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"Si no se mueve, está muerto" es una línea que se aplica tanto a la vida como a la música. Sin embargo, con demasiada frecuencia los compositores escriben partes de fondo o de acompañamiento que son sin vida y aburridas. Es posible que tengan una hermosa línea melódica, pero luego pegan un gran acorde formado por notas enteras detrás de él y llámenlo como un día. El resultado es una música sin vida, aburrida y que se siente como arrastrarse por el barro..
¡Pero la música debería estar viva! Debe tener ritmo, movimiento, animación y energía.!
Aquí hay una colección de técnicas que puede utilizar para hacer que sus partes instrumentales sean más divertidas de tocar y más interesantes para escuchar..
La forma más fácil de darle más vida a una parte es simplemente agregando más notas.
Aquí está la melodía básica más el acompañamiento que usaremos para demostrar las diferentes técnicas:
Una simple parte entera de la nota se puede cambiar fácilmente en un pulso constante:
De repente, puedes sentir el ritmo, la energía y una sensación de movimiento hacia adelante..
Luego puedes comenzar a convertirte en un capricho al introducir patrones rítmicos, acentos, etc. para darle un carácter particular:
En una sección de "El vuelo a Neverland" de John Williams de la película Hook, él le da al latón un patrón de notas repetidas y rápidamente articuladas en el fondo detrás de la melodía.
La pieza es sobre aventura, diversión y emoción. Si solo hubiera asignado notas completas al latón, la energía de toda la pieza se habría atascado. En cambio las notas repetidas lo mantienen vivo y activo..
Un método más sutil de "notas repetidas" es el trémolo. Aunque las notas individuales no se sienten específicamente, la articulación difuminada le da a la música mucha más energía e impulso. Esta es una buena técnica para recordar si no quiere articular un ritmo específico, pero está encontrando que a una nota completa le falta un significado:
Similar al trémolo es el trino no medido. Obtienes un acorde mucho más rico que el simple trémolo debido a las notas agregadas, pero, por supuesto, debes tener en cuenta el contexto armónico y asegurarte de elegir el medio paso correcto o el paso completo..
Debido a los intervalos cortos, los trinos a menudo funcionan mejor en el registro más alto, por lo que en nuestro ejemplo sería mejor ponerlos por encima de la melodía en lugar de por debajo.
Otro método simple de traer más vida a tus partes es dividir tu acorde en un arpegio. Usted obtiene la ventaja de las notas articuladas como vimos anteriormente, pero también puede completar más tonos de acordes.
Hay mil maneras diferentes de implementar arpegios, también.
Puedes mantener el acorde en posición cerrada:
O en posición abierta:
En Prelude to Parsifal, Wagner usa arpegios de posición cerrada y posición abierta en los primeros violines. La ventaja de un acorde extendido en el violín es que cada nota puede tocarse en una cuerda diferente, mientras que un acorde de posición cerrada necesita varias notas por cuerda..
Un arpegio se puede extender saltando tonos. La ventaja de esta técnica es que puede ocupar mucho más tiempo pero aún así solo se extiende en un espacio estrecho:
Puede extender un arpegio a través de múltiples instrumentos:
También hay muchas formas de jugar con la articulación..
El arpegio se puede tocar legato:
O staccato:
O una mezcla de los dos:
Cuando pienses en escalas puedes recordar ejercicios aburridos y repetitivos. Pero una escala básica puede ser una herramienta invaluable para hacer que las partes simples sean más interesantes.
Se puede utilizar una escala para rellenar dos tonos de acordes, creando una línea más activa y en movimiento:
Las notas vecinas se pueden utilizar para desplazarse alrededor de un tono central, por ejemplo, en un patrón de onda:
Y para las partes en segundo plano o en primer plano, una escala rápida puede agregar un barrido de energía como captador o relleno:
Similar a la técnica de los tonos de salto que vimos con arpegios, puedes hacer lo mismo con escalas para formar patrones más grandes y ligeramente más complejos:
Una de las razones por las que las notas repetidas, los arpegios y las escalas funcionan tan bien para las partes de fondo es que son patrones familiares. Como oyentes, podemos reconocerlos fácilmente como figuras, en oposición a los ritmos y movimientos más complejos de una línea melódica que no solo sube y baja una escala.
Pero no solo esas técnicas son patrones familiares en sí mismos (todos hemos escuchado C E G un millón de veces), a menudo son más efectivas cuando se usan para construir patrones más grandes en la música..
Cuando escuchamos una parte que es un patrón obvio, podemos dedicarle menos atención ("Oh, ok, es la misma pequeña figura una y otra vez"). Entonces podemos dedicar más atención a la melodía, o cualquier otro elemento destacado que pueda haber.
Por ejemplo, sentimos muy rápidamente que este es un patrón que podría seguir para siempre:
Y después de un corto tiempo no necesitamos invertir mucha energía en anticipar lo que vendrá después.
Pero esta idea más compleja requiere más energía para escuchar, y por lo tanto no funcionaría tan bien como una parte de fondo:
Saltos amplios, una mezcla de saltos y pasos, movimiento hacia arriba y hacia abajo, staccato y legato, etc. Cada vez nos llega demasiada información nueva. La simplicidad es clave si quieres que tu parte sea interesante pero no distraer.
Por supuesto que hay muchas excepciones. A veces, notas completas y fondos de sostenimiento simples son exactamente lo que se requiere.
Por ejemplo, es posible que ya tenga un patrón de acompañamiento muy activo, pero necesita alguna forma de completar algunos tonos de acordes faltantes o proporcionar un pegamento para unir todo.
Y a veces se desea una falta de vida y movimiento. Una gran cantidad de música de cine utilizará un dron largo y prolongado para mantener la música conectada a tierra en un solo lugar. No se va a ninguna parte, solo se sienta en un sentimiento de falta de vida..
El punto no es que las partes de fondo de mantenimiento sean intrínsecamente malas, sino que, al igual que con todo lo demás, deben usarse con una intención determinada..
En una pieza donde la energía es extremadamente baja y el estado de ánimo es oscuro, las notas completas pueden ser las adecuadas. Pero si pretende que su música se sienta rápida, emocionante o enérgica, partes enteras aburridas solo lo detendrán..
Ninguna de estas técnicas es particularmente compleja o difícil de entender, y eso es parte del punto. Solo se necesita un pequeño esfuerzo para hacer que tu música sea más interesante, más animada y más divertida de escuchar..
¿Qué piensas? ¿Confías demasiado en notas enteras y fondos apagados? ¿O tienes otras técnicas para hacer las partes más interesantes? Comparte tu opinión en los comentarios!
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