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Es el Día Internacional de la Mujer, un día enfocado en apreciar a las mujeres y sus contribuciones a la sociedad. ¿Qué mejor manera de celebrar aquí que con una lista de las diez artistas más influyentes? La siguiente lista, sin ningún orden en particular, destaca a algunos artistas fantásticos que rompieron fronteras, se destacan como influencias principales y contribuyeron enormemente al mundo del arte a lo largo de la historia y de hoy..
Nacida en París, Francia, Vigée Le Brun (1755-1842) es más conocida como pintora de retratos durante el período rococó absolutamente decadente. Fue la pintora de retratos personales de María Antonieta, después de haber pintado a la reina (ya veces a su familia) más de 30 veces. El legado de Vigée Le Brun incluye cientos de pinturas con más de 600 retratos y 200 paisajes..
La reina María Antonieta de FranciaEl legado artístico de Vigée Le Brun no es algo que se recuerde hoy. Ella, a diferencia de la mayoría de las mujeres en el arte en ese momento, era increíblemente conocida y famosa. Cuando ella y su hija huyeron de Francia al inicio de la Revolución Francesa, viajaron por toda Europa donde los aristócratas la conocieron y le dieron la bienvenida, permitiéndole seguir pintando en su estilo característico. Llegaron a Rusia, donde pintó hermosos retratos de la reina Catalina y sus hijas..
Condesa SkavronskaiaFinalmente, Vigée Le Brun regresó a París y se reunió con su esposo, donde sobrevivió a su familia y continuó pintando durante toda su vida, una artista hasta el final. Es debido a la pasión, el estilo y la capacidad de Vigée Le Brun para cortejar influencia entre personas de todo el mundo a través de su vida y más allá de eso, la incluyo en esta lista. Su prolífica carrera es inspiradora, y la variedad de personas que le encargaron retratos son increíblemente interesantes..
Es probable que estés familiarizado con algunas de las mujeres en esta lista. Mary Cassatt (1844-1926), nacida en Pensilvania, es más conocida como impresionista que se centró en las mujeres, los niños y la maternidad como temas de su trabajo. Si buscaras en Google "¿Quién es la dama que pinta bebés?", Probablemente encuentres el trabajo de Mary Cassatt..
Hora de veranoCassatt estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, decidida a hacer una carrera profesional, desde la edad de 15 años (o 16, las fuentes varían) hasta 21. En 1866 se mudó a Francia, para gran disgusto de su padre, para continuar Su trabajo y estudio. En el momento en que las mujeres no podían asistir a la escuela de arte, entonces ella tomó clases privadas, sin embargo, ni una sola vez se apartó de su objetivo: una carrera como artista. En 1868, la obra de Cassatt., Un jugador de mandolina, Fue seleccionado para el Salón de París, la exposición de arte oficial de la Académie des Beaux-Arts. Fue una de las primeras mujeres estadounidenses en ser aceptadas en la exhibición..
Lamentablemente, tuvo que abandonar Francia en 1870 para evitar quedar atrapada en la guerra franco-prusiana. Hacerlo significaba que sus esfuerzos artísticos se vieron afectados, ya que su padre aún no apoyaba las opciones de su carrera e incluso hizo que considerara renunciar a sus objetivos gracias a la falta de apoyo e inspiración. Afortunadamente, ella pudo regresar a Europa después de haber sido encargada por el arzobispo de Pittsburgh para pintar copias del maestro pintor Correggio en Parma, Italia..
Joven madre cosiendoMientras estaba de vuelta en Europa, su trabajo adquirió un estilo impresionista, y se hizo amiga de Edgar Degas, un artista impresionista y pintor colega. Es esta amistad la que la inspiró a seguir su propio camino, y eventualmente se convirtió en el estilo que más conoce: la pintora de retratos de mujeres y niños..
Su historia está truncada aquí con seguridad (aunque puede ser una de las más largas en esta lista), pero quería resaltar su persistencia en la consecución de sus objetivos, no hacer nada para crear arte y dejar una impresión indeleble en el mundo..
Harriet Powers (1837-1910) fue una esclava liberada afroamericana que creó hermosos edredones de cuentos en el siglo XIX. Harriet nació como esclavo unos 30 años antes de la Guerra Civil Americana..
Colcha de la bibliaDurante mucho tiempo se pensó que los bloques de su colcha, la mayoría de los cuales contaban historias de la Biblia, se basaban en historias contadas a ella. Gracias a una carta escrita por Harriet que apareció en 2009, ahora sabemos que ella era una mujer alfabetizada que transformó historias conocidas que ella misma leyó en obras maestras pictóricas en la tradición de hacer colchas..
Los edredones de Harriet aparecieron por primera vez en una feria del algodón a fines de la década de 1880, pero finalmente se vendieron cuando ella se encontró con problemas financieros años más tarde. La compradora de la colcha, Jennie Smith, registró el significado y la historia de la colcha, tal como la contó Harriet, lo que nos permite comprender más sobre las intrincadas historias contadas en el trabajo de Harriet de hoy..
Edredón pictóricoJuntas, cosidas y bordadas a mano, sus edredones son obras de arte fenomenales, que se ilustran con un medio que es una alternativa para pintar o un lápiz. Creo que es importante compartir la historia de Harriet teniendo en cuenta la historia de su país y sus propias experiencias, así como la habilidad que mostró en el arte popular. Ser capaz de conectar con tales piezas hoy y ver a los artistas continuar estas tradiciones hace que estas habilidades completen el círculo..
Es difícil imaginar imágenes del sudoeste de Estados Unidos o flores abstractas sin las pinturas de Georgia O'Keeffe (1887-1986). Originaria de Wisconsin, esta artista del medio oeste estudió pintura en el Instituto de Arte de Chicago a principios del siglo XX, donde se formó en la tradición mimética, en la que el arte imita o representa a la naturaleza. Sin embargo, ella no estaba satisfecha con su trabajo en esta teoría y decidió dejar de seguir una carrera como artista..
Luz de irisNo fue hasta que estudió con Arthur Wesley Dow que se inspiró para alejarse del realismo y experimentar con abstraer el mundo a su alrededor. Ella es reconocida como una de las primeras artistas estadounidenses que se separan del realismo de esta manera y anuncian una nueva era del arte estadounidense: la abstracción pura..
En 1916, una amiga suya mostró algunas de estas obras a Alfred Stieglitz, un comerciante de arte y conocido fotógrafo. Exhibió su trabajo en su galería, 291. Esto no solo inició su carrera como la artista que conocemos hoy, sino también su relación y el matrimonio final..
El trabajo de O'Keeffe iba desde temas orgánicos, como primeros planos y abstracciones de flores, hasta estructuras hechas por el hombre, como los edificios de Nueva York, donde ella vivía y trabajaba. Curiosamente, gran parte de su trabajo centrado en la flor se considera que también representa genitales femeninos, aunque O'Keeffe rechazó estas interpretaciones..
Finalmente, se cansó de estos temas y viajó a Nuevo México, donde los paisajes y la iconografía inspiraron tanto su trabajo que finalmente se mudó allí. La popularidad de su trabajo nunca vaciló, sin importar el tema que ella tomó.
Desde el lejano, cercanoYa fuera intencional o no, O'Keeffe fue un creador de tendencias; Su trabajo coincidió con las tendencias artísticas (flores y modernismo americano anteriormente, y ahora paisajes y escenas regionales). Pintó sin ayuda hasta bien entrados los 80 años, y cuando la vista le falló, trabajó con asistentes, creando de su memoria motivos muy queridos..
Frida Kahlo (1907-1954), una pintora surrealista mexicana, es mejor conocida por sus autorretratos de colores brillantes y extraños. Cuando era niña contrajo polio, lo que hizo que su pierna derecha se adelgazara, algo que escondió en faldas largas durante gran parte de su vida..
A los 18 años sufrió un accidente de autobús, que la dejó con varias lesiones graves, la mayoría de las cuales se recuperó, pero tuvo efectos duraderos en su cuerpo, incluidos episodios de dolor y problemas de reproducción de por vida, el último de los cuales apareció como una enfermedad común. tema de su obra de arte. En el momento del accidente, ella estaba estudiando medicina, pero la abandonó y comenzó a pintar mientras estaba inmovilizada durante la recuperación..
Autorretrato con un monoA lo largo de su vida, Frida pintó más de 140 pinturas, 55 de las cuales fueron autorretratos. Su trabajo fue brillante y colorido, influenciado en gran medida por su cultura mexicana. Los temas comunes incluyen expresiones simbólicas de sus desafíos físicos y estado psicológico. Ella es citada diciendo: “Nunca pinté sueños. Pinté mi propia realidad ".
La realidad de Kahlo incluía un matrimonio tumultuoso con el pintor Diego Rivera, que apoya abiertamente el comunismo y las amistades con Pablo Picasso, León Trotsky y Marcel Duchamp. Su cuerpo de trabajo creció y creció con el tiempo, mostrando sus dificultades para usar aparatos ortopédicos, cirugías de la columna vertebral y su dolor crónico físico y mental..
El ciervo heridoEl trabajo de Frida estaba lleno de emoción, pasión y, a menudo, se volvía hacia adentro, dando al mundo una idea de su mente y estado de ser. Ya sea que esté de acuerdo con su política o no, sus ideales nunca se ocultaron en su trabajo o en su vida. Y como tal, ella no ocultó sus luchas con la depresión o el dolor. Ella cometió estos pensamientos y sentimientos al lienzo y compartió todo lo que sentía, de manera creativa, con el mundo..
Caterina van Hemessen fue una pintora renacentista flamenca, que vivió desde 1528-1587 (o más), y es más conocida por ser la primera pintora en crear un autorretrato que representa a un artista en su caballete. Con el autorretrato, una característica tan común de los artistas (y la humanidad, en realidad), es increíble pensar que no fue hasta el siglo XVI cuando un artista se mostró trabajando en su trabajo..
Auto retratoA diferencia de los otros artistas en esta lista, el cuerpo de trabajo de Van Hemesse es pequeño y sus años de pintura fueron cortos. Probablemente entrenada por su padre, el pintor Jan Sanders van Hemessen, Caterina fue principalmente una pintora de retratos. Un tema común visto en su trabajo, hombres ricos en ropa elegante sobre un fondo oscuro, probablemente se deba a las pinturas que encargan los patrones ricos..
Se dice que su trabajo se detiene en 1554, alrededor del momento en que se casó, algo común en ese momento. Sin embargo, considerando que ella murió unos años más tarde, es realmente desconocido si hubiera retomado la pintura más tarde en la vida..
Retrato de una damaLa he incluido en esta lista por influir en tantos artistas en autorretratos y retratos. No todos los artistas producen trabajo para siempre, pero para mí, es notable que el artista que inició la tendencia de los autorretratos en caballetes es bastante influyente..
Sofonisba Anguissola fue una pintora renacentista italiana que vivió entre 1532 y 1625. La educación artística de Sofonisba vino de estudiar con Bernardino Campi y Bernardino Gatti. Esto sentó un precedente, por fin, para que las mujeres sean aceptadas como aprendices y estudiantes de bellas artes. Su padre la alentó a ella y a sus hermanas en sus esfuerzos artísticos, probablemente más de lo que otras mujeres habrían experimentado en ese momento..
Autorretrato en el caballete.Es un hilo común a lo largo de esta lista: el estímulo aparentemente anacrónico de las mujeres para alcanzar sus metas y soñar para un futuro lleno de creación de arte conduce a un gran éxito, o al menos tanto éxito como las mujeres podrían alcanzar en su tiempo. Para Sofonisba, esto significaba que no podía estudiar anatomía y dibujo de la vida como lo eran los hombres (durante muchos, muchos años, a las mujeres no se les permitió estudiar la forma humana desnuda).
Para contrarrestar estos límites ridículos, Sofonisba pintó retratos informales de miembros de la familia o de ella misma. Una de sus piezas, Lucia, Minerva y Europa Anguissola jugando al ajedrez, Muestra a sus hermanas en ropa formal con expresiones informales. En ese momento, los retratos italianos eran rígidos y formales. Ella creó expresiones naturales y marcó el comienzo del concepto de pintar a las personas como eran en vez de como querían ser vistas (versiones idealizadas). Además, el juego de ajedrez era popular, pero generalmente solo se veía como algo para niños o hombres debido a su uso de la lógica y la estrategia..
Lucia, Minerva y Europa Anguissola jugando al ajedrezA fines de la década de 1550, Sofonisba era bien conocida y fue invitada a España para ser la pintora de la corte del rey Felipe II. Ella tenía una residencia en la corte de 14 años, pintando retratos y sirviendo como mentora artística de la reina Isabel de España y sus hijas. Con el tiempo, se casó, vivió en Palermo, perdió a su esposo, se mudó a Génova y se volvió a casar. Se convirtió en la principal pintora de retratos de Génova hasta que regresó a Palermo a finales de su vida..
Su último autorretrato aparece como pintado en 1620. En sus años crepusculares, se convirtió en una gran patrona de las artes, ya no podía ver bien ni contribuir a sí misma debido a las cataratas y la falta de visión. Sofonisba se elevó por encima de los límites establecidos por la sociedad según su género, pintando hasta su vejez y estableciéndose, una y otra vez, como una fuerza artística a tener en cuenta mucho después de que muchos de sus contemporáneos se hubieran ido..
Artemisia Gentileschi fue una pintora barroca italiana, habiendo vivido desde 1593 hasta 1653 (o más). Es considerada una de las mejores mujeres del arte durante su vida, y se centra en ideas progresivas sobre mujeres que no se vieron públicamente en ese momento..
Gentileschi se introdujo en el arte gracias a su padre, el pintor Orazio Gentileschi, y muy influido por el pintor italiano Caravaggio. Sin embargo, su trabajo, a diferencia del de su padre, era muy naturalista en lugar de idealizado, y obtuvo un gran reconocimiento por ello..
Susana y los ancianosUna pintura anterior notable de Gentileschi es Susana y los ancianos. La historia de la pieza proviene del Libro de Daniel, que representa a una mujer llamada Susanna que fue acusada falsamente por un par de ancianos espeluznantes. En la historia, Susanna se niega a ser chantajeada, es arrestada y casi muere antes de que Daniel la salve, interrogando a los ancianos y mostrándoles que son mentirosos..
Esta pieza es notable porque la pintura de Artemisia se centra en la emoción de Susanna, mostrando que el voyeurismo es una experiencia traumática. En ese momento, pocos artistas habían representado esta historia de esta manera; Pocos artistas se centraron en la experiencia de una mujer..
En 1612 se presentó una demanda contra Agostino Tassi, un artista bajo el que Artemisia había estudiado, por haberla violado. Tassi manipuló a Artemisia después de la violación, prometiendo el matrimonio para restaurar la noción de "virtud" de su cultura. El juicio fue muy publicitado y sacó a la luz las verdaderas intenciones de Tassi de matar a Artemisia y robar las pinturas de Orazio. Tassi simplemente fue sentenciado a un año de prisión y en realidad nunca cumplió la condena..
Judith y su criadaEstos eventos cambiaron para siempre el trabajo de Artemisia Gentileschi: su violación, la decisión del tribunal, la falta de ayuda de las mujeres en su vida y la experiencia del juicio en sí. Su trabajo luego se centró en imágenes de solidaridad entre mujeres, mujeres poderosas y representaciones gráficas que le sirvieron de catarsis. Se piensa que muchas de sus pinturas de mujeres fuertes se parecen a la Artemisia..
Ella pintó durante toda su vida y fue muy apreciada. Su trabajo después de su muerte, sin embargo, había sido tergiversado, a menudo atribuido a su padre. Gracias a los estudiosos del arte, sin embargo, el crédito a su trabajo y legado ha sido restaurado.
La he incluido en esta lista no solo por su influencia y fama durante su vida, habiendo sido una artista fantástica, sino por un enfoque aparentemente anacrónico en mujeres fuertes y sus propias experiencias como mujer durante el siglo XVII..
Marianne North (1830-1890) fue una bióloga y artista botánica que pintó principalmente durante la época victoriana. Marianne viajó por el mundo con su padre, estudiando plantas y pintando casi todo lo que pudo. Cuando su padre murió en 1870, decidió seguir viajando sola por el mundo, recorriendo las junglas, durmiendo en el suelo y, finalmente, visitando todos los continentes que pudo, acumulando cientos de pinturas del mundo natural..
Fruta del durian de un árbol grande, Sarawak, BorneoSus pinturas son aparentemente más vibrantes que sus contrapartes de la vida real, muy diferentes a las de otros artistas botánicos. Su estilo era rápido y tendía a ser impresionista, lo que le permitía completar pinturas de forma rápida y probablemente conduciendo a su naturaleza prolífica..
La cantidad de plantas y organismos que documentó en sus pinturas aportó más valor que nunca a su utilidad en la biología. Sin la facilidad de la fotografía, su trabajo sirvió, y aún sirve, como un recurso importante para estudiar el mundo natural. Varias plantas han sido nombradas en su honor, incluyendo un género completo de plantas llamado Northia.
Nepenthes northianaHe incluido a Marianne en esta lista no solo por su habilidad y naturaleza aventurera, viajando sola por el mundo y siguiendo su pasión, sino también por sus contribuciones a la ciencia y nuestra comprensión del mundo natural..
Beatrix Potter (1866-1943) es un naturalista, conservacionista, ilustrador y escritor increíblemente bien conocido. Es muy probable que hayas leído algo de su trabajo de niña, como El cuento de Peter Rabbit. Nacida en Inglaterra de una familia adinerada, Beatrix tenía un interés en el mundo natural desde una edad temprana..
Peter RabbitSus primeros trabajos se centran en la micología y las ilustraciones científicas. Durante este tiempo, estudió varios especímenes vivos de hongos. Muchos de sus dibujos y pinturas de hongos fueron entregados al Museo y Biblioteca Armitt y sirven como un recurso para los micólogos hasta el día de hoy..
Influenciada por los cuentos de hadas, Beatrix comenzó a contar historias con dibujos y pinturas de animales preciosos. En 1901, después de no poder encontrar una editorial para su libro de simulación que cuenta la historia de los conejos, ella se publicó por su cuenta. Gracias a la ayuda de un amigo de la familia, su libro, El cuento de Peter Rabbit, fue publicado por Frederick Warne & Co en 1902..
Ella creó 23 libros que muestran las historias de pequeños animales a lo largo de 20 años. Muy sabiamente, Beatrix creó y patentó una muñeca Peter Rabbit en 1903, la primera de muchas piezas basadas en sus libros e ilustraciones. Estos productos fueron autorizados por su editor, lo que le permitió obtener ingresos más allá del alcance de los libros y un aumento adicional para su editor..
Simpkin en la cabecera del sastreBeatriz se mudó al campo, continuó escribiendo e ilustrando, y se convirtió en un criador de ovejas. Muy respetada en su comunidad, fue nominada como Presidenta de la Asociación de Pastores de Ovejas de Herdwick, la primera mujer en hacerlo, pero murió ese mismo año antes de ocupar el cargo..
Elegí a Beatrix para esta lista, no solo por su motivación y pasión como artista, sino también por su visión para los negocios, protegiendo inteligentemente su trabajo y creando una impresión duradera en las generaciones futuras con sus historias e ilustraciones..
Esta lista es demasiado corta e incompleta, siendo solo 10 mujeres fantásticas en el arte. Hay tantas mujeres brillantes e interesantes que han creado obras de arte en una variedad de medios a lo largo de toda la historia. Te ruego que sigas leyendo sobre las vidas de artistas históricos y contemporáneos en una variedad de disciplinas. Puedes comenzar con un artículo sobre mujeres en la fotografía:
¿Quiénes son algunas de tus mujeres favoritas en el mundo del arte? Díganos qué es lo que hace que su elección sea influyente para usted y el mundo del arte y el diseño. Comparte con nosotros en la sección de comentarios a continuación.!
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