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Cada dos semanas, volvemos a visitar algunas de las publicaciones favoritas de nuestros lectores de toda la historia de Phototuts +. Este tutorial fue publicado por primera vez en agosto de 2010..
Hoy, echamos un vistazo a la teoría y la psicología detrás del tamaño, el encuadre y el peso visual de diferentes elementos en su composición fotográfica. Se sorprendería de lo mucho que hay que aprender acerca de esta opción y del impacto que puede tener su decisión.!
Las fotografías son nuestras visiones, creadas dentro del visor, compuestas y registradas con un clic de un botón. A veces, esta composición inicial es la composición final, y otras veces no lo es. A veces componemos nuestra escena con la intención de crear nuestra visión final en ese momento, mientras que a veces componemos una escena con la intención de recortar o ampliar nuestra visión posteriormente..
La mayoría de las fotos en formato de 35 mm se toman con firmeza, componiendo la imagen final. Sin embargo, los formatos grandes nos permiten recortar y recomponer sin poner en peligro la calidad de nuestra imagen. Y, por último, los formatos cuadrados son menos convenientes para las composiciones finales y, a menudo, se recortan a otros más deseables..
A diferencia de otras formas de arte gráfico, una fotografía siempre ha estado limitada por dimensiones espaciales que están limitadas al marco de la imagen. Y la mayoría de las veces, esas dimensiones guardan y eventualmente influyen en la composición de nuestras escenas..
Hasta la evolución completa de la fotografía digital, el formato de cuadro de imagen más común era el de una relación de ancho a altura de 3: 2, que es el formato de cuadro estándar de una película de 35 mm con dimensiones de 36x24 mm. Con el avance de la fotografía digital, pronto se adoptó el formato de cuadro más natural de una relación de ancho a altura de 4: 3 en cámaras de consumo de nivel bajo a medio. Esto permitió un marco de imagen más expandido horizontalmente y visto de manera natural, especialmente en pantallas de computadora y papel de impresión de tamaño estándar.
El formato de película de 35 mm se transfirió sutilmente a la fotografía digital creando una brecha entre el fotógrafo profesional / aficionado serio y otros fotógrafos. Y su popularidad de larga duración es solo una pequeña evidencia de la facilidad con que nuestro sentido de la composición visceral se adapta..
Nuestra visión natural a menudo sugiere una vista horizontal (debido a la forma en que observamos naturalmente con nuestros ojos), que puede ser la razón más influyente por la que las fotografías a menudo se componen de forma horizontal en lugar de vertical. Otra razón, menos fundamental, es la facilidad para sujetar una cámara de forma horizontal debido a la construcción y el diseño..
Cuando un sujeto es alargado verticalmente, tiene más sentido y es percibido de forma más natural por la visión humana cuando está enmarcado verticalmente. Si nuestra escena o sujeto se expande horizontalmente (o igualmente en ambas direcciones), la visión humana la percibe de manera más natural enmarcada horizontalmente.
Además, cuando un objeto está enmarcado horizontalmente, es más conveniente que el ojo del espectador se componga descentrado, inclinándose ligeramente más hacia un lado del marco. Y cuando un objeto se enmarca verticalmente, es más conveniente si el sujeto se coloca descentrado en la parte superior o inferior del marco, siendo la ubicación inferior más adecuada y natural, ya que sugiere y transmite estabilidad en lugar de causar una sensación de mirar hacia abajo, sensación de cabeza baja.
Si un sujeto vertical está enmarcado horizontalmente, a menudo se compone hacia cualquier extremo de un marco horizontal para motivar al ojo a moverse horizontalmente a lo largo del marco..
Sin embargo, dentro de un marco cuadrado, esto se vuelve más complicado debido a la falta de énfasis direccional del marco. Solo unas pocas cámaras ofrecen realmente un cuadro de 1: 1 de ancho a alto, y es común que los fotógrafos con una forma de cuadro así compongan su escena, dejando los extremos sueltos o sin usar para recortar vertical u horizontal posteriormente..
Como la mayoría de los sujetos no son naturalmente cuadrados, un marco cuadrado ofrece un desafío para una composición exitosa. Dado que la mayoría de las formas de paisajes a menudo se conciben y se enmarcan horizontalmente, un marco cuadrado podría suponer un desafío para controlar el flujo visual de una imagen.
Sin embargo, un marco cuadrado podría, a veces, ofrecer un cambio interesante o incluso refrescante con respecto a las formas de marco alargadas vertical u horizontalmente más familiares. Incluso puede ser un formato más conveniente para sujetos simétricos (como en la foto de abajo por Elena erda).
Es importante tener en cuenta que estas ideas son sugerencias, en lugar de reglas realmente rígidas que siempre deben seguirse.
Cuando solo hay que encuadrar un solo sujeto, puede parecer lógico colocarlo en el centro, con un espacio vacío igual a su alrededor en todas las direcciones. A veces esto realmente funciona, pero el problema con este tipo de encuadre es la previsibilidad. Siempre vale la pena apartar la vista de esta opción y experimentar con la colocación del sujeto en diferentes lados de la composición para ver cuál funciona mejor..
Esto se vuelve más importante si el sujeto es de tamaño relativamente pequeño en comparación con el espacio circundante completo. Cuando el sujeto está descentrado, crea tensión dentro de su imagen. Esta tensión se puede describir como una fuerza fisiológica, que en fotografía le da una ventaja adicional a sus fotos, transmitiendo emoción y creando drama..
Si el sujeto está descentrado, da la sensación de que está luchando hacia el centro para volver a equilibrarse en un lugar lógico, o que intenta alejarse aún más del centro hacia el borde de la fotografía. Teoría de nivel bastante alto, estoy de acuerdo, pero vale la pena considerarlo!
Si también hay otros temas para encuadrar, su composición debe equilibrar estos temas dentro del marco. Quiero mostrarles un ejemplo que ilustra lo que estoy hablando, y realmente no podría pensar en ningún ejemplo mejor que De trey ratcliff foto famosa: La trinidad solitaria.
En esta imagen, puedes ver claramente cómo Trey balanceaba brillantemente su foto al organizar los tres elementos principales de su imagen de manera triangular, haciendo que cada dos sujetos opuestos se equilibren entre sí, terminando con una composición agradable:
Cuando ve una fotografía, generalmente mira primero lo que más le interesa. Dicho esto, hay algunos hechos indiscutibles que se sabe que gobiernan lo que más interesa a los espectadores y lo que les llama la atención (y en qué secuencia).
Por supuesto, descubrir cómo la gente ve una escena es un proceso complejo, pero hay un consenso general sobre lo que atrae la atención primero, ya sea porque tendemos a relacionarnos con ellos emocional y personalmente, o porque confiamos inconscientemente en ellos para obtener una sentimiento o reacción.
Por ejemplo, caras Se sabe que son el elemento visual más atractivo, en particular el ojos y el boca. Después de todo, esto es lo que buscamos para adivinar cómo se sienten las personas, qué piensan de una situación particular o cómo van a reaccionar..
Después de esto, escritura Tiende a atraer más al ojo. La escritura transmite un alto nivel de información sobre una situación específica. Incluso si está escrita en un idioma extranjero, la escritura aún agrega una gran calidad estética a una obra de arte simplemente por el hecho de que representa una fuente o elemento informativo..
Luego vienen otros elementos en el marco, determinados por su prominencia y el espacio que se les da dentro de la composición..
Una obra de arte visual siempre ha estado, y siempre estará, sujeta a interpretación individual. Tal vez ningún artista podrá dirigir perfectamente a su audiencia en la dirección correcta.
Lo que un fotógrafo puede hacer, para ayudar a los espectadores a comprender el sentido del arte en su trabajo, es incentivarlos o empujarlos en la dirección correcta observando y comprendiendo los pesos visuales de los diferentes elementos. El uso de estos con cuidado puede ayudar a una foto a contar una historia, atraer una emoción o atraer la atención de los lectores a un punto en particular.
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