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Es fácil pensar que obtener una buena combinación es solo una cuestión de aumentar algunos faders, obtener un equilibrio razonable, agregar algunos efectos y listo. Claro, eso podría funcionar para una mezcla aproximada, pero hay mucho más que implica crear una gran combinación que va más allá del problema básico del equilibrio. Estas son las cosas que normalmente requieren cierta experiencia o un mentor para darse cuenta. Si bien es mucho más fácil si miras y escuchas mientras un gran mezclador hace lo suyo, permíteme señalar una serie de intangibles que son de vital importancia para una gran combinación. La conciencia siempre es el primer paso para aprender, por lo que aquí hay algunas cosas que debe considerar antes de comenzar a mover los faders..
Es muy fácil quedar atrapado en la parte de audio de ser un ingeniero, pero a menos que consideres seriamente cómo se arma la música en sí misma (asumiendo que eso es lo que estás diseñando), tu producto final probablemente no suena genial, no importa lo bueno que seas en equilibrar pistas.
Estoy seguro de que cualquier persona con un poco de experiencia ha descubierto que la disposición suele ser el problema principal de no audio en una mezcla. En estos días de pistas ilimitadas, es muy fácil apilar más y más elementos musicales junto con dobles y triples y pilas de todo lo que puedas imaginar. Puedes terminar fácilmente con cien pistas para atravesar, y eso te da la tarea imposible de hacer que suene como algo más que un fajo de dúo de audio denso. Un buen productor usualmente aportará algo de sentido al acuerdo, reduciendo las cosas a donde sea razonable, pero a veces el productor es el que exige todo, pero se agrega el fregadero de la cocina. Y si el compositor no tiene un sentido innato del arreglo (muchos sí, por suerte), tienes un lío en tus manos.
Por eso es importante que el ingeniero de mezclas tenga en cuenta algunos principios básicos de la organización musical, porque una gran parte de ser un ingeniero de mezclas es saber cuándo silenciar las cosas y saber qué elementos tienen prioridad en cierta parte de la melodía..
El buen equilibrio en realidad comienza con un buen arreglo, por lo que es importante entender el arreglo porque gran parte de la mezcla es en realidad sustractiva por naturaleza. Esto significa que la disposición, y por lo tanto el equilibrio, se modifica por el simple hecho de silenciar o bajar el nivel de un instrumento cuya parte no encaja bien con otro. Si los instrumentos encajan bien juntos y no luchan entre sí, entonces su vida como mezclador se volverá enormemente más fácil. Pero lo que significa exactamente "pelearse unos con otros" significa?
Pelear significa que dos elementos mixtos requieren atención al mismo tiempo.. Podría ser que los ritmos estén en conflicto, o que los rangos de frecuencia del instrumento sean los mismos, o que los sonidos generales sean demasiado similares. En cualquier caso, su oído no sabe qué escuchar porque cada uno de ellos exige atención, por lo que simplemente se confunde. Cuando el oído se confunde, también se fatiga, y cuando se fatiga, pierde interés todos juntos. Acaba de derrotar la intención de la mezcla en primer lugar, que es Para llamar la atención, no perderla..
Entonces, ¿cómo lograr que dos instrumentos "luchen" entre sí? Lo primero y más importante es un arreglo bien escrito que mantiene los instrumentos fuera del camino de los demás desde el principio. Los mejores escritores, arreglistas y productores tienen una sensación innata de lo que funcionará en cuanto a los arreglos, y el resultado es un arreglo que se une automáticamente sin mucha ayuda. La experiencia también ayudará a un escritor o arreglista a saber rápidamente qué funciona en conjunto y qué no..
Pero no es raro trabajar con un artista o banda que no esté seguro del arreglo (muy común), o que experimente con cada sonido que pueda encontrar, o que solo permita que un instrumento toque toda la canción en lugar de solo el sonido. Sección prevista, creando así numerosos conflictos. Aquí es donde el mezclador tiene la oportunidad de reorganizar la pista manteniendo lo que funciona y silenciar o bajar el instrumento o instrumentos en conflicto. El mezclador no solo puede influir en el arreglo de esta manera, sino también la dinámica y el desarrollo general de la canción..
Para entender cómo la disposición influye en el equilibrio, primero debemos comprender la mecánica de una disposición bien escrita..
La mayoría de los arreglos bien concebidos están limitados en el número de elementos que ocurren al mismo tiempo. Un elemento puede ser un solo instrumento como una guitarra líder o una voz, o puede ser un grupo de instrumentos como el bajo y la batería, una línea de guitarra duplicada, un grupo de coros, etc.. En general, un grupo de instrumentos que tocan exactamente el mismo ritmo se considera un elemento. Ejemplos: una guitarra principal doblada o una vocal doble es un elemento simple, al igual que una voz principal con dos armonías adicionales que cantan la misma melodía. Si el bajo toca muy fuerte con la patada y la caja, eso también puede ser un solo elemento. Sin embargo, dos guitarras principales que tocan diferentes partes son dos elementos. Una guitarra líder y una guitarra rítmica también son dos elementos separados. Entonces, ¿qué es un elemento entonces??
Hay 5 elementos en cada arreglo..
El mayor problema con la mayoría de los arreglos que no funcionan es que tienen demasiados elementos sucediendo al mismo tiempo. No puedes tener 4 elementos de percusión, 5 elementos de guitarra, 3 elementos de teclado, una sección de ritmo y voces principales y de fondo, y no te canses físicamente de escuchar porque simplemente hay demasiadas cosas en marcha.!
La mente anhela inconscientemente la simplicidad y premia un arreglo simple con atención, que es lo que queremos que suceda, por supuesto. Pero, ¿qué significa la simplicidad??
Nunca debes tener más de 4 elementos al mismo tiempo. Puedes salir con 5 de vez en cuando, pero 4 suele ser el máximo. "Pero usualmente hay más de 4 instrumentos tocando en la mayoría de las cosas que escucho en estos días", ¿dices? Sí, pero usualmente están tocando las mismas partes. Por ejemplo, si tiene una parte de guitarra duplicada con una tercera pista tocando la misma parte una octava arriba, eso significa que 3 instrumentos tocan solo 1 parte, por lo que cuenta como solo 1 elemento. Si una guitarra está duplicando una línea de bajo, eso es solo 1 elemento. Si tienes una voz principal que se duplica con otra vocal una octava arriba, eso es solo un elemento. Una orquesta sinfónica puede tener 120 instrumentos, pero cuando la desglosas solo tocan un número limitado de elementos. Eventualmente, todo se reduce a 4 de los 5 elementos mencionados anteriormente.
Aquí hay algunos ejemplos de cómo los elementos de arreglo funcionan en varias canciones. Si parecen familiares es porque he usado algunos de estos ejemplos en el Manual del ingeniero de mezclas, pero son una buena revisión, incluso si los has leído antes..
En el estándar de radio de Bob Seger. Movimientos nocturnos, Los instrumentos que se tocan son el bajo y la batería, la guitarra acústica, el piano, el órgano Hammond, la voz principal y las voces de fondo. Así es como se rompen..
Por lo general, una guitarra acústica cae en la categoría de ritmo, ya que el rasgueo es empujar a la banda y crear emoción. En “Movimientos nocturnos", Sin embargo, la guitarra acústica se retrae en el nivel de la mezcla para que se funda en la sección de ritmo y se convierta en parte del elemento Foundation.. Así es como el mezclador puede influir en la mezcla por balance cuando está al tanto del arreglo..
De Alanis Morissette Gracias Contiene varios buenos ejemplos de ritmo y pads. Lo que es diferente es que hay dos conjuntos de cada uno; Uno para la introducción y el coro y un conjunto diferente para los versos..
Por supuesto, hay mucho más en esta canción, pero las pistas adicionales están reemplazando o duplicando los elementos anteriores. El número de elementos permanece constante..
Gnarls Barkley's Crazy es una canción muy reducida con muy pocas capas, pero los cuatro elementos principales siempre están ahí..
Esta canción es inusual ya que el bajo con la línea de guitarra doblada realmente empuja la canción hacia adelante y realmente se convierte en el ritmo. Bastante inusual, pero efectivo.!
Lo que duele más de Rascal Flatts es un ejemplo de la "nueva" música country, que se asemeja mucho a la música pop en capas, excepto con la adición de instrumentos country tradicionales (guitarra de acero, banjo, violín).
Esta canción es inusual porque no tiene una línea de firma, o elemento de relleno, en la introducción y la salida, y un verdadero relleno solo en un lugar para cada uno. El bajo también se mezcla muy fuerte y ocupa mucho espacio en la mezcla.
Esta canción es diferente porque no hay un verdadero Pad en el sentido tradicional, pero la guitarra de acero que toca suavemente en el fondo actúa bien y demuestra que es posible que los instrumentos no tradicionales desempeñen ese papel..
Hay un par de reglas fáciles de recordar que siempre harán que incluso el arreglo más denso sea manejable..
Como se dijo antes, no debe haber más de cuatro elementos jugando al mismo tiempo. A veces tres elementos pueden funcionar muy bien. Muy raramente funcionarán cinco elementos simultáneos.. Este es tu enfoque número uno como mezclador. Haz que el productor y el artista se den cuenta de lo mejor que sonará la mezcla con menos elementos en lugar de más.
Ahora, si alguien (como el artista) está casado con una parte, no hay cantidad de mendigar, rogar o mostrar y decir que cambiará de opinión, así que una cosa que puede hacer es controlar el equilibrio de los instrumentos ofensivos. Si 2 o más elementos están peleando, simplemente no pueden vivir al mismo nivel, así que prepárate para convertir a uno en un personaje secundario. A veces, un elemento retirado en la mezcla puede mezclarse con otro elemento y hacerlo más interesante, pero solo si se observa el siguiente punto.
Esta regla es tan importante que debe ser estresada.. La disposición encajará mejor si todos los instrumentos se encuentran en su propio rango de frecuencia. Por ejemplo, si un sintetizador y una guitarra rítmica tocan los elementos del contador en la misma octava, por lo general se enfrentarán. La solución sería cambiar el sonido de uno de los instrumentos para que llenen diferentes rangos de frecuencia, jueguen en una octava diferente o toquen en diferentes momentos pero no juntos..
Cuando dos instrumentos con esencialmente la misma banda de frecuencia tocan al mismo volumen al mismo tiempo, el resultado es una lucha por la atención. Piénsalo de esta manera; normalmente no escuchas una voz principal y un solo de guitarra al mismo tiempo, ¿verdad? Esto se debe a que el oído humano no puede decidir cuál escuchar y se confunde y fatiga como resultado.
Las guitarras frecuentemente luchan buscando ser escuchadas. Esto suele suceder cuando tienes un guitarrista apilando partes con la misma guitarra y amplificador, o en una situación en vivo cuando tienes dos guitarristas, cada uno con el mismo tipo de guitarra y amplificador (dos Les Pauls y dos Marshalls que usan la misma configuración de pastilla). sería el escenario de pesadilla, por ejemplo).
En el estudio, lo primero que debes hacer es convencer al guitarrista de que es realmente beneficioso intentar tocar algunas de esas grandes partes con una guitarra o un amplificador o un altavoz diferente, o incluso todo lo anterior. Eso hará que cualquier parte o pila sea más interesante sin tener que tocar una perilla de ecualización. Sin embargo, es más fácil decirlo que hacerlo, porque a veces un guitarrista se casa con su sonido o guitarra y se niega a cambiar (como raza, los guitarristas somos así). Ahora es el momento de alcanzar el EQ. Por cierto, el cambio de pedales no cuenta en esta situación, ya que generalmente solo aumentan la ganancia y es posible que no cambien tanto el balance de frecuencia del instrumento. Un pedal de modulación puede funcionar si cambia el espectro tonal del instrumento.
En términos de una banda tocando en vivo en un concierto o en el estudio con los guitarristas que usan los mismos instrumentos y amplificadores, es cuando es hora de enseñarles la razón por la que los controles de tono se pusieron en los amplificadores. Como regla general, la mayoría de los músicos no tienen idea de cómo usar algo que ajuste las bandas de frecuencia de su instrumento. Hay 3 razones generales para usar el amplificador EQ:
1. Muchos instrumentos (como el bajo y la guitarra) tienen puntos muertos en el instrumento donde algunas notas pueden bajar de nivel.. Un poco de ecualización puede ayudar a suavizar las cosas si puede concentrarse en la banda de frecuencia de las notas que están abandonando.
2. Necesita compensar una deficiencia de frecuencia de amplio rango. Esto podría significar una situación en la que un Strat podría no tener suficiente fondo cuando se juega a través de un Marshall Jubilee, por lo que agregaría un poco de baja con los controles de tono para compensar. Por otro lado, un Les Paul a través del mismo amplificador podría ser demasiado pesado para que restes algo de fondo. Y luego, ese mismo Strat podría tener un rango medio que es como un picahielo en los tímpanos en ciertas notas, por lo que debería retroceder un poco en el rango medio y sacar el pico de los oídos..
3. Y finalmente, en nuestros dos escenarios de Les Paul: dos Marshall, donde 2 jugadores usan el mismo modelo de instrumentos y amplificadores.. Para adaptarse bien a la frecuencia, un jugador ajustaría su tono para tener un poco más de fondo y tal vez eliminaría el rango medio inferior, mientras que el otro jugador iría a por un extremo superior con un pico de rango medio justo donde el otro jugador lo hizo. afuera. Ahí lo tienes - mezcla instantánea.
Por supuesto, las cosas nunca son tan fáciles en la vida real. La mayoría de los guitarristas nunca llegan al nirvana con su sonido, y nunca se desviarán de nada con lo que se sientan cómodos. Pero si llegan a escuchar qué tan exitosa es la técnica en el estudio, luego suelen estar un poco más abiertos a la experimentación. Por supuesto, siempre puedes decirles que xxx (rellena su artista favorito) lo hace así, porque probablemente él lo hace..
Cada canción tiene algo que es el principal punto de interés o algo tan convincente que no puedes dejar de escucharlo (si no es así, envía la canción al tablero de dibujo. No está completa).
Aunque tener el control sobre cómo aparecen los cinco elementos anteriores puede ser suficiente para muchos tipos de trabajos de audio, y puede estar bien para obtener una mezcla decente, la música más popular requiere una mezcla que pueda llevar la canción a otro nivel. Aunque siempre es más fácil con pistas geniales, arreglos sólidos y reproducción espectacular, una gran combinación puede tomar pistas simplemente correctas y transformarlas en material de éxito tan convincente que la gente no puede obtener suficiente. Se ha hecho en algunas de tus canciones favoritas de todos los tiempos..
Entonces, ¿cómo podemos llegar a ese punto?
Más que solo ser técnicamente correcto, una mezcla debe ser tan interesante como una buena película. Se debe construir a un clímax mientras se tienen puntos de tensión y liberación para mantener al oyente involucrado subconscientemente. Al igual que una película parece más grande que la vida, una gran combinación debe sonar más grande que la vida real. La pasión y la emoción deben estar en un nivel donde el oyente sea absorbido y obligado a escuchar..
¿Y la forma de hacerlo? Encuentra cualquier elemento que sea el más importante para la canción. En algunos casos (como la música dance y rap), el elemento más importante es el ritmo. Sin embargo, en otros géneros (como el país), es la vocal. Es Rock and Pop, puede ser una línea de firma o gancho.
Aunque el elemento más importante es a menudo la voz principal, no necesariamente tiene que serlo. Podría ser un riff de The Stone's. Satisfacción y Me arranque o la intro de Coldplay Relojes o el ritmo en los versos de The Arctic Monkey's. Apuesto a que te ves bien en la pista de baile. Siempre es una parte tan convincente que te obliga a escuchar la canción..
Cualquiera que sea la parte más importante, el mezclador debe identificarla y enfatizarla en la mezcla para que la mezcla se eleve más allá de lo normal..
Accentsconagua