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Glenn Robinson es un nativo de California y un diseñador extremadamente único. Tiene un estilo impecable e incomparable de mezclar perfectamente muchos elementos diferentes. Pero además de eso, a diferencia de la mayoría de los diseñadores, Glenn solo hace esto como un pasatiempo, y su trabajo es posiblemente mejor que algunos diseñadores de tiempo completo. En esta entrevista, Glenn comparte algo de su sabiduría con nosotros acerca de la combinación adecuada y parte de su trabajo, entre otras cosas. Así que vamos a entrar en otra gran entrevista.!
Gracias por la invitación a ser entrevistado, en primer lugar! Mi nombre es Glenn Robinson. Soy un residente nativo y actual de Sacramento, California, EE.UU. Comencé con el arte digital en junio de 2006. Una noche, mientras estaba en casa, estaba buscando algunos tutoriales de Photoshop en línea y me topé con un sitio web de la comunidad "GFX" llamado ParallelFX. Tenían una sección de tutoriales en su foro que mostraba a las personas cómo hacer firmas y etiquetas para los foros. Después de pasar un tiempo en esa comunidad, aprendí que en realidad había una cultura mundial de artistas digitales que producían una amplia variedad y variedad de obras de arte, y esto me intrigó mucho..
Pasé de hacer pequeñas firmas de foros a trabajar en lienzos más grandes en algún momento de 2007. Desde mi infancia, el arte siempre ha jugado un papel importante en mi vida. Así que ahora, incluso como adulto, no era extraño que me sintiera atraído por un medio nuevo y poderosamente expresivo como el arte digital..
Árbol de la vida y el conocimiento
Tres cosas son las más importantes para unir varios elementos: (1) composición, (2) iluminación / sombreado y (3) mezcla.
La ubicación de los diversos elementos va a hacer o deshacer una pieza: aquí es donde entra la composición. A pesar de que sus objetos no tienen ninguna relación o están creados con diferentes medios, puede colocarlos encima, o alrededor de otras cosas en una manera que se ve bien. El truco es tratar de resolver esa parte. La experimentación es clave, pero como regla general, usted quiere que su composición apunte a algún objeto focal principal.
La iluminación y el sombreado ayudan a que todas sus piezas tengan sentido entre sí. Asegurarse de que todos sus objetos tengan la misma dirección de iluminación y las sombras paralelas correspondientes le da una sensación de realismo a su pieza que es crucial.
Mezclar es a menudo un término tan nebuloso lanzado por artistas digitales. A lo que personalmente me refiero con mezclar es tomarse el tiempo para equilibrar el brillo y el contraste, los niveles y los tonos en cada capa de objeto individual para asegurarse de que todo parezca que pertenece al mismo lienzo. Por lo general, tomo mis señales de fusión de mi objeto focal principal, esforzándome por hacer que todos los demás elementos se mezclen con él. En ocasiones, mezclar significa texturizar, manchar o un cepillo suave que borra ciertas partes (o todos) de los otros elementos para que encajen, también.
Cuélguenlos alto
Sí, soy uno de los administradores del grupo de arte Intrinsic Nature. Tengo que felicitar a los otros administradores, Sander Abbema, Dan Maglasang y Anthony Giacomino, porque IN es definitivamente una familia y no podemos hacer nada más que las contribuciones de cada miembro del personal y artista activo del grupo.!
IN se creó a principios de 2008 como un proyecto entre Dan Maglasang y yo. Irónicamente, Dan y yo nos conocimos por primera vez en la comunidad del foro ParallelFX en 2006. Ya que ambos éramos nativos de California, charlamos de vez en cuando y nos manteníamos en contacto. Nuestro sueño para un grupo de arte surgió en diciembre de 2007 con la idea de formar un equipo de artistas que adoptó un enfoque completamente "libre" para las exposiciones de arte en línea, en lugar de exposiciones temáticas como depthCORE o slashTHREE. Queríamos enfatizar la naturaleza creativa y experimental de nuestro trabajo, por lo que denominamos a cada uno de nuestros lanzamientos posteriores "Experimentos".
Desde entonces, hemos podido acumular una notable variedad de talentosos artistas internacionales y producir exposiciones de arte de alta calidad que utilizan diferentes formas de medios. En agosto pasado, presentamos nuestro sexto experimento (IN6) y actualmente estamos en el proceso de desarrollo de la creación de IN7, que se presentará el martes 22 de diciembre..
Curandero
¡Gracias por el cumplido! "Haywire" fue un esfuerzo de colaboración entre mi amigo Guilherme Damasceno y yo. Guilherme creó las formas abstractas usando Photoshop estrictamente y las tomé y las combiné con un modelo original para hacer la imagen que ves. Por supuesto, me refiero a todas las cosas que expliqué en la pregunta # 2.
Hablando honestamente, realmente no hay un significado estático para esta pieza en particular. Creo que en lugar de tratar de presentar un concepto, simplemente estaba tratando de captar un estado de ánimo, una emoción. ¿Qué sentimiento te viene a la mente cuando miras esta pieza? Sí, eso es lo que significa esta pieza.!
Como nota interesante: los elementos de color blanco en el fondo en realidad son imágenes escaneadas de una "pintura" de acuarela que mi hijo de 2 años recientemente hizo. Tuve que trabajarlo de alguna manera.!
Loco
Soy autodidacta porque de hecho tomé este trabajo como un pasatiempo. En mi etapa de la vida no hubiera tenido sentido ir a la escuela para aprender arte digital; Además, no creo que esté dispuesto o deseoso de desembolsar esa cantidad de dinero para la educación que este tipo de trabajo requeriría..
En primer lugar, soy un esposo, un padre, un pastor y un maestro de escuela. Para mí, el arte digital es un pasatiempo agradable, por lo que tiene todo el sentido del mundo simplemente haberme enseñado a mí mismo. Lo único negativo que puedo ver al hacerlo de esta manera fue la curva de aprendizaje, mucho más difícil y más larga. Gran parte de esto se convierte en prueba y error y, en última instancia, desperdicia el tiempo. Es por eso que cuando te estás enseñando a ti mismo, es mejor encontrar uno o dos mentores que te ayuden en el camino con consejos y consejos críticos. Estoy agradecido por todas las personas que se tomaron el tiempo para ayudarme en el pasado!
Mitosis El Remix Visual
La inspiración para "El alma de la ciudad" y el "Árbol del conocimiento" es simplemente esta: tratar de empujarme a los límites más grandes de la expresión artística. Quería que ambas piezas ejemplificaran el trabajo duro, la artesanía detallada y el diseño innovador. Realmente siento que una gran parte del éxito de esas piezas se atribuye directamente al equipo de artistas en Intrinsic Nature. Muchos de esos muchachos y chicas dieron una crítica útil y consistente sobre ambos trabajos, lo que me obligó a dedicar un esfuerzo y cuidado diligentes a cada uno de esos artículos para hacerlos lo mejor posible..
Los temas oscuros crean un gran contexto para el contraste de la luz. Creo que en el lienzo oscuro se puede apreciar y apreciar mejor el brillo de la luz y el color. Tanto en "Soul of the City" como en "Tree of Knowledge", las partes que más me gustan son las partes que se acentúan con el color y brillan con la iluminación radiante.
Alma de la ciudad
Me diría que me mantuviera lo más lejos posible para ajustarme a las tendencias. La moda mata la identidad. Cuando estás a la moda, no estás siendo fiel a ti mismo; Estás siendo fiel a la multitud. Mantenerse original. Mantente único. Mantén la frescura.
La inspiración no tiene nada de malo: TODOS nos inspiramos en otros lugares, otras personas, otro arte. Pero la inspiración que encuentres simplemente te ayudará a resaltar la creatividad "intrínseca" que reside dentro de tu propia alma. Dale ESO al mundo y compartes con ellos algo que sea verdaderamente significativo..
Esta noche
¡Sí! Mantente en ello y nunca renuncies, ¡aunque te sientes con ganas de rendirte, aguanta! Tarde o temprano todo "hará clic" y comenzará a ver la recompensa por todos sus esfuerzos. Gracias de nuevo por la entrevista, Emil. Dios bendiga y la paz!
Trabajar hasta la muerte
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