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Cada dos semanas, volvemos a visitar algunas de las publicaciones favoritas de nuestros lectores de toda la historia de Phototuts +. Este tutorial fue publicado por primera vez en octubre de 2009..
La razón por la que muchas personas se sienten atraídas por la fotografía es su capacidad para comunicar una idea universalmente. La escritura, el habla, e incluso la mayoría de la música depende del lenguaje. La fotografía no. Una gran foto en Inglaterra es generalmente una gran foto en China. Una gran novela en inglés es un montón de símbolos mezclados para alguien que no sabe el idioma. Hay otra forma de arte que tiene casi el mismo atractivo universal y aún más aceptación universal: la danza.
Hoy vamos a echar un vistazo a varios consejos y técnicas para la fotografía de danza, para que estés completamente equipado para capturar imágenes impresionantes de esta forma de arte..
¿Al igual que mirar una foto, ver a alguien bailar no necesita conocimientos de lenguaje? Y el baile no requiere ningún equipo lujoso y caro. Desafortunadamente, tomar excelentes fotos de baile requiere mucha práctica (¡y un equipo elegante puede ayudar!). La razón por la que me atrae la fotografía de baile es que contiene un rompecabezas o una paradoja. La fotografía es un arte inmóvil, congelado, mientras que la danza es un arte de movimiento. Tratar de capturar y transmitir movimiento al no utilizar ningún movimiento puede ser un verdadero desafío. Pero no tengas miedo, estoy aquí para ayudarte. La siguiente foto muestra una danza tradicional hawaiana que utiliza movimientos manuales para simbolizar cosas como el agua, el tiempo y el sueño..
Soy un gran fanático del dicho "las cámaras no toman buenas fotos, los fotógrafos lo hacen". A menudo trato de alejar a la gente del equipo costoso, y también trato de mantener mi equipo simple. Dicho esto, la tecnología moderna puede aumentar considerablemente las posibilidades de hacer fotos de baile sólidas con suficiente práctica. Esencialmente estás disparando en un ambiente extremo. La iluminación suele ser muy oscura y los bailarines se mueven muy rápidamente..
Recomendaría una cámara réflex digital que tenga una buena reputación por disparar con ajustes de alta ISO. Muchas veces tendrás que subir la ISO hasta el tope. También sería útil si la cámara tiene una alta velocidad de cuadro que le permite tomar varias fotos en una secuencia. El 90% del tiempo cuando disparas a bailar en un escenario, no podrás usar un flash. Así que tener una lente "rápida" también ayudará. "Rápido" significa que la lente tiene una apertura máxima amplia, generalmente f / 2.8 o más ancha. Por lo general, también encuentro que los teleobjetivos son extremadamente útiles, algo con una longitud focal de 85 mm o más.
Los lentes de enfoque automático también son importantes porque casi todas las cámaras fabricadas son más difíciles de enfocar manualmente con poca luz. La siguiente foto muestra por qué disparar a la danza no funciona tan bien con una lente gran angular justo debajo del escenario. Las líneas del cuerpo del bailarín están distorsionadas, el ángulo bajo es poco favorecedor y se incluye demasiado fondo. Al alejarse y ajustarse con un teleobjetivo, estos problemas se resuelven.
El mayor desafío para muchos fotógrafos es la iluminación. Como dije anteriormente, el equipo puede ayudar, pero es importante comprender algunos conceptos básicos sobre cómo la luz (especialmente la luz de escenario) interactúa con su cámara. Primero, querrás evaluar el color de la luz. La realidad significa dos cosas, la temperatura del color (balance de blancos) y el color percibido. Todas las fuentes de luz artificial producen luz que no es exactamente blanca. Las luces fluorescentes son un poco verdes, las luces del hogar o de tungsteno son de color naranja. Nuestros ojos se ajustan a esto de forma natural, pero si empiezas a buscarlo, normalmente puedes decirlo. Este fenómeno es lo que describimos como temperatura de color..
Si su cámara lo permite, le sugeriría encarecidamente que ingrese a la configuración de balance de blancos y ajuste manualmente la temperatura del color, que estará en Kelvin o simplemente K. Los números más bajos son para una luz más roja o anaranjada, mientras que los números más altos son para más Luz blanca y azul. Pero a menudo las luces del escenario se gelifican, lo que significa que tienen filtros de colores para hacerlas intencionalmente de un color diferente para un efecto dramático. Las luces gelificadas y las cámaras digitales no se mezclan bien. Las cámaras digitales tienden a saturar en exceso este tipo de luz, lo que conduce a resultados brillantes, terribles, de neón e incluso a una pérdida de detalles en áreas bien iluminadas.
En todos los casos en los que se utilizan luces gelificadas, accedería a la configuración de su cámara y simplemente reduciría la saturación todo lo posible. Aún verás el color, pero no sobrepasará nada. Las fotos a continuación son un ejemplo de cómo disparar con su cámara ajustada a una saturación regular y disparar con la cámara configurada a baja saturación. Observe el brillo de neón a la izquierda, esto puede usarse algún tiempo para crear una foto interesante, pero el efecto debe usarse con moderación.
A veces, el bailarín soltero en una sola postura contra un fondo limpio puede tener mucho poder (incluso hay uno que aparece más adelante en este artículo) pero todos hemos visto esto muchas veces y pueden ser un poco aburridos. Imagine un libro con solo este tipo de fotos, se volvería un poco redundante como un manual de instrucciones. Al igual que con muchos otros tipos de fotografía, crear capas en tus fotos realmente las separa del paquete..
Busque cosas para enmarcar en primer plano o intente rellenar el fondo con otros bailarines o elementos. Busque decoraciones interesantes en el fondo. Dispara a los bailarines en la parte delantera de un espectáculo a los bailarines en la parte de atrás. En lugar de disparar directamente al escenario, muévase hacia un lado. Esto moverá a muchas otras personas en el escenario detrás de tu sujeto. La foto de abajo es de una sesión de baile cuadrado. Los recortes de bailarines en la pared me permitieron reflejar a los bailarines reales con otro elemento en la sala. En términos artísticos, esta técnica se llama repetición de forma..
Hablando de términos de arte, hablemos de las cuatro formas en que los artistas tradicionales crean la sensación de movimiento en su trabajo. El primero se llama movimiento anticipado. Este principio es un poco difícil de explicar. La prueba para esto es si la foto o la pintura cobraran vida de repente, ¿qué pasaría? ¿Caería el sujeto? ¿Se les romperá la pierna? Básicamente, si la postura del sujeto es imposible para alguien que se para en el suelo y la mantiene durante unos momentos, entonces ha logrado el efecto. Alguien no solo puede flotar en el aire, así que si vemos una foto que muestra eso, sabemos que la persona estaba saltando..
La segunda técnica tiene muchos nombres, pero básicamente significa un contorno borroso. Esto se puede lograr reduciendo la velocidad de obturación. A veces puede desplazarse con el sujeto para que esté más enfocado que el fondo, a veces permite que su movimiento difuso se compense con un fondo estático.
La tercera forma es bastante difícil de lograr sin un flash de alta tecnología. Se llama formas múltiples. A menudo se ve esta técnica utilizada en diagramas técnicos. Se mostrará una persona en varias posiciones superpuestas en la misma imagen..
La última forma de crear una sensación de movimiento en realidad no representa el movimiento físico, sino que ofrece al espectador varias cosas para ver en la foto, haciendo que su ojo se mueva alrededor de la imagen. La técnica de repetición de forma logra esto la mayor parte del tiempo. La foto de abajo es un buen ejemplo de movimiento anticipado (y un mal ejemplo de creación de capas). La bailarina se caería del aire si de repente cobrara vida..
Las siguientes secciones serán consejos y cosas más pequeñas para buscar. Mientras que el movimiento, la iluminación y las capas suelen ser cosas en las que querrás pensar en cada sesión de baile, hay cosas más pequeñas que quizás solo quieras utilizar de vez en cuando.
El primero de estos es conseguir un buen momento. Si bien todos los fotógrafos esperan que sus imágenes capturen un momento de gran emoción o acción, me estoy refiriendo más a los pequeños momentos fuera de ritmo. Esté atento a las pequeñas cosas. Es posible que esto no sea lo más importante que suceda ese día, pero pueden tener un sabor y una rareza que realmente capturen la escena en la que te encuentras. La siguiente foto se tomó en una boda. Mientras todos los adultos bailaban y socializaban, estos niños tenían su propia fiesta..
Muchas formas de baile se basan en diferentes poses que se llevan a cabo durante breves momentos. Esté atento a estos. El bailarín está congelado por una fracción de segundo, lo que le brinda cierto alivio de tener que mantener una velocidad de obturación rápida. Los bailarines también trabajan en la forma y la forma en que estos posean toda su vida para asegurar un buen aspecto, incluso si solo los sostienen por una fracción de segundo. Estas posturas a menudo se sostienen al girar o al levantarse también.
La siguiente foto muestra a dos bailarines trabajando en una pose de este tipo en clase. Si observas sus formas de cerca, puedes ver al bailarín más joven trabajando para que coincida con la forma del bailarín un poco mayor y más experimentado..
Tenga en cuenta que la danza es una experiencia de cuerpo completo y un cuerpo se compone de muchas partes. No tenga miedo de concentrarse en un movimiento específico de la mano o en la posición del pie mientras dispara. ¿Cuántos jóvenes bailarines aspirantes tienen carteles que muestran un acercamiento de los pies resbaladizos de una bailarina? Bueno, la siguiente foto es un pequeño giro de ese póster para aspirantes de bar que entrenan para la escena del club..
La última foto y la foto destacada de este tutorial tienen muchos de los elementos que mencioné anteriormente. Fue filmado con una lente larga desde una posición más alta que el piso. Los tonos no están saturados en exceso, aunque se usaron geles de color púrpura en las luces del escenario. Tiene muchas capas, pero aún tiene un tema distinto para que lo vea el espectador. La serie de chicas con los mismos atuendos y con el mismo apoyo crea una bonita repetición de formas, y las muchas caras y líneas convergentes hacen que los espectadores miren alrededor de la imagen sugiriendo movimiento..
Recuerda, algo de fotografía es conocimiento, pero mucho de eso también es suerte. Pero al igual que la lotería, no ganarás si no juegas. Así que sal y juega. Cuantas más veces dispares a sujetos desafiantes, más gratificantes serán los resultados.!
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