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Hoy tenemos el placer de conocer a la diseñadora gráfica y tipógrafa Claire Coullon. Originaria de Francia, pero que ahora vive en Praga, República Checa, habla sobre su amor por la tipografía, co-dirige su propio estudio de diseño con su pareja y si el trabajo se interpone en el camino de su relación personal. También nos brinda una valiosa información sobre su tipografía manuscrita y la importancia de compartir con la comunidad de diseño..
Rodéate de tipos, obsesiona las letras donde las veas; Cuantas más letras mire, más posibilidades tendrá de ellas y cómo difieren sus apariencias en función de la edad, la clasificación y la cultura..
Soy un diseñador gráfico y tipógrafo que co-dirige un pequeño estudio de diseño llamado Op45. Mis principales áreas de interés son principalmente tipografía e impresión, especialmente tipografía personalizada, diseño de logotipo y marca, rotulación a mano, diseño y diseño de libros. Originaria de Francia, crecí en Europa y Oriente Medio y actualmente vivo en Praga, República Checa. Mi socio y yo llevamos 3 años trabajando en Op45 a tiempo completo y, antes de eso, trabajé en una agencia de diseño y comunicaciones en Bruselas, Bélgica..
Cuando no estoy trabajando, garabateo mucho (aunque no creo que se clasifique como "lejos de la tipografía" ...), me encanta moverme y viajar, leer, etc. El trabajo tiene una tendencia a hacerse cargo de forma gratuita Sin embargo, es mucho lo que he estado intentando equilibrar mejor..
Principalmente me metí en tipografía durante el curso de fundación de arte y diseño que tomé después de terminar la escuela. Para cada resumen del proyecto, tuvimos que desarrollar estos grandes tableros de ideas A1 y los míos a menudo tenían dibujos de letras más que cualquier otra cosa. Pasé mucho tiempo dibujando tipos de letra existentes, lo cual fue una gran investigación y práctica para aprender a reconocer las complejidades de las formas de las letras, diferentes estilos, etc. Durante ese año también empecé a interesarme en la traducción del contenido, el significado y la fonética. del lenguaje en imágenes tipográficas, algo que me ha afectado desde.
Durante mi licenciatura después de eso, la mayoría de mis primeros proyectos involucraron tipos dibujados a mano de alguna manera, aunque en ese momento sentí que seguramente debería estar haciendo otra cosa también. Solía intentar forzarme a hacer otras cosas, como un poco de ilustración, animación, etc. (con resultados generalmente muy mediocres), hasta que me di cuenta de que no es hacer trampa o "demasiado fácil" hacer lo que más disfrutas. Durante el curso de 3 años, principalmente realicé proyectos auto iniciados que utilizaban principalmente tipografía, por lo que exploré áreas como la lingüística, los sonidos de diferentes idiomas, la personificación de letras y palabras, tipografía y impresión, combinación de tipo y fotografía, parada animaciones de fotogramas, algunos de los primeros diseños tipográficos, etc. Mi proyecto final fue un libro que exploró la forma visual de las palabras, algo de lo que aprendí muchísimo. Por supuesto, el trabajo que hago ahora ha cambiado mucho desde entonces, pero creo que el fondo dibujado a mano y el enfoque en el proceso definitivamente han perdurado.
Mi configuración es bastante simple, ya que no actualizo las cosas a menos que sea absolutamente necesario. Utilizo una computadora portátil Mac y un escáner / impresora básica para la mayor parte de mi trabajo, así como una pantalla de computadora portátil vieja como caja de luz. No tengo una tableta y normalmente trabajo desde bocetos primero, vectorizándolos manualmente con la herramienta de lápiz. Utilizo Adobe CS3 (la mayoría de las veces Illustrator, pero también InDesign para cualquier diseño relacionado con Fireworks y trabajos ocasionales en la web) y FontLab Studio para trabajos de tipografía y, a veces, logotipos. Como trabajo mucho a mano, uso muchos cuadernos de dibujo de diferentes tamaños, pilas de papel de impresora y varios bolígrafos, lápices, una pluma y algunos pinceles..
Cuando hice mi primer sitio web de cartera hace años, una de mis antiguas maestras de arte de la universidad se puso en contacto mientras buscaba algo similar para mostrar sus pinturas y las de su esposo. Dado que Darren tenía experiencia en diseño web y artes, trabajamos juntos para hacerles un sitio web, una pequeña animación y una pequeña pieza musical, que luego llevaron a otro proyecto gracias a su recomendación. Mientras trabajábamos en eso, pensamos que tendría sentido tener nuestro propio sitio web, así que brevemente iba y venía con un nombre y simplemente se iba de allí. Desafortunadamente, estamos muy atrasados en actualizar nuestro sitio web 'actual'!
Era bastante extraño en el sentido de que no estaba planeado ni siquiera pensado en serio; Simplemente sucedió. Dejé mi trabajo cuando nos mudamos al Reino Unido y mientras buscaba brevemente otra posición allí, conseguimos algunos proyectos más grandes y acabamos de ejecutar Op45 a tiempo completo. Para mí, creo que trabajar en una agencia primero fue importante, ya que es muy diferente del entorno universitario, donde trabajé mucho en proyectos autoiniciados con mucha más frecuencia que los "resúmenes de la vida real", tenía plazos más limitados, etc..
Así que una de las principales ventajas de trabajar como diseñador interno fue definitivamente sentirse cómoda con el aspecto técnico de las cosas: redactar propuestas, presentaciones de clientes, coordinar con impresores y desarrolladores, etc. Otra ventaja fue aprender a trabajar con empresas más grandes dentro de su estilo corporativo, que es un buen ejercicio de moderación al asegurarse de que su propio estilo personal sea altamente flexible y pueda ser discreto. Sin embargo, los inconvenientes tales como; no poder elegir los proyectos, tener menos control, no siempre poder hablar directamente con un cliente durante las sesiones informativas; me mantuvo un poco alejado del trabajo y se convertirían en importantes beneficios de trabajar de forma independiente.
Sin embargo, todo esto depende en gran medida de la naturaleza, el estilo y el tamaño de la agencia, así como de su propio rol individual. Al ser autónomo, también me encanta poder elegir mi propio enfoque, tener horarios completamente diferentes dependiendo de ciertos días / clientes / zonas horarias, etc. Los inconvenientes son en su mayoría los problemas típicos de tratar con el lado administrativo de administrar un negocio, Asegurarse de no dejar que el trabajo se ejecute en su propio tiempo también puede ser difícil de equilibrar, especialmente cuando lo disfruta. Hacerse conocido por un estilo de diseño puede ser un poco restrictivo, puede terminar con menos desafíos nuevos a medida que construye una cartera.
Trabajar juntos no ha puesto una tensión en la relación ni nos ha obligado a separarnos mientras trabajamos realmente, nuestra relación sigue siendo la misma y el estudio siempre está relajado..
Naturalmente, los dos intercambiamos ideas y sugerencias con mucha facilidad y lo hemos hecho durante años. Aunque a menudo tenemos proyectos separados, a lo largo de los años hemos dependido del respeto de las opiniones de los demás en todos los medios y, especialmente, ayuda a obtener comentarios de alguien inmediato que lo conoce tan bien como ellos saben el trabajo. Trabajar juntos no ha puesto una tensión en la relación ni nos ha obligado a separarnos mientras trabajamos realmente, nuestra relación sigue siendo la misma y el estudio siempre está relajado. Pasamos mucho tiempo juntos, por lo que realmente no hay una gran necesidad de equilibrar el trabajo y la vida en ese sentido, los dos están muy felices..
Por lo general, comienzo de la misma manera que hago logotipos u otro tipo de trabajo personalizado: al dibujar más o menos muchas variaciones rápidas para ver qué funciona mejor. Por lo general, luego trazo o re-dibujo las mejores versiones en base a los borradores, considerando y mejorando cosas como el peso, la composición y el espaciado. Dicho esto, depende mucho de la naturaleza del proyecto y su estilo previsto. Para algunos proyectos personales más alegres, por lo general planifico muy poco o nada y dibujo directamente con lápiz (como para tarjetas de felicitación o cuadernos de dibujo) o simplemente me limito a lápiz. Los resultados siempre tienen algunas imperfecciones naturales y una estética muy hecha a mano, pero en última instancia ese es el encanto del enfoque. Me gusta trabajar de esta manera, ya que me obliga a dejar de lado los detalles y aceptar que va a haber un poco de kerning, pesos desiguales, etc. Hace un bonito contraste al trabajar digitalmente, donde a menudo dedico mucho tiempo a refinar y Haciendo pequeños ajustes. Sin embargo, no creo que prefiera una sobre la otra, sobre todo porque generalmente comienzo con el dibujo a mano de todos modos, ya sea que se digitalice después o no..
Es principalmente porque me gusta el proceso y el desarrollo de proyectos, a menudo tanto como las piezas finales. Siempre me encanta leer artículos de make-of para tipografías en particular, ya que resaltan todos los detalles y características minuciosas que pueden no ser evidentes a primera vista. La configuración de mi sitio web me permite señalar estos detalles, como por ejemplo en el logotipo de Cuberto. Siempre hay conceptos, decisiones específicas y razonamiento detrás del trabajo visual, por lo que tiene sentido enfatizar eso y demostrar que no es solo una buena imagen.
También es útil mostrar a los clientes potenciales cómo enfoco los proyectos y tener una idea del proceso de diseño. El proyecto Bookouture, por ejemplo, realmente demuestra el beneficio potencial de explorar múltiples conceptos a medida que nos inspiramos en los mejores elementos de los tres bocetos iniciales para crear una pieza final más fuerte.
Cuando comencé por primera vez a hacer mi sitio web de cartera de esta manera, no pensé particularmente que fuera especialmente útil para nadie, ya que no está realmente configurado en una clase de tutorial / cómo hacerlo, sino más bien como una documentación de Cada pieza en particular. Sin embargo, desde entonces he descubierto que es útil poder mostrar directamente otros ejemplos de pasos específicos, en particular, la etapa de boceto a vector y cuánta variación existe incluso entre el boceto más refinado y el trabajo digital final..
No estoy seguro de si creo que es importante tener que dar algo a la comunidad de Diseño Gráfico; Los diseñadores y artistas siempre han obtenido influencia de otras obras sin la necesidad de recibir nada directamente. Pero si parte de lo que hace que trabajar en el diseño sea tan placentero para usted, resulta que eso funciona bien para todos..
Simplemente mirando la tipografía es una excelente manera de profundizar en ella. Rodéate de tipos, obsesiona las letras donde las veas; Cuantas más letras mire, más podrá ver las posibilidades dentro de ellas y cómo difieren sus apariencias en función de la edad, la clasificación y la cultura. Cuando piense en letras específicas o combinaciones particulares, quizás busque ejemplos en MyFonts o lea críticas tipográficas en Typophile; Esto puede ser realmente útil para observar las diferentes formas en que otros han abordado la misma consideración. Más allá de la observación, también es útil leer un análisis detallado sobre el trabajo tipográfico, como las revisiones de tipo en el sitio web de Typographica o las descripciones en libros como The Elements of Typographic Style de Bringhurst. El boceto también es excelente para la exploración, ya sea que esté haciendo garabatos desde el principio o simplemente practicando dibujos de tipos de letra y letras existentes. Sus bocetos no tienen que ser pulcros o refinados, por el contrario, el dibujo en bruto regular es mucho más útil para comprender cómo se construyen las formas de las letras y cómo pueden fluir y encajar..
La práctica es, por supuesto, de un valor incalculable, pero también lo es el conocimiento de la teoría y los antecedentes históricos de la tipografía: entrenarse para ser lo más inteligente y discriminatorio posible al no solo rodearse con las obras de otros, sino también aprender a entender cómo y por qué. Detrás de los éxitos tipográficos. Creo que es esencial tener una buena comprensión de los principios básicos al dibujar, independientemente del tipo de trabajo en el que esté interesado. Por ejemplo, es importante ser consciente de las ilusiones ópticas comunes: los horizontales se verán visualmente más pesados que los verticales, curvados los trazos generalmente parecen más delgados que los rectos, las letras redondas o puntiagudas parecerán más pequeñas que las de borde plano, etc. De manera similar, también es importante recordar que no es necesario restringir las letras para que se ajusten a una cuadrícula / estructura inmutable o caracteres de fuerza que no fluya naturalmente porque los resultados a menudo se verán incómodos. En última instancia, se trata de lo que se ve a simple vista, no estrictamente lo que dictan las medidas / directrices.
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