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Últimamente he necesitado inspiración creativa y siento la necesidad de experimentar con nuevas técnicas a medida que descubro mi visión y perfecciono mi oficio. Con ese fin, recordé a un chico con el que me encontré hace aproximadamente un año y medio, el fotógrafo de bellas artes Harold Ross, que tiene un estilo único que ha desarrollado durante casi 20 años..
Me impresionó no solo su increíble fotografía, sino también su capacidad para comunicar su arte de manera coherente, algo con lo que siento que siempre estoy luchando. A primera vista, las imágenes en su galería tienen una sensación muy HDR. Pero tras un examen más detenido, hay algo más en juego aquí. Harold es un maestro de la técnica conocida como pintura de luz..
No estoy hablando de la práctica de tomar una foto mientras se dibuja con un lápiz óptico, aunque la idea no está demasiado lejos. Pintar con luz es el proceso de aplicar luz sobre un sujeto de una manera muy enfocada y selectiva para resaltar sus formas, texturas y colores únicos. No solo está utilizando su (s) flash (es) y reflectores fuera de cámara para hacer rebotar o arrojar luz sobre su sujeto, sino que está utilizando físicamente su fuente para aplicar la luz sobre el sujeto, dando a cada elemento de su marco un tratamiento personalizado.
Ciertamente no soy el maestro de la pintura de luces que Harold Ross, pero con un poco de experimentación, después de solo unos pocos intentos, pude controlar el proceso y crear algunos compuestos bastante geniales. Empecemos!
Esta técnica requiere una velocidad de obturación mucho más lenta de la que estamos más acostumbrados a disparar. En tal caso, cualquier luz de la habitación tiene el potencial de tener un efecto en la imagen. Para minimizar esto, asegúrese de configurar su disparo en una habitación oscura o, cuando tome fotografías en el exterior, por la noche para que pueda tener el mayor control posible sobre la escena..
Al fotografiar en situaciones de poca luz donde se requieren tiempos de exposición más largos, es absolutamente esencial usar un trípode para garantizar que sus imágenes sean lo más nítidas posible. Esto demuestra ser doblemente importante para esta técnica porque tomará una serie de tomas que luego compondrá..
Un trípode ayudará a asegurarse de que cada marco esté alineado correctamente desde el principio y minimizará la cantidad de destornillador que se utilizará más adelante en Photoshop. Para evitar más cambios leves de la cámara cuando presiona el obturador, puede considerar el uso de un cable u otro disparador remoto..
He visto cualquier cosa, desde una simple linterna hasta una luz LED, hasta una fuente puntual muy fina utilizada de manera efectiva en esta técnica. Desde mi experiencia, una buena opción a considerar, para aquellos de ustedes con teléfonos inteligentes, es descargar una aplicación de linterna. Utilicé "Flashlight" de John Haney Software en mi iPhone, que puede descargar de forma gratuita desde App Store.
Por lo general, soy un jugador de batería con la duración de la batería y trato de mantener un poco el brillo de la pantalla para que dure más entre las cargas, pero para este proceso, lo subí todo el tiempo. Emite más luz de lo que piensas, especialmente cuando tienes una exposición larga.
Uno de los principales beneficios de usar una aplicación de iPhone como esta para pintar con luz es lo cómodo que es manejar el teléfono. La aplicación realmente convierte su teléfono en una mini caja de mano de mano, lo que permite sombras más suaves y una iluminación más uniforme en general. Realmente, cualquier tipo de fuente de luz que desee utilizar podría hacer un buen trabajo dependiendo de la apariencia que esté buscando. Lo único que hay que tener en cuenta es que debe ser una iluminación continua de una fuente relativamente pequeña para que tenga el control que necesita para que el efecto funcione..
Para obtener el efecto que estamos buscando, necesitamos reducir la velocidad de nuestros obturadores. La velocidad exacta del obturador es una cuestión de preferencia y el resultado de algunas pruebas y errores. Para mi experimentación, encontré que una exposición de 5 segundos a f5.6 e ISO 100 funcionó bien y me dio mucho espacio para hacer los ajustes necesarios más adelante. Estoy seguro de que usar un ISO más alto estaría bien, pero debido a que estamos filmando con poca luz, el ISO más bajo ayudará a mantener a raya cualquier ruido digital.
Al decidir qué disparar al pintar con luz, descubrí que una escena con una variedad de texturas y niveles de reflectividad funciona mejor. Con las luces encendidas (si está filmando en interiores), configure su toma mientras mira por el visor para asegurarse de que todo se vea bien para usted. Para asegurarse de que el enfoque sea agradable y nítido en su imagen final, use su enfoque automático, con las luces encendidas, y luego ajuste su enfoque en manual y no toque su lente de nuevo hasta que haya terminado.
¡Ahora viene la parte divertida! Con todo listo para apagar, apaga las luces, enciende tu fuente de luz y prepárate para disparar. Cuando dispares a 5 segundos, tendrás suficiente tiempo para enfocar un solo elemento en la escena con cada disparo del obturador. Decida de dónde quiere que venga su fuente de luz principal implícita (superior izquierda, superior derecha, etc.) y tenga eso en cuenta cuando comience a pintar para que tenga un aspecto uniforme.
Diríjase a cada elemento uno por uno y con un movimiento constante, a pocas pulgadas del sujeto, y brille su fuente de luz en la superficie para asegurarse de que haya una cobertura uniforme. También debes asegurarte de aplicar un poco de luz alrededor de los lados del sujeto para que suavice los bordes y resalte más detalles. Incluso puede considerar tomar otra foto con la luz proveniente de la dirección opuesta, y desde un poco más lejos, de la misma manera que usaría un reflector o un segundo estroboscopio para que las áreas de sombra del sujeto también tengan algún detalle..
Para sujetos más grandes, como la lámpara, en este ejemplo, ilumine diferentes áreas individualmente y las agruparemos en un poste. Para elementos como el vitral, encendí desde atrás en lugar de hacerlo desde el frente. Esto hizo un par de cosas para mí: 1) redujo los reflejos en el vidrio y 2) permitió que el color del vidrio fuera más brillante.
Una de las cosas a las que no presté atención durante mi primer trabajo de pintura con luz, anteriormente en el mismo rodaje, pero me di cuenta de que una vez que llegué a este fue el fondo y la parte superior de la mesa. Enfocé más mi atención en los objetos y olvidé considerar toda la escena. Tómese el tiempo, incluso al final después de haber golpeado en todos los sujetos, para iluminar el fondo y la superficie de la mesa para que no tenga áreas oscuras no intencionadas en su imagen final.
Asegúrese de revisar cada fotograma después de tomarlo para verificar cualquier reflexión no intencionada que haya ocurrido o si se perdió un lugar, etc. Siempre es más fácil tomar otra foto inmediatamente que descubrir un error en la publicación y tener que regresar y volver a disparar más tarde.
La parte de procesamiento posterior de este proyecto es bastante sencilla. Importé todos los cuadros que capturé primero en Lightroom para poder transferirlos fácilmente a Photoshop sin tener que pasar por una serie de otros pasos antes de que estuvieran listos para ingresar a Photoshop (especialmente porque tomo en RAW).
Una vez que tenga todos los marcos descargados en Lightroom, selecciónelos todos y vaya a Foto> Editar en> Abrir como capas en Photoshop. Esto creará una nueva PSD con cada una de las imágenes como su propia capa. Si no es un usuario de Lightroom y tiene todas las imágenes como jpegs, puede realizar un proceso similar para llevar automáticamente todas las tomas a una sola PSD. Simplemente vaya a Archivo> Secuencias de comandos> Cargar archivos en la pila. Localice y seleccione las imágenes, haga clic en Aceptar y tendrá su PSD listo para funcionar una vez que Photoshop haga su trabajo..
Ya que cambiará de una capa a otra para ajustar sus máscaras, descubrí que ocasionalmente pintaré la capa en lugar de la máscara. Para evitar este error, convierta cada capa en su propio objeto inteligente: después de todo, no puede pintar directamente en un objeto inteligente. Como hago muchos objetos inteligentes cuando trabajo, en general, configuro un método abreviado de teclado personalizado (F2) que convierte la capa seleccionada. Es un ahorro de tiempo real.
Nuestro siguiente paso es agregar una máscara de capa a cada capa para aislar las áreas que están expuestas correctamente y ocultar las áreas de la capa que son inútiles. Haga esto en cada capa del panel hasta que haya completado todo el enmascaramiento. Ahora puede ingresar y hacer una fusión más precisa para crear una única imagen uniforme de su grupo de cuadros individuales. No hay verdadero secreto para esta parte. Use su mejor criterio para hacer que cada capa fluya hacia la siguiente, mostrando las mejores partes de cada tema.
Si no es un usuario de Lightroom, su próximo paso será hacer todos los ajustes finales a la imagen general hasta que tenga un producto terminado. Desde que uso Lightroom, mi siguiente paso es simplemente guardar la PSD, que se agregará automáticamente a mi biblioteca de Lightroom.
Ahora que tengo mi PSD compuesto final en Lightroom, lo trato como si fuera cualquier otra imagen y realizo los ajustes globales necesarios para pulirlo, como curvas, niveles, etc.?
Y ahí lo tienes!
Una técnica como esta realmente te da espacio para probar cosas nuevas y ver qué funciona para ti. Para descubrir este flujo de trabajo, todo lo que hice fue mirar algunos ejemplos del trabajo de Harold, tener una idea de lo que estaba haciendo, y simplemente agarrar mi cámara y experimentar. Realmente no hay una forma incorrecta de hacerlo, así que concédete permiso para probar algo que nunca has hecho antes y, lo más importante, diviértete!
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