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La etiqueta "fotógrafo de paisajes" es fácilmente lo que la mayoría de la gente usa cuando se enfrenta a las fotografías de Guy Tal. Pero el autor no es un "fotógrafo de paisajes", sino alguien que fotografía, escribe y respira los lugares con los que está más familiarizado..
Conozco el trabajo de Guy Tal desde hace bastante tiempo, pero nunca intercambié palabras con él hasta ahora. Su trabajo de color es algo que admiro, no solo por la grandiosidad del paisaje, sino también por la tranquilidad que exhala de cada rectángulo. Se siente como abrir una ventana a otros espacios, no solo para mirar "una gran imagen", sino también porque uno siente que la imagen tiene más significado que las líneas y la composición. Hay emoción.
Recientemente, me encontré con un trabajo en blanco y negro de Guy Tal y estaba emocionado y desconcertado. El color y el blanco y negro son, desde mi punto de vista, diferentes disciplinas, así que sentí que tenía una buena razón para ir a una entrevista que sería significativa y no solo respondería mis preguntas. Pero también, espero, a aquellos que también les gustaría preguntar a Guy Tal..
En el sentido amplio del término, soy un artista y escritor de tiempo completo, aunque tales etiquetas a menudo no ofrecen un verdadero sentido de lo que hago (sospecho que no estoy solo en eso entre los artistas). Pasé más de cuatro décadas en diversos escenarios..
He sido soldado, profesor universitario, consultor y gerente de tecnología, y muchas otras cosas. Finalmente, encontré mi vocación en una región remota en el oeste de los Estados Unidos conocida como la meseta de Colorado, un vasto, hermoso y poco poblado paisaje de desiertos, cañones, montañas y bosques que he llegado a conocer íntimamente y que inspiran mi trabajo..
Como la mayoría de las personas, primero tomé una cámara para documentar eventos y personas en mi vida. Cuando era adolescente, me encantaba explorar los campos y huertos alrededor de mi casa. Un día, por razones que ni siquiera puedo recordar, tomé prestada la antigua Minolta de mi padre y salí a caminar..
Terminé pasando horas fotografiando todo, desde insectos y flores hasta árboles y nubes. Fue estimulante y emocionante. Mi emoción pronto se vio frenada cuando recuperé mi película y descubrí que ni una sola imagen estaba expuesta o enfocada adecuadamente, pero la experiencia fue tan profunda que decidí mejorar, y la cámara se convirtió en una compañera en casi todas mis exploraciones desde entonces..
Para ser precisos, no solo vivo de la fotografía, sino también de enseñar, escribir y hablar sobre temas creativos. En todo caso, mi pasión sólo aumenta con el tiempo. Si alguna vez se sintiera como una profesión de 9 a 5, seguramente perdería el interés muy rápidamente. Hay trabajos mucho mejores que la fotografía creativa, pero no muchas vidas mejores.
Quizás vale la pena señalar que no compartimento lo que hago. No hay un "fotógrafo Guy" distinto de "escritor Guy" o "chico fuera del trabajo". Solo hay un chico. La fotografía es solo un medio para compartirme con el mundo, pero no lo separo de quien soy. o de cualquier otra cosa que haga. Soy una persona muy tranquila que prefiere trabajar en soledad y se esfuerza por crear un trabajo que imparta intimidad e introspección..
Creo que usar una categorización tan simplista a menudo es perjudicial para un artista y lo que intentan transmitir en su trabajo. Cuando miras la noche estrellada de van Gogh, por ejemplo, no te relacionas con ella en términos de "una pintura al óleo de un artista holandés postimpresionista" (a menos que hayas pasado demasiado tiempo en la Academia, eso es).
Más bien, el conocimiento de la biografía de van Gogh y las motivaciones detrás de sus elecciones de estilo, color, tema y medios de comunicación contribuyen a una impresión mucho más profunda. Las categorías ayudan a dividir las cosas por características objetivas; pero el arte, en última instancia, es quizás la forma más subjetiva de expresión. Cuanto más sepa sobre el artista, su inspiración, sus antecedentes, su filosofía y creencias, y la progenie de un trabajo específico, más rica será su experiencia..
Entonces, ¿qué soy yo? Soy alguien que busca llevar una existencia significativa, y para mí eso significa comunicarme con lo salvaje, a menudo usándolo como metáforas para interpretar mi propia existencia y establecer mi propia visión del mundo. Busco inspirarme y compartir mi inspiración..
Busco la felicidad, no en el sentido superficial, sino en términos de una satisfacción y satisfacción profunda y duradera con mi vida, y creo que ayudar a otros a encontrar lo mismo eleva mi propia experiencia. Con ese fin, busco experiencias significativas en todo, en lo que hago, en el lugar que elegí para mi hogar, en cómo me relaciono con otras personas y en las cosas que encuentro hermosas. No estoy seguro de que haya un término simple que pueda describirlo correctamente.
Sí mucho. Esta es una área en la que difiero de la mayoría de los fotógrafos de paisajes. No paso mucho tiempo buscando cosas solo por su belleza visual. Quiero retratar mi relación con el paisaje que fotografío, y mi relación con los lugares de mi hogar es mucho más rica y compleja que cualquier otra que pueda tener con un paisaje con el que no estoy muy familiarizado, no importa lo atractivo que sea..
Dicho de otra manera, tengo mucho más que "decir" y muchas más historias sobre lugares que son personalmente significativos para mí, donde paso mis días y noches, lugares que fueron el escenario de algunos de los eventos más memorables e importantes de mi Vida y con la que estoy íntimamente familiar, de lo que me gustaría acerca de una montaña o un río o una playa al azar donde soy un visitante casual..
No deseo simplemente documentar el revestimiento exterior de un lugar. Quiero ofrecer una interpretación de la misma, y para hacerlo necesito un cierto nivel de familiaridad y relación con ella durante un período de tiempo significativo.
Esa es una pregunta difícil de responder en un sentido general. Cuanto más interactúo con otros artistas, más reconozco que cada uno de nosotros encuentra nuestro propio camino hacia nuestro trabajo. Hablando por mí mismo, necesito estar en un cierto estado de ánimo e inspirarme en algo para producir una buena imagen según mis propios estándares. Antes de convertirme en un artista a tiempo completo, vivía en una ciudad y solía crear imágenes cuando podía alejarme del trabajo..
En ese momento creía que la única diferencia entre lo que estaba haciendo y alguien que lo hacía profesionalmente era la cantidad de tiempo que tenía para dedicarme a ello. Estaba equivocado. Poder sumergirme en la experiencia sin distracciones, y vivir literalmente con mis sujetos, es una experiencia muy diferente, y mis imágenes de hoy no son las mismas que las que creé en ese momento. Pueden representar temas similares, pero no tienen el mismo significado..
Estos días no salgo explícitamente buscando cosas para fotografiar. En su lugar, salgo para inspirarme y confío en que las imágenes vendrán a mí como parte de la experiencia. Una imagen de trofeo hecha en un viaje apresurado a un lugar icónico simplemente no me mueve de la misma manera que una que se me revela mientras estoy caminando por lugares anónimos, escuchando, mirando y oliendo, tomándome mi tiempo, moviéndome en mi A ritmo propio, pensando en la vida y deleitándose en la experiencia..
El paisaje y la visión no son conceptos separados. El paisaje informa, inspira y evoluciona la visión, y la visión me permite apreciar cada vez más la experiencia de estar en el paisaje..
Trazo una línea entre "enseñado" e "inspirado". Las habilidades se pueden enseñar, pero los sentimientos solo se pueden inspirar. Puedo describir mis propias experiencias y por qué son significativas para mí, y espero que mis alumnos se sientan inspirados para buscar las suyas. También reconozco que diferentes personas pueden encontrar su inspiración en diferentes lugares, temas y formas. Los aliento a no solo imitar el trabajo de otros, sino a aplicar sus herramientas para expresarse..
No dije que no soy un fotógrafo, sino que, más bien, al referirme a mí simplemente como un fotógrafo, se pierden los aspectos más importantes de quién soy y de lo que hago. La fotografía es simplemente un conjunto de herramientas y procesos y, en virtud del uso de herramientas fotográficas, soy además Un fotógrafo y yo enseñamos técnicas fotográficas. Sin embargo, en mis talleres también dedico bastante tiempo a discutir temas creativos, elementos de diseño visual (composición, color, percepción, etc.).
Las personas responden de diferentes maneras, lo que es de esperar. Aquellos que asisten al taller simplemente para regresar con imágenes de trofeos continuarán con esos temas, pero me permito enfatizar que estos no son el objetivo principal del taller..
Intento crear un ambiente donde los participantes no se sientan presionados a competir con sus compañeros y puedan dedicar su tiempo a practicar las habilidades aprendidas. Nunca premio a nadie por una "mejor imagen". En cambio, les pido que compartan su trabajo y expliquen las motivaciones detrás de él. Todas las interpretaciones son validas..
Creo que la separación es más de percepción que cualquier característica objetiva, como la paleta o el proceso. Es una forma diferente de experimentar un tema o, a la inversa, una forma diferente de expresar diferentes significados.
He experimentado una progresión muy clara en mi enfoque del trabajo en blanco y negro. En el pasado, me encontré viendo solo lo que estaba buscando. Si estaba fuera para hacer imágenes en blanco y negro, eso es todo lo que vi, y si estaba buscando imágenes en color, eso es todo lo que capturé..
Me di cuenta de que una separación tan estricta era, en última instancia, un reflejo de mis propias limitaciones. Mi cerebro tenía que pensar en términos de un medio u otro, ya que estaba pensando en términos de imágenes y estética, en lugar de interpretaciones..
Con más práctica y habilidad, me volví menos preocupado por las imágenes y más consciente de lo que quería decir sobre un tema determinado. La elección del medio se convirtió en un subproducto de lo que deseaba decir sobre un tema determinado. Me gusta pensarlo en términos de alfabetización visual. Con la práctica, adquieres un mayor vocabulario y tus poderes de expresión se amplían..
Si tiene la misma fluidez en el lenguaje de color que en el blanco y negro, no necesariamente tiene que pensar en uno u otro, simplemente busque el que mejor se adapte a lo que desea expresar. Lo mismo es cierto para el lenguaje hablado. Las personas que hablan varios idiomas con fluidez saben que algunas nociones se expresan mejor, o solo existen, en algunos idiomas y no en otros..
Como menciono en uno de mis libros electrónicos, creo que la fotografía en blanco y negro es uno de los accidentes más fortuitos en la historia de las artes visuales. Desde su inicio y durante muchas décadas después, toda la fotografía fue monocromática y la mayoría de los espectadores están condicionados a ella y no la consideran intuitivamente como una desviación de la realidad..
Todos los días, los principales medios de comunicación acompañan sus informes periodísticos de hecho con imágenes en blanco y negro sin reacción. Sospecho que si la fotografía en color fuera lo primero, este no sería el caso..
Dicho esto, en la creación de imágenes artísticas, el blanco y negro ofrece herramientas y medios de expresión que no son posibles con el color precisamente porque es un alejamiento de la realidad, que no se percibe intuitivamente como tal..
En una imagen en blanco y negro, puede representar un tema dado en casi cualquier tono sin ofender las sensibilidades del espectador. Esto no habría sido posible si no estuviéramos tan condicionados durante tantos años para aceptar imágenes en blanco y negro como representaciones visuales válidas. Por mera coincidencia, la historia sirve para liberar a los artistas fotográficos en blanco y negro de las restricciones literales que de otro modo se unen a la fotografía en color..
Dudo en pronosticar cómo la gente me conocerá en el futuro. Para mí, el blanco y negro es tan parte de mi vocabulario visual como el color, y lo uso donde lo considere oportuno. Si tuviera algo que decir sobre el asunto, espero que se me recuerde como artista, escritor y maestro, en lugar de las estrechas restricciones del color o el blanco y negro..
Mis objetivos no difieren en función del medio que utilizo. La fotografía y la escritura son las herramientas que poseo. Intento poner mucho más énfasis en las cosas que quiero expresar en mi trabajo, en lugar de en la mecánica de las herramientas utilizadas para expresarlas..
Todos son medios para un fin; nadie es más o menos válido que los otros, y no más o menos válido que otros medios artísticos como la pintura, la música o la escultura. Cada uno tiene sus fortalezas y debilidades, pero no son tan importantes como la impresión que finalmente causan con su audiencia..
Me referiré a la sabiduría de Hermann Hesse: “No hay realidad, excepto la contenida en nosotros. Es por eso que tantas personas viven una vida tan irreal. Toman las imágenes fuera de ellas por la realidad y nunca permiten que el mundo interior se afirme a sí mismo ".
Solo hay una realidad en la que trabajo, y esa es mi propia visión del mundo. Puede expresarse de diferentes maneras y en diferentes medios, pero siempre es la misma realidad..
Mucho se ha dicho sobre el papel de las restricciones en el arte. A pesar de que elogiamos la libertad artística, las restricciones son vitales para enfocar el trabajo de modo que sea más eficaz para lograr el efecto deseado. Y, en última instancia, ninguno de nosotros puede ser un maestro de todas las artes, idiomas y estilos.
Terminamos eligiendo las restricciones que mejor se ajustan a lo que deseamos expresar. Para algunos, las restricciones son tan estrechas como la fotografía a todo color o la fotografía en blanco y negro, o el haiku, o el pentámetro yámbico. Para otros, se pueden ampliar a cosas como la fotografía, la poesía o la pintura..
Otros aún son capaces de dominar varias disciplinas y producir un trabajo significativo en todas ellas (¿era Leonardo da Vinci un pintor, un científico, un ingeniero, un músico, todo lo anterior?). Esto de ninguna manera refleja el valor de la obra, sino simplemente la sensibilidad personal del artista..
En cuanto a quién ve más o menos; Algunas personas pueden producir cuerpos de trabajo ricos solo en color, o solo en monocromo, mientras que otras no pueden crear una imagen significativa, no importa en cuántos medios trabajen. Creatividad del artista usándolos..
En mi trabajo de hoy, la decisión no se toma explícitamente, sino implícitamente. Más allá de la simple mecánica de usar una cámara, la habilidad más importante que puede poseer un artista fotográfico es la capacidad de visualizar con eficacia. Es decir, imaginar todas las formas posibles de expresar un concepto y elegir la que mejor se adapte..
La mayoría de las veces, esto significa que sabré por instinto si un concepto se representa mejor en color o en blanco y negro antes de tocar la cámara. Pero eso no es una regla dura y rápida. La naturaleza de la creatividad es tal que las epifanías pueden ocurrir en cualquier momento en el que me involucre en mi trabajo. Algunas veces me doy cuenta después de que mi visualización original puede no ser la más efectiva, y puedo elegir tomar la imagen en una dirección diferente durante el procesamiento.
El proceso creativo no es lineal, excepto en sus aspectos mecánicos. Cuando se trata de expresar un concepto, las nuevas ideas pueden guiar el trabajo de diferentes maneras. Es importante no quedar atrapado en un solo resultado posible. Hacer eso ahoga la creatividad, que es el motor que hace posible el arte..
La respuesta está en la pregunta. La técnica es importante, pero sin emoción, imaginación, experiencia y creatividad, en el mejor de los casos, puede esperar imágenes bien elaboradas. Esfuércese, en cambio, por hacer imágenes significativas. Estos solo pueden venir de la introspección..
La pregunta más importante que alguien puede hacer sobre una imagen no es cómo se hizo, sino por qué, y el por qué no está contenido en el tema o las herramientas. Tiene que venir de la persona detrás de la cámara. En lugar de buscar una estética simple, busca expresar algo de tu propia creación: tus pensamientos y sentimientos sobre las cosas que fotografias o sobre cualquier otra cosa que pueda surgir de la imagen..
El consejo más simple y efectivo se refleja en las palabras de Mark Twain: el diccionario es el único lugar donde el éxito viene antes del trabajo. Experimente, trabaje, practique, pase todo el tiempo que pueda con sus temas, estudie, investigue, lea, tome clases y esté preparado para fallar una y otra vez antes de tener éxito.
No hay atajos. Existe una gran cantidad de conocimiento para ayudarlo a construir su base, pero siempre esfuércese por expresar algo de sí mismo en su trabajo. Recuerda que hay una diferencia entre una gran imagen y una imagen de algo grande..
Creo que el mercado editorial está en medio de una revolución: una democratización, donde los grandes intereses empresariales ya no dictan lo que ve la luz del día y lo que no. Con los eBooks, cualquiera puede ser un autor y llegar a cualquier audiencia..
Esto tiene profundas implicaciones financieras y creativas para cualquier persona que desee compartir su trabajo escrito. Creo que es una bendición absoluta tanto para los autores como para los lectores, pero no debe darse por sentado. También impone una mayor responsabilidad a los lectores en términos de investigación, filtrado y consumo de contenido escrito..
Tengo la intención de ofrecer más títulos en la serie Creative (que probablemente aborden los temas de la composición visual y las técnicas de campo). También planeo ofrecer un tipo diferente de exploración de libros electrónicos, me atrevo a decir, más aspectos filosóficos de acercarse al arte visual y las recompensas de incorporarlo en la vida de uno..
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