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Como artista, tu trabajo es sumergir a tus espectadores en un mundo que has construido y guiarlos de manera segura a través de él. Los artistas tienen mucho en común con los narradores. Los narradores de historias tienen varios trucos que utilizan para que sus lectores vuelvan por más. Al igual que los cuentacuentos, los artistas pueden usar trucos similares para ayudarlos a producir obras de arte más atractivas. En este artículo, explicaremos 5 habilidades fundamentales que todo artista debe dominar. Vamos a ver!
El aspecto más importante del arte para mí personalmente es la composición. Establece el escenario para todo lo demás. Esta es su forma de guiar y guiar al espectador para que se sienta como si realmente estuviera en su imagen. Si esta parte del proceso no se crea y controla adecuadamente, todo lo demás puede y probablemente se desmorone. Eso no significa que tengas que seguir cada pequeña regla. De hecho, muchos los han roto y creado obras de arte muy exitosas. Es saber cómo y cuándo romperlos lo que le permitirá hacerlo con éxito. Pero antes de intentar algo así, primero debes aprender las reglas y ver cómo funcionan y funcionan..
Esta es la técnica de composición más simple y más utilizada, una que uso mucho yo mismo. Debido a que es fácil de aprender, es algo que se recomienda para los principiantes y aquellos que son nuevos en los fundamentos de la composición. Cuando se usa, dividirá la imagen en 9 partes iguales que están separadas por dos líneas horizontales y verticales.
La idea principal detrás de esto es colocar su elemento / objeto más importante en una de las intersecciones donde convergen las líneas (las + 's), así como a lo largo o cerca de la línea vertical de donde sea que se encuentre su foco..
Se cree que cuando se usa esto y su sujeto / focal se sienta en uno de estos puntos, crea más interés en su imagen en lugar de centrarla..
Muelle de John Powell 
Los restos que habitan de Keisuke Asaba. 
Camino del mago En contraste con lo que se dijo anteriormente, esta composición particular establece el punto focal directamente en el centro de la imagen. Aunque se usa principalmente para piezas basadas en caracteres, eso no significa que no se pueda usar por otros medios, también explica por qué se desea un punto focal central.
Para los artistas de personajes, uno de sus objetivos es colocar al personaje justo frente a ti y atraer la mayor atención posible. No hay mejor manera de ponerlas en el centro de las cosas. Es por eso que esta composición es más atractiva para los personajes (pero, una vez más, no dejes que eso te impida experimentar).
Además del enfoque central, la guía en forma de diamante nos muestra dónde debemos ubicar la mayor parte de nuestra atención y detalle. Obviamente, el espectador no verá su trabajo con estas guías, por lo que debe mostrarles lo que es más importante en su pieza a través de la iluminación, el color, los detalles y muchas otras cosas. Cualquier cosa fuera de este diamante no es tan importante y no debería atraer tanta o más atención que lo que está dentro de él..
Puede utilizar estas guías básicas como punto de partida para composiciones más complejas o para crear una pieza completa. La elección depende de usted, pero mi sugerencia es aprender sobre ellos por completo antes de tomar composiciones más complejas. Además, hay más reglas de composición y ejemplos que mencionan muchos otros puntos que los que enumeré aquí. Os animo a buscarlos y leerlos..
PI-2 por Marek Okon (izquierda). Sangre Dividida por Dan Santos (Centro). Inyectame por Marc Simonetti (Derecha). Ahora, veamos algunos otros ejemplos de cómo dirigir el ojo del espectador al punto focal.
En PI-2, puede ver cómo la luz bloquea inmediatamente su ojo en el punto focal debido a la fuerza e intensidad. Otros factores de esto son el color, la ubicación dentro de la composición (regla de los tercios) y debido a que casi todos en la escena están mirando el punto focal, crea una línea implícita y hace que usted también lo haga. Sin embargo, lo que nos mantiene encerrados en el punto focal aquí es el movimiento circular de las personas que flotan en el aire..
PI-2 de Piotr Jablonski En Crysis 2 (abajo), el artista usó la luz, el color y la ubicación dentro de la composición para guiar el punto focal. Las luces más obvias y hermosas provienen de los focos y los faros del vehículo, que apuntan hacia el punto focal. En segundo lugar, tienes disparos de las armas que convergen en él, dirigiendo tu ojo directamente hacia él. Por último, el artista utilizó la regla de los tercios para la colocación en esta composición. Se podría hacer otro punto sobre cuánta acción se está llevando a cabo dentro de esa área. Todo esto ha llevado a una pieza exitosa que define claramente el punto focal y las áreas que lo rodean..
Crysis 2 - Concept 04 de Marek Okon En la siguiente pieza, el artista utiliza los pasillos que se forman alrededor del pilar para guiar al espectador hacia el punto focal. A medida que los dragones vuelan a su alrededor, los seguimos, lo que nos mantiene en esta área por más tiempo. Como el pilar está en la sombra y la luz brillante está directamente detrás de él, el artista también ha usado valores y contraste para resaltarlo aún más..
Nido de Tuomas Korpi En la ilustración a continuación, utilicé varios elementos para dirigir la atención del espectador al punto focal (el castillo). El arco en el fondo y el puente sobre la cascada van directamente al castillo. Dado que la imagen tiene un ligero ángulo, todas las montañas parecen estar conduciendo hacia el castillo, lo que también ayuda a apuntar al espectador en esa dirección. Otra cosa que ayuda a que el castillo se destaque es el color utilizado en las partes superiores, que contrasta con los amarillos, verdes y rojos que lo rodean..
La colina del hechicero En la imagen de abajo, he mostrado cómo puede evitar que el ojo del espectador se escape fácilmente de la imagen a través del encuadre. Probablemente puedas ver cómo funciona esto con solo mirar la imagen. Pero lo que he hecho aquí fue usar las partes del "brazo" que salen de la entidad roja como una forma de enmarcar la imagen. Esta técnica se puede utilizar para "bloquear" al espectador en la pieza y mantenerla más tiempo. Puede ser exagerado, pero si lo mantiene a un nivel razonable, puede ser útil. Una desventaja de esto, especialmente si se usa en exceso, es que puede volverse molesto y hacer que el espectador quiera irse antes..
Erradicar Todo tiene una perspectiva. Cuando esté parado en la calle, mire a su alrededor y observe qué lado de los edificios puede ver y por qué los ve a todos desde diferentes puntos de vista. Luego, mientras lo hace, siga adelante y mire por una carretera, ¿por qué parece que todo se vuelve más pequeño a medida que su distancia está más lejos de usted? Todas estas cosas tienen que lidiar con la perspectiva de esos objetos y su punto de vista..
Las perspectivas son una habilidad esencial para aprender, por razones arquitectónicas, ambientales y muchas otras. Nos proporcionan una manera de crear y construir elementos y objetos y colocarlos correctamente dentro del plano de la imagen. Las perspectivas se basan en la línea del horizonte (o, a veces, en la línea del nivel de los ojos) para encontrar lo que se llama un Punto de fuga. Los puntos de fuga son donde se originarán sus líneas de perspectiva (vea los ejemplos a continuación).
Esta es la más simple de todas las perspectivas para aprender, pero una que no se usa mucho debido a sus limitaciones. Dicho esto, puede ser muy beneficioso, dependiendo de la escena que estés creando. En esta perspectiva, hay un solo punto de fuga que se remonta a la línea del horizonte, al cual el objeto se está retirando..
Perspectiva de un punto 
2001: Una odisea del espacio por Stanley Kubrick Cuando más de un lado de su objeto está retrocediendo a múltiples áreas, necesitará usar un sistema de perspectiva de dos puntos. Cuando se utilice, creará dos puntos de fuga, cada uno en un lado del objeto / elemento. Estos puntos se originarán de nuevo desde la línea del horizonte, y las líneas de perspectiva se ejecutarán desde este punto hasta el objeto. Ahí es donde realmente se puede empezar a ver cambiar las perspectivas..
La mayoría de las veces su punto de fuga estará fuera de su imagen, pero no se preocupe. Si trabaja tradicionalmente, siempre puede usar papel adicional para medir la distancia exacta. Si trabaja digitalmente, extienda el lienzo hasta que encuentre su punto de fuga.
Perspectiva de dos puntos 
Calle misteriosa por Lukasz Taborski El sistema de tres puntos se utiliza cuando realmente desea transmitir una situación extrema. Puede ser útil para escenas que son lúdicas (hacer una escena a vista de pájaro o de perro), emocionantes (acción) y muchas más. Para lograr esta perspectiva, utilizará el mismo sistema exacto desde el punto dos, pero agregando un tercer punto de fuga que está arriba y debajo del objeto / elemento.
El tercer punto actúa exactamente igual que los otros dos, así que no te dejes engañar por eso, no hay nada astuto al respecto. La única diferencia aquí es que la parte superior o inferior (las verticales) de su objeto se adherirán y retrocederán hasta este punto. Que es lo que nos da ese look y sensación retorcidos..
Perspectiva de tres puntos 
En las pesadillas de zardo. Veamos algunos ejemplos que muestran un gran uso de la perspectiva:
MILL10NAIRES de Jakob Eirich 
Cargo de Mitchell Mohrhauser 
Iroshi de Jonas De Ro 
Spirit Rising de Gary Tonge Los valores son el rango de brillo y oscuridad dentro de su imagen. Son blancos, negros y todo en el medio. Incluso con el color, la intensidad o la claridad de ese color (tintes o sombras) es un valor. Cuanto más cerca esté algo del primer plano, más oscuro aparecerá (dependiendo de la iluminación y otras cosas, por supuesto), todo lo que se aleje se irá aclarando a medida que se desvanezca en el horizonte (en términos de paisajes). Eche un vistazo al gráfico a continuación y utilícelo como referencia para cuando discutamos esto más a fondo..
Incluso más que los colores, los valores de su trabajo son uno de los elementos más vitales de si su pieza tendrá éxito o no. Si los valores no se leen correctamente (pudiendo distinguir FG de MG a BG, y / o el punto focal del área circundante), no importará cuán grande sea su composición, iluminación y colores, la pieza como Todo fallará porque los valores no se leen correctamente..
Entonces, ¿qué quiero decir con que puedan leer correctamente? Bueno, echemos un vistazo. La imagen de abajo es un estudio de valor realizado por Claire Almon que se realizó para una de sus piezas de Marie Antoinette (debajo de esta imagen se publica más WIP con color). Tome nota de todos los diferentes valores dentro de la imagen y cómo puede distinguir claramente cada elemento entre sí. Los valores ayudan a determinar la iluminación general de tu escena y cómo se ve un objeto frente a otro (lo que puede ayudar con la composición y una lista completa de cosas).
El almon arbol Sin embargo, lo que es más importante, los valores de distancias separadas dentro del plano del suelo, y es con esta separación, cuando se realiza correctamente, lo que le permite al espectador leer su trabajo de la forma deseada y dirigir su atención al punto focal. Desde aquí puede trabajar y comenzar a finalizar sus combinaciones de colores como se muestra a continuación..
El almon arbol 
El almon arbol Aquí hay un par de ejemplos más de cómo usar los valores correctamente. Tome nota de los diferentes valores utilizados en una sola imagen / diseño para ayudar a distinguir cada elemento.
Feng Zhu Design Blog 
Feng Zhu Design Blog Al igual que la iluminación, el color de tu pieza depende de muchas cosas; La hora del día, la estación, la ubicación y así sucesivamente. Es importante determinar el esquema de color desde el principio, incluso desde el principio, si puede. Recuerde que las cosas siempre cambiarán y evolucionarán, por lo que los colores de su pieza probablemente también lo harán. Como con todo, solo porque algo se ve bien en un punto, no necesariamente significa que siempre lo hará. Así que no tenga miedo de mezclar las cosas en el camino y encontrar algo que pueda ser mejor para lo que está trabajando. Tenga en cuenta que también es muy fácil exagerar con el color, así que sepa cuándo no debe meterse con él..
Saber cómo elegir su combinación de colores depende de la hora del día, del clima / cielo, de la estación del año y de si está en un planeta extraño o en el espacio. Hay innumerables cosas que podrían ayudar a dar forma a los colores de su pintura, por lo que es mejor tener una idea de lo que son más pronto que tarde para minimizar los dolores de cabeza antes de dirigirse a las etapas finales..
El color que elija debe mostrar cualquier emoción o situación que desee transmitir al espectador. Si tienes una pieza de diversión o acción, los colores brillantes y vibrantes pueden ser tu mejor apuesta para mostrar ese sentido de acción e intensidad. Si busca algo un poco más caprichoso y retraído, entonces siempre puede optar por un esquema de color más oscuro y menos saturado, pero su punto focal será más vibrante que las otras partes. Hay muchas variables que pueden prestar a qué tipo de color usas para tu pieza. Tu trabajo es averiguar cuál de ellos funcionará mejor..
Aquí hay algunos ejemplos de cómo se usa el color de manera efectiva para ayudar a narrar, emocionar y guiar el ojo del espectador:
En la imagen de GOLEM, el artista ha desarrollado un color fuerte alrededor del punto focal, lo que claramente significa donde se debe prestar la mayor parte de su atención. Los colores que rodean a la figura del juguete se prestan a la naturaleza lúdica de esta pieza, además de agregar una capa de misterio y fantasía. Las partes exteriores de la composición tienen tonos tierra, que no están demasiado saturados. Esto ayuda al punto focal a diferenciarse del resto de la imagen (mientras mantiene el equilibrio) y permite explorar el lado lúdico del tema / tema..
GOLEM - juguetes y magia por Randis AlbionAquí tenemos un contraste de color, que hace que el punto focal se destaque. Esta es una de las formas más utilizadas de utilizar el color para lograr una buena composición, ya que es eficaz y dramático en términos de composición y narración..
Nemeroths Fall de Roberto Robert En esta pieza, utilicé las pantallas holográficas de las plataformas de aterrizaje para diferenciarlas de todos los demás elementos de la escena. Ya que es la parte más saturada de la composición, sabía que el ojo del espectador siempre volvería a esta zona porque era la más interesante. También quería la sensación de un trabajo de ciencia ficción más antiguo, así que me mantuve alejado de los colores realmente vibrantes..
Estacion.4 Como todos los elementos principales del arte, la iluminación es crucial. Principalmente porque el espectador promedio sabe cómo se ve la iluminación realista, incluso si no sabe exactamente qué es lo que la hace ver real. Por lo general, pueden decir si algo está funcionando o no. A veces puedes tener suerte y engañarlos, pero la mayoría de las veces puede romper tu tiro y hacer que todo el trabajo duro que se puso en tu pieza sea una pérdida de tiempo y trabajo. Y eso definitivamente no es lo que queremos..
Entonces, para saber cómo reacciona la luz al ambiente y diferentes materiales, salga y estudie. Si está basando una pieza en otra cosa (por ejemplo, usted es su placa fotográfica en términos de pintura mate o anatomía para pintores), estudie hasta que pueda decirle a otra persona cómo se ve, cómo se siente y cómo funciona. Usar fotos está bien, pero hay una fuente casi infinita justo afuera de las paredes en las que estás esperando..
Al igual que el color, la iluminación puede transmitir mucha emoción y profundidad. Echemos un vistazo a cómo se puede lograr esto..
Una vez más, en la imagen de abajo, hay una fuerte iluminación que se está proyectando en el punto focal. Las sombras en el primer plano crean profundidad en la imagen y permiten al espectador obtener una visión clara del área focal sin que el primer plano pase desapercibido. Debido a que el primer plano está en la sombra casi completa y en el punto medio es donde vemos la mayor parte de nuestra luz, esto permite que el espectador tenga un mayor impacto en el punto focal y lo que está sucediendo en la escena. Casi inmediatamente ven la destrucción del mundo que los rodea como si estuvieran allí en la calle..
Rascacielos perdido por Ioan Dumitrescu Siendo un maestro de su oficio, esta pieza de Dylan Cole no es una excepción. Tanto el fondo como el fondo están iluminados para mostrar todo el trabajo que se realizó, mientras que la composición lo empuja hacia el fondo hacia el punto focal.
Dylan Cole Studio 
Dylan Cole Studio Así que ahora que hemos cubierto todos estos temas, estoy seguro de que te estás preguntando cómo usarlos e incorporarlos a tu trabajo. Esto, al igual que cualquier otra cosa, se trata de familiarizarse con ellos y practicar hasta que tenga una comprensión clara de lo que son y cómo usarlos correctamente. Recuerde que todos aprendemos de manera diferente, así que si no le resulta fácil no se desanime. Solo sigue presionando con pequeños estudios de cada uno de estos temas. Después de un tiempo de hacerlas, notarás cosas que no tenías antes y es cuando comenzarás a aprender y realmente te esforzarás..
Gracias por tomarse el tiempo para leer este artículo. Realmente espero que pueda tomar esto y aplicarlo a su trabajo y aprender de él. Solo recuerda que cada gran artista al que admiraste comenzó desde el fondo y tuvo que trabajar a través de todas estas habilidades. Continúa empujándote en la dirección correcta con un objetivo fuerte en mente y podrás llegar a ser excelente en lo que haces..
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