Uso de técnicas ambientales para componer

"En la grabación moderna, uno de los mayores problemas es que estás en un mundo de infinitas posibilidades. Así que trato de cerrar las posibilidades desde el principio. Limito las opciones. Confino a las personas en un área pequeña de maniobra. Hay una razón por la que la guitarra los jugadores producen invariablemente música más interesante que los sintetizadores: en un minuto, puede revisar las opciones de una guitarra, luego de eso debe comenzar a tomar decisiones estéticas y estilísticas. Esta computadora puede contener mil sintetizadores, cada uno con mil sonidos. Intento proporcionar restricciones para la gente ".
- Brian Eno

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Introducción

Últimamente he estado pensando mucho en las limitaciones y posibilidades en relación con la composición. Usando computadoras y paquetes de software como Logic, Cubase, Sonar o Reason, nuestras posibilidades musicales son casi infinitas. Aun así, a menudo me encuentro sentado frente a mi estación de trabajo, haciendo clic en cientos de presets de sintetizador o sampler en lugar de escribir música..

Los grandes compositores ambientales y minimalistas de nuestro tiempo entienden claramente los escollos potenciales de nuestras opciones casi ilimitadas. Su solución es intentar crear con menos, crear un mundo musical completo en un momento dado, pero hacerlo bajo un conjunto específico de reglas o restricciones. Esas reglas y restricciones pueden variar ampliamente de un compositor a otro, pero afortunadamente para nosotros, usar cualquiera de sus técnicas puede ser útil para casi cualquier estilo de música..

En este tutorial, examinaremos algunas técnicas simples que puede utilizar al componer música, ya sea ambiental, minimalista o incluso rock o pop. Cualquier artista puede beneficiarse aprendiendo estas técnicas y aplicándolas para superar el bloqueo del escritor, desafiar su creatividad de nuevas maneras o simplemente refinar y practicar sus diversas habilidades..

Limite sus opciones

Como señaló Brian Eno en la cita anterior, limitar las opciones puede ser una forma rápida y fácil de forzar una nueva perspectiva sobre la composición. Al reducir las posibilidades, necesitas pensar dentro de un área más pequeña. Cuando está limitado a un conjunto más pequeño de posibilidades, debe examinar todas las opciones inconscientes que normalmente haría al escribir una pista determinada.

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Una forma poderosa de imponer límites es cambiar su software de composición. Por ejemplo, para algunas de mis nuevas melodías, estoy usando GarageBand, no porque creo que es necesariamente la mejor herramienta para el trabajo, sino porque ya me presenta un conjunto más limitado de opciones en cuanto a la creación de sonidos y La manipulación se refiere. Si bien la lógica es mi principal DAW, la gran variedad de características y posibilidades de sonido a veces pueden ser una vergüenza para la riqueza. El uso de GarageBand requiere que tome decisiones sobre la realización, grabación, edición y procesamiento, dentro de un conjunto de posibilidades diferente y más pequeño..

Por lo tanto, limitar nuestro software es una forma de limitar nuestras elecciones. Aquí hay algunas otras formas en que podemos limitar nuestras elecciones que podrían servir a nuestros objetivos compositivos..

Limitar las opciones de software - Use un DAW más simple, use solo MIDI, use solo audio, o componga una melodía completa usando solo un softsynth.
Límite de post-procesamiento - No uses ninguna forma de compresión, ecualización u otras técnicas de masterización para finalizar tu canción. Haz que la mezcla suene bien mientras estás componiendo y déjala así.
Limitar el contenido armónico y melódico - Intenta limitar tu canción a solo unos pocos acordes, o unas pocas frases melódicas simples. Recuerde que todavía necesita mantener la música atractiva, si no es interesante, para el oyente!
Limitar el contenido rítmico - Intenta componer una melodía sin compás ni ritmo. O intente componer en una nueva firma de tiempo como 7/8 o 5/4.
Formulario de limite - Intente trabajar con una forma musical más simple o más compleja, algo que no sea su forma habitual de canción ABBA, etc..

A medida que comiences a experimentar con técnicas como estas, verás que muchas de ellas son incómodas y simplemente no se sienten "bien" para tu estilo de composición.. Ésto es una cosa buena! Esa incomodidad significa que estás comenzando a desarrollar músculos musicales que no has usado antes. Cuando hemos sido perezosos y no hemos hecho ejercicio por un tiempo, encontramos que nuestros músculos y articulaciones tienden a resistir (o protestar) cuando finalmente decidimos salir a correr. De este modo, nuestro estado físico musical se limita a los músculos que usamos o no usamos, así que ejercítese utilizando toda la gama de sus capacidades. Te garantizo que te sorprenderán los resultados..

Ir orgánico

Con la facilidad y el poder de nuestros DAW, sintetizadores y muestreadores, muchos de nosotros nos quedamos atrapados en la tierra de los sintéticos. Una forma poderosa de dar nueva vida a nuestras composiciones musicales es exigir que seamos "orgánicos" y usemos más (o exclusivamente) sonidos orgánicos..

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Incorporar sonidos orgánicos puede significar muchas cosas diferentes, así que veamos algunas posibilidades.

Reemplazar pistas de sintetizador con pistas acústicas - Reemplace una o más de sus pistas existentes con interpretaciones acústicas de las mismas. Donde una vez pudo haber habido un sintetizador principal monofónico, use un clarinete o una flauta o una voz. Una vez que lo hayas grabado, usa el procesamiento posterior para remodelarlo y moldearlo para que se ajuste a tu pista.
Utilizar sonidos encontrados - Ya hemos visto algunos tutoriales (como este) sobre cómo las grabaciones de campo o los sonidos encontrados pueden ayudarlo a crear una paleta única y única para su música. Dedique algo de tiempo a grabar sonidos de su hogar, vecindario o ciudad, y busque nuevas formas de incorporar estos sonidos a su música..
Forma de onda orgánica - Para los geeks de muestreo más avanzados que hay por ahí, puede considerar muestrear algunos sonidos orgánicos y luego editar sus sonidos en trozos de forma de onda más pequeños, incluso tan pequeños como un solo ciclo. Desde allí, puede cargar estas formas de onda en la muestra que elija y crear nuevos instrumentos..
Ir todo en - ¿Cuándo fue la última vez que simplemente comenzó a hacer ruido en todo lo que lo rodeaba y grababa? Instale un micrófono en el centro de su habitación, póngase unos auriculares y comience a grabar. Entonces, comienza a "jugar" tu habitación. Cuando llegue a algún tipo de conclusión lógica, detenga la grabación, arme una nueva pista y repita. Puede comenzar a crear algunos paisajes sonoros realmente únicos de esta manera que puede llevar a nuevos conjuntos de muestras, nuevas pistas de ritmo, o con algunos posprocesos inteligentes, almohadillas ambientales o camas..
Use una ayuda de banda - Adapta una de tus pistas electrónicas en una pista totalmente acústica. Invita a algunos de tus amigos con talento musical, cómprales el almuerzo y la cerveza, y pasa el día grabando y arreglando tu melodía solo con instrumentos acústicos. Esto puede ser un proceso increíblemente divertido y liberador para el músico que normalmente trabaja solo, en una sala pequeña, con solo electrónica ... Como yo.

Jugar con contraste

A veces, los músicos pueden ser intimidados por su propio poder de expresión. Caso en cuestión: ¿cuándo fue la última vez que hizo una canción REALMENTE fuerte, explosiva, áspera o molesta? Alternativamente, si estás en un speed-metal o un artista hardcore de algún tipo, ¿cuándo fue la última vez que hiciste una REALMENTE pista suave y tranquila??

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Podrías decirte a ti mismo: "Hago el tipo de música que hago, y no me interesa hacer algo diferente". De nuevo, considera esto como una forma de "práctica", como tocar escalas o aprender nuevos ritmos, y una forma de flexionar tus músculos musicales. aprender a tocar con contraste, dentro de una canción y con canciones en general.

Con técnicas como esta, es importante no quedar atrapado en la estética, no te preocupes demasiado por cómo suena el producto final o si a alguien le va a gustar. Esto es una práctica, así que tómalo como tal. Juega con contrastes extremos en volumen, en textura y timbre. Componga una canción donde cada pista use alguna forma de distorsión fuerte. Alternativamente, componga una pista donde cada sonido tenga un ataque prolongado y suave. Luego experimenta yuxtaponiendo esos dos elementos dentro de la misma canción.

Uno de mis ejemplos favoritos de esta técnica es usado con gran efecto por Peter Gabriel en su canción 'Darkness' del álbum 'Up'. Tenga en cuenta lo dramático que es el cambio de la introducción al verso: arpegio suave y mudo, seguido de una dura guitarra distorsionada. Esta técnica se repite en el contraste de verso a coro y puente..

Quietud y movimiento

Los árboles, si bien en general no se consideran una cosa 'móvil', rara vez están quietos. Existe un contraste inherente entre la solidez inminente de un tronco de árbol y la sutil fluctuación de las extremidades, ramas y hojas..

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Como compositores, uno de nuestros aliados más poderosos para afectar la emoción en nuestros oyentes es el poder de la dinámica. En el nivel de la superficie, la dinámica puede simplemente referirse a la aparente intensidad o suavidad de un elemento musical en particular. Más generalmente, sin embargo, la dinámica se refiere a la quietud o movimiento inherente dentro de una pieza dada. Esto abarca no solo los cambios de volumen, sino también el tempo, el ataque, el sostenido y los cambios de un elemento dado a lo largo del tiempo.

Hay una gran cantidad de formas en que podemos jugar con movimiento y quietud en una canción, pero aquí hay algunas sugerencias:

Automatización - Experimente con la automatización de los parámetros de panoramización, volumen, ecualización y efectos durante largos períodos de tiempo.
Crear estática - Experimente con la creación de pistas estáticas: pistas que se repiten, sin cambios durante largos períodos de tiempo. Estos contrastan bien con las otras pistas que podrían estar cambiando a su alrededor..
Ser como los arboles - Está bien, no podría pensar en una mejor manera de describir esto, pero la idea aquí es que tienes una "base" relativamente simple y sutil para tu canción. Luego, crea una serie de pistas de 'rama, extremidad y hojas' que se moverán y revolotearán alrededor de esa pista base.

Un excelente ejemplo de esta técnica se puede encontrar en 'Fossil and Fern' de Steve Roach..

Desafiar la expectativa

Algunos estilos de música prosperan al configurar y cumplir con las expectativas musicales. Por ejemplo, la música House y Trance son especialmente efectivas en clubes y raves porque telegrafían las acumulaciones musicales y los desgloses al oyente. De esta manera, el oyente tiene una cierta expectativa y es recompensado cuando esa expectativa se cumple, creando una especie de 'experiencia compartida' cuando su baile coincide con la música..

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A veces, sin embargo, es igual de poderoso interrumpir las expectativas en nuestra música porque puede hacer que el oyente se siente y se dé cuenta. Aquí hay algunas formas en que puedes desafiar las expectativas en tu música..

Formulario de cambio - Como se indicó anteriormente, experimente colocando versos, coros o puentes donde no necesariamente los espere.
Cambiar acordes - Use la colocación cuidadosa de los acordes para interrumpir las cadencias normales para crear tensión y liberar. Aquí hay un gran tutorial sobre cadencias.
Reemplazar instrumentos - Si tiene una línea melódica o armónica particular, considere reemplazar la instrumentación para esa línea en una parte de su canción. Por ejemplo, si su guitarra tiene una parte de armonía o ritmo durante el primer verso, pase esa parte a un piano durante el segundo verso..
No les des lo que quieren (al menos no todavía) - Si está creando música electrónica y trabajando en acumulaciones y desgloses, considere extenderlos al doble de su longitud normal. Alternativamente, una vez que haya pasado por un desglose, no realice una acumulación, simplemente regrese a la mezcla completa, etc..

Conclusión

Estas técnicas deben ser, ante todo, consideradas 'ejercicios'. Piense en ellos como levantamiento de pesas o calisténicos para su música. Es posible que los resultados finales de estas prácticas no siempre sean la mejor opción musical para sus composiciones finales. Sin embargo, comprender estas técnicas y utilizarlas de forma selectiva para limitar las infinitas posibilidades que tiene como compositor, solo puede ayudarlo en su búsqueda para escribir música excelente..

Espero que este tutorial haya sido útil y que tome algunas de estas ideas y las use en su propio trabajo. Si lo hace, me encantaría saber cómo funcionaron para usted; hágamelo saber en los comentarios.!

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