros días se pasan en el estudio decidiendo qué hacer y pensando en los diversos cambios que se podrían hacer a la canción "solo por diversión". Si bien todo es muy creativo, probablemente no sea el mejor momento para jugar solo porque no tienes un plan de ataque firme preparado, ya sea que pagues por el tiempo de estudio o no..
Con este flujo de trabajo, ya ha obtenido toda esa experimentación e incertidumbre de su sistema. Usted sabe lo que necesita hacer, por lo que no siente la necesidad de jugar como resultado de no saber cuál es el siguiente paso..
La fase de demostración es la parte del proyecto donde cada músico graba una toma aproximada que es lo suficientemente buena como para formar un marco sobre el que se construye el resto del proyecto. Una vez que la demostración está lista y pasa al seguimiento, todo lo que necesita hacer es intercambiar las pistas de demostración para las pistas finales. La demo no es una pista final pulida, pero es importante tener en cuenta ciertos factores. La producción no es una de ellas, pero el tiempo sí lo es..
Realmente no me importa cuál es su opinión personal con respecto a las pistas de clics: algunos elitistas rechazan su uso por alguna razón sin fundamento u otra, pero cuando graba una demostración, asegúrese de que todo el mundo registra una pista de clics..
Es difícil acostumbrarse a las pistas de clics para los principiantes, así que dale a cada instrumentista, en particular a tu batería, un tiempo para acostumbrarse a tocar con uno. Una vez que estén acostumbrados a ello, ser despiadados. Deseche las pistas que no se alinean perfectamente.
La razón es que el mal momento en la fase de demostración, ya que la demostración servirá como marco de seguimiento, puede arruinar un proyecto completo y semanas de trabajo. Un pequeño error en el ritmo se puede arreglar fácilmente mientras grabas la demo. A mitad del proceso de seguimiento en sí, es un gran problema porque tiene que rehacer un proyecto completo que se ha construido sobre ese error. Cuanto menos vigilado esté y cuanto más tiempo deje el problema en su proyecto, mayor será el problema..
También es importante ser exigente. No existe tal cosa como "no es un gran problema" porque algo que parece un error menor suena como un gran error cuando todos los demás instrumentos han seguido su ejemplo..
Versión corta: si todas las pistas de su demostración no están en el momento perfecto, la demostración no puede servir como la columna vertebral de su pieza final.
El tono no es un problema tan importante como lo es la sincronización cuando se trata de una demostración, aunque debe asegurarse de que los instrumentos estén bien afinados antes de grabarlos y hacer todo lo posible para lograr el mejor resultado aquí.
Sin embargo, un instrumento ligeramente fuera de tono puede desvincular la interpretación vocal en la demostración y / o la fase de seguimiento. Como la atención vocal es el foco de atención del público, es necesario hacerlo bien.
Cada vez que termine de rastrear un instrumento en particular durante la fase de demostración, deje que el cantante principal le cante y se asegure de que no haya nada que lo eche fuera de tono. El problema en sí puede no ser causado por instrumentos desafinados, podría ser cualquier cosa, incluido un problema de tiempo, pero cualquier problema debe resolverse mientras aún se encuentra en la fase de demostración más flexible y maleable..
En la etapa de seguimiento del proyecto, está utilizando la demostración como guía mientras reemplaza cada pista con la toma adecuada..
Dibuje diagramas de equipos de montaje en bastidor, tome capturas de pantalla de complementos, haga lo que tenga que hacer para tener una copia de sus configuraciones en el archivo. Esto también se aplica a la colocación del micrófono: tome una foto o dibuje una, solo asegúrese de saber cómo volver a colocar los micrófonos tal como estaban.
Y eso significa al centímetro, así que sal de la regla. La diferencia de un centímetro no nos parece nada, pero desde una perspectiva sólida puede ser enorme.
Debe ser un experto en el mantenimiento de registros, por lo que si necesita volver a rastrear una sección o solo puede terminar la mitad del seguimiento de un instrumento en particular en un día, puede continuar donde lo dejó. Sin un sonido idéntico, generalmente deberá comenzar a rastrear desde cero. Puede funcionar como un efecto aquí o allá, pero a menudo cambiar el tono de los instrumentos a la mitad de la canción hará que su oyente se desanime..
Entonces, no está seguro de si el U87 o el Classic II son un mejor micrófono para una parte, y no puede decidir. ¡Graba ambos, y elige más tarde! Es mejor tener opciones que quedarse atascado con un resultado con el que no está satisfecho. El dicho popular en la industria de la música es no puedes pulir un turd. Generalmente se refiere al rendimiento, pero confía en mí cuando digo que los valores de producción de una pista pueden hacer que un excelente rendimiento suene como la mierda proverbial e irreparable.
Sin embargo, algo de lo que quizás no puedas cambiar de opinión más adelante es la posición del micrófono (es posible que tengas setenta y tres SM57, pero muy pocos lectores tendrían más de un U87 si es que tienen uno). Pasa tiempo en el posicionamiento. Hazlo bien.
Si va a utilizar efectos externos como EQ y compresión, tenga mucho cuidado y marque la configuración lo más sutilmente posible. Use solo la mayor cantidad de efecto que necesite. Los efectos externos generalmente suenan mejor que los complementos si tiene un gran equipo o está en un estudio profesional, pero no puede regresar y cambiar las cosas más tarde. Si eres un ingeniero principiante o intermedio, a menudo te encontrarás con una pista que no puedes usar después de darte cuenta de que está arruinada una o dos semanas después. Incluso les pasa a los ingenieros experimentados a menudo.
Como dije con respecto a la colocación del micrófono, dedique tiempo a sus efectos externos (o destructivos). Hazlo bien. Y aun así, hazlos sutiles; Si no has comprimido lo suficiente, puedes arreglar las cosas con un complemento. Si has comprimido demasiado, estás jodido.
El enrutamiento a menudo no tiene una fase propia, y puede que no sea necesario para muchos lectores. Si su género es gente minimalista que solo utilizará de dos a cinco pistas por sesión, puede omitir este. La mayoría de los productos electrónicos probablemente no necesitan hacer un gran problema por esto. Sin embargo, si está grabando montones de instrumentos del mundo real y tiene producciones grandes y difíciles de manejar en Pro Tools o Logic o what-have-have, el enrutamiento es una forma de arte por sí sola..
Hay dos partes en mi fase de enrutamiento:
Si no está seguro de cómo configurar una sub-mezcla auxiliar de grupo o un efecto de envío / retorno, hay algunos tutoriales en Audiotuts + que explican cada uno.
Si tiene una canción con 30 o 100 pistas en el proyecto, es demasiado para su mente manejar en términos de mezcla relativa. Divida todo en unos pocos grupos (menos de diez, preferiblemente menos de cinco) como voces, baterías y guitarras..
Luego, reencamine cada una de estas pistas para que vayan a un canal auxiliar estéreo en lugar de dirigirse directamente al maestro estéreo. Obtenga una mezcla relativa entre todas las pistas que se enrutan al auxiliar y dedique algo de tiempo a hacerlo para que sea perfecto. Si la sub-mezcla es buena para comenzar, es posible que no tenga que volver a tocar niveles de pistas individuales; simplemente mueva uno de los faders auxiliares de su grupo para ajustar la mezcla.
Mezclar tan solo 20 pistas y unos pocos cientos es un proceso doloroso. Si puedes hacer eso usando entre tres y diez sub-mezclas, te estás riendo.
Hay efectos de uso común que se usan en casi todas las producciones: la reverberación y el retardo son los más comunes, y el coro aparece en la mayoría de los proyectos. Debe configurar los sistemas de envío / retorno para que cada pista envíe una cierta cantidad de su señal a un solo procesador que se adapte a cada pista del proyecto. Esto tiene dos beneficios.
Es muy fácil arruinar una canción con el abuso de los efectos. Si bien todavía puede ocurrir con el uso de sistemas de envío / retorno, es mucho más fácil de controlar. Los diferentes ajustes de reverberación en diferentes instrumentos a veces funcionan, pero a menudo confundirán la mente del oyente. El uso de efectos con la misma configuración, a través de los mismos procesadores, ayuda a unir la mezcla y hace que el sonido sea más coherente.
Antes de comenzar con la mezcla, debe asegurarse de que todo su audio esté en su lugar, alineado, cruzado y generalmente listo para mezclarse sin necesidad de grandes cambios ni problemas estructurales. Debe poder concentrarse en los niveles y efectos utilizados en la siguiente fase sin distracción.
Es útil tener preparada una lista de verificación de edición que puede utilizar cada vez que grabe algo nuevo. Podrías usar algo como esto, aunque de ninguna manera es completo:
Editar regiones implica cortar varias tomas y alinear la mejor pista de compilación que puedas. El 95% del tiempo de edición se suele gastar aquí, y eso se debe al kit de batería. Tendrá que pasar por cada pista de batería y asegurarse de que los transitorios se alineen con el ritmo. Eso puede tomar horas para hacer lo correcto. También tiene que acercarse bastante, lo que hace que las cosas sean más lentas, lo que le impide ajustar las líneas de forma demasiado mecánica, como sucedería con un nivel de zoom normal. A un nivel de zoom normal, cualquier sonido que mueva viajará más lejos para ajustarse a la cuadrícula, creando un rendimiento técnicamente perfecto pero emocionalmente vacío..
Una vez que todas las regiones están en su lugar, debe crear fundidos minúsculos en cada región para evitar que se escuchen ruidos por todas partes y asegurarse de que cada empalme entre tomas se desvanezca..
Una vez que esté satisfecho, muchas personas consideran una buena práctica consolidar regiones, por lo que trabajar con ellas de aquí en adelante es más fácil.
Finalmente, aunque cualquier cosa que tenga que ver con los niveles cambiantes generalmente se considera parte de la fase de mezcla, puede ser una buena idea usar la automatización para igualar el volumen de pistas extremadamente variables antes de llegar a la mezcla. Mezclar la primera mitad del verso solo para descubrir que la segunda mitad del verso tiene características dinámicas totalmente diferentes no es divertido y puede requerir mucho trabajo para arreglarlo (la solución fácil es ponerle un compresor muy ajustado a todo, pero si quieres chupar la vida del sonido adelante!).
La mezcla es un proceso tan simple en teoría y, sin embargo, puede llegar a ser tan complicado y estresante en la realidad. La idea es obtener cada sonido controlable y estéticamente agradable con efectos y procesadores, y obtener los niveles correctos. Mi proceso es algo como esto:
La mezcla es realmente un trabajo bastante grande, por lo que sin algún tipo de plan, incluso uno tan básico como el que acabo de describir, no sabrá por dónde empezar ni cuándo habrá terminado. Sé que termino haciendo mucho más de lo que enumero, a menudo en un orden diferente al que enumeré. Pero si no sabe por dónde empezar o cómo abordar el trabajo, su sesión de mezcla tomará mucho más tiempo y le confundirán los problemas con todo, desde su estructura de ganancia hasta el intento de recordar lo que procesó y lo que tu no tienes.
Esta es una parte bastante pasada por alto del proceso de post-producción. Una vez que tenga una mezcla final, querrá crear algunas versiones diferentes de la misma y rebotarlas en el disco. Cada versión contará con un cambio suave que representa un pequeño cambio en el enfoque en los instrumentos de la canción. Uno con una voz principal más fuerte de 1dB, uno con una voz principal más silenciosa de 1dB, uno con voces secundarias más pronunciadas, tal vez uno con tambores más silenciosos, y la lista continúa. Usualmente los cambios no serán más de 1 o 2dB.
Haces esto porque la masterización cambia el sonido de la mezcla y esto te da la capacidad de escuchar rápidamente varias versiones masterizadas sin tener que retroceder, cambiar algo, rebotar, dominarlo y luego comparar. Piense en los cambios más probables que querrá hacer y prepárelos todos para que puedan ser dominados de una sola vez..
Si no está realizando la masterización, que es probablemente la mejor idea (a menos que sea un ingeniero de masterización con un estudio de masterización), aún debe proporcionar estas opciones al ingeniero de masterización. A menudo lo llamarán y pedirán si no los proporciona para empezar. Gracias al colaborador de Audiotuts + Plus Bobby Owsinski por este consejo..
No pretendo saber mucho sobre el dominio; mi flujo de trabajo es preparar mis múltiples versiones y pasarlas a alguien que pretende saber. El mejor consejo que puedo darte es enviar tu música al ingeniero de masterización. Cuando necesito hacerlo yo mismo, no es un método particularmente científico; Hago saltar canciones y las hago importantes para una sesión de masterización de álbumes, aplico los procesadores habituales y trato de alinear los volúmenes de cada pista lo mejor que pueda..
Dicho esto, es importante que la masterización sea parte de su plan, ya que tendrá que encontrar un ingeniero de masterización, reservar parte de su tiempo y recordar enviarle su trabajo..
Si insistes en dominarte, asegúrate de visitar el sitio web de Audiotuts +, ya que tiene algunos tutoriales útiles sobre el tema. Si nunca pretende utilizar un ingeniero de masterización, hágase un favor y obtenga una educación más avanzada en el tema.
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