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Eres un artista único con ideas que deseas expresar y música que tienes que compartir. Entonces, ¿cómo se asegura de mantener sus pistas interesantes y divertidas para que su audiencia las escuche??
En este tutorial veremos algunas de las cosas más comunes que las personas dejan de mantener interesantes, haciendo que sus huellas se sientan sin vida y aburridas, y cómo podemos mantener las cosas animadas e intrigantes para mantener la atención de nuestra audiencia..
Todos sabemos que las primeras impresiones lo son todo, y la regla se aplica tanto a la música como a cualquier otra cosa. Los momentos iniciales de su pista pueden captar la atención de su oyente y entusiasmarlos para seguir escuchando o hacer que no se impresionen y aburren por completo, por lo que es fundamental que lo primero que escuche su audiencia sea convincente.
Los compositores a menudo inician erróneamente sus canciones tocando un verso, o los primeros compases de un verso, sin guía vocal o instrumental. Aunque entiendo que esto "introduce" la vibra de la canción, escuchar algunos acordes tocando la guitarra es bastante aburrido. Si vas a comenzar tu canción de manera instrumental, usa un patrón rítmico emocionante o un gancho melódico. Ni siquiera tienes que usar material que exista en otra parte de tu canción..
Los Beatles son maestros en introducciones pegadizas (como todo lo demás, supongo). Considere el interesante comienzo de la canción "Acabo de ver una cara", que comienza con un patrón de guitarra de 12/8 ocupado. Es convincente, no tiene nada que ver con la canción real, y funciona. Otros ejemplos: comenzar con un acorde o un golpe emocionante pero emocionante y luego sumergirse directamente en la canción como en "Hard Days Night" o "Glass Onion"; comenzando inmediatamente con un coro vocal como "She Loves You", "Nowhere Man", "Eleanor Rigby", "Help" o "Hello Goodbye"; comenzando con un gancho instrumental único como "Ticket to Ride", "Day Tripper" o "Drive My Car".
Considere estos dos ejemplos, donde cada pista comienza con un florecimiento rápido. El comienzo de la canción es inmediatamente emocionante y te da la sensación de que quieres seguir escuchando..
Una de las maneras más fáciles de aburrir a alguien es encontrar un bucle de batería que creas que sea bueno y repetirlo hasta la saciedad. Puede ser divertido escucharlo dos veces, pero si nada cambia, nuestra mente no tardará mucho en comenzar a vagar y dejar de prestar atención a tu música..
Otro inconveniente de los bucles comerciales es que pueden convertirse rápidamente en estándar y cliché. Incluso si el oyente no puede decir con seguridad dónde lo escucharon, si el bucle ha sido usado por otra persona, se darán cuenta de que es familiar. El uso de ritmos y sonidos personalizados mantiene su música de manera única..
Si estás leyendo este tutorial, es muy probable que sepas cómo funciona un ritmo de batería básico. Si en lugar de buscar inmediatamente bucles, en lugar de cargar o crear un kit de batería, se verá obligado a comenzar a pensar de forma más creativa. Tendrá que pensar realmente en el patrón que está creando, en lugar de confiar en que alguien más lo haga por usted..
En este ejemplo, utilicé un kit electrónico de 8 bits con muchos sonidos únicos y divertidos. El ritmo resultante es variado y animado, y no es algo que pudiera haber encontrado si simplemente busqué en las carpetas un bucle.
La siguiente razón importante para crear tus propios ritmos es que es muy fácil personalizarlos y cambiarlos. Incluso los cambios sutiles como un golpe de platillo cambiado o un patrón variado de bombo harán que tu ritmo sea mucho más vibrante en toda tu canción que los mismos 4 tiempos una y otra y otra vez. Echa un vistazo a la MIDI para este bucle en particular:
Las únicas cosas que son exactamente iguales son el hi-hat (las notas anaranjadas en G3 y G # 3) y el ruido de 8 bits en el último tiempo (las notas amarillas en G # 0).
Todo lo demás alrededor de esos elementos está cambiando constantemente en pequeñas formas (la patada y la caja que mantienen un surco algo consistente) o grandes formas (los efectos de sonido y los golpes extraños que condimentan las cosas).
Al tener el control de cada elemento del kit, nos vemos obligados a pensar en maneras de mantener el patrón más interesante, lo que es bueno para la fuerza de nuestro ritmo. También es mucho más fácil hacer cambios, simplemente podemos cambiar las notas MIDI y no tener que tratar de empalmar el audio.
A pesar de los consejos para evitar el uso de bucles, seamos honestos: los bucles son útiles. E incluso son algo divertidos. Lanzar un buen bucle puede ser un gran ahorro de tiempo y también un trampolín creativo para otras ideas. Pero si vamos a romper y seguir utilizando bucles de vez en cuando en lugar de crear nuestros propios ritmos, lo menos que podemos hacer es poner un poco de esfuerzo extra para hacerlos buenos..
Ya cubrí cómo mejorar sus bucles al automatizar EQ en otro tutorial, por lo que lo que vamos a hacer ahora es concentrarnos más en los ritmos reales de los bucles en lugar de abofetear un efecto en toda la pista. Aunque podría obtener los mismos resultados cortando el audio, esto será mucho más fácil si está usando algo como Stylus RMX o archivos REX que ya han dividido los ritmos de sus bucles en notas MIDI individuales.
Lo más simple que podemos hacer es trabajar con un bucle. Aquí hay un bucle que es bastante sencillo:
Con solo mirar el MIDI podemos ver que es muy uniforme y repetitivo.
Hagamos esto más interesante reorganizando las notas MIDI para crear rellenos. Lo haré identificando primero qué notas MIDI componen los sonidos importantes o interesantes del bucle, usando golpes duros como patadas y trampas para ritmos y pequeños golpes como hi hats son grietas para el relleno..
Todo lo que necesitó fue mover algunas notas, pero ahora tenemos un loop de batería que es variado y animado..
Otra forma más interesante de utilizar los bucles es variar y mezclar constantemente los distintos bucles. Esta canción fue creada utilizando 7 bucles de batería y percusión diferentes:
Aquí hay una imagen de los bucles utilizados en la secuencia:
Cada pista es un bucle diferente y cada color una variación. Tenga en cuenta que muchas de las mismas regiones siguen regresando, pero la idea aquí es mantener las cosas constantemente variadas. Utiliza un pequeño conjunto de materiales para dar cohesión a su canción, pero los cambia constantemente para mantener al oyente alerta..
Aquí está la canción completa que usa esos bucles, también construidos enteramente de los bucles de bajo, guitarra y metales con el mismo concepto:
Uno de los mayores errores que oigo cometer a la gente es hacer que sus mezclas estén demasiado ocupadas. Si bien pueden pensar que están logrando la plenitud, lo que realmente están terminando es el desorden. Si tiene batería, bajo, guitarra acústica, tanto una guitarra como un piano que tocan acordes y sonidos, un cantante y vocalistas de fondo, todos al mismo tiempo, ¿cómo se supone que debo saber qué escuchar en el mundo? Solo porque lo tienes no significa que debas usarlo.
Si tiene tanto piano como guitarra, una de las cosas más fáciles que puede hacer para crear variaciones es hacer que se turnen. Por ejemplo, haz que el guitarrista toque el primer verso y el piano el segundo. O bien, asigne a cada uno una función diferente, como hacer que los acordes de guitarra y el piano solo toquen lamer y rellenar entre las líneas vocales. En cualquier caso, tener ambos instrumentos tocando uno encima del otro causará mucho daño a tu mezcla.
Echa un vistazo a este ejemplo, que construí completamente a partir de algunos bucles que venían con lógica.
El "verso" se reproduce tres veces, pero cada vez con un par diferente de instrumentos. Mientras que la batería y el bajo permanecen igual durante toda la melodía, los versos cuentan con violín y guitarra eléctrica, banjo y guitarra acústica, o pedal de acero y guitarra acústica. Si el violín, el eléctrico, el acústico, el banjo y el pedal de acero intentaran tocar en el mismo verso, sería una locura desordenada. Al extenderlos y darle a cada jugador su turno de brillar, el oyente puede concentrarse en el instrumento del momento y no verse obligado a intentar escudriñar el desorden..
Una flauta solista o un oboe solo puede sonar hermoso y lírico, pero en cuanto los tocas al mismo tiempo, pierdes la singularidad y el color de cada uno. Si bien puede crear muchos sonidos interesantes y efectivos utilizando diferentes combinaciones de instrumentos, generalmente los métodos más simples producirán los mejores resultados y comunicarán sus ideas de la manera más clara..
Algo es interesante cuando pone a prueba nuestras expectativas. Después de años de escuchar música, todos nos hemos acostumbrado a muchas convenciones, un ejemplo básico de las cuales son incluso frases de 2, 4 u 8 compases. Al jugar con la longitud de nuestras frases, podemos hacer las cosas más interesantes y salir de lo común..
En este ejemplo, la sección A de la pieza se reproduce principalmente en tres frases de compás:
La pieza podría haber invadido una barra extra para una frase de hasta cuatro barras, pero eso hubiera sido largo e innecesario. Al acortar la frase con una barra completa, mantenemos la pieza en movimiento y desechamos ligeramente las expectativas del oyente. Lanzándonos para otro bucle, la tercera frase no se detiene en tres compases, sino que continúa durante 5 antes de volver a comenzar la sección A. De manera similar, la última frase de la segunda sección A corta la frase de 3 compases a solo 2 compases, lo que hace que la sección B llegue inesperadamente.
A modo de comparación, escuche este ejemplo donde las frases se han extendido para incluir esa cuarta barra. No sé de ti, pero me hace bastante impaciente.
Una cosa importante a tener en cuenta en la versión original es que, aunque las frases tienen una longitud inusual, la pieza aún tiene un elemento de flujo. No estamos usando longitudes impares para molestar al oyente o para ponerlos completamente desprevenidos, sino simplemente para que sea más interesante escuchar la pieza. Es el tipo de técnica sutil que un no músico nunca notaría, y realmente no queremos que lo hagan..
La mayoría de la música occidental está en 4/4, con la pista ocasional que aparece en 3/4, 12/8 o 6/8. El uso de una marca de tiempo menos común, como 5/4 o 7/8 puede agregar un toque único a tu canción, pero solo si se hace de manera efectiva.
Se pueden usar firmas de tiempo impar para sacar a la gente de un lugar cómodo. Led Zeppelin usaría esta técnica a menudo. Considera la canción The Ocean, que te hace mover la cabeza hacia el surco cuando, de repente, una barra de tres te atrapa con la guardia baja..
Mi uso favorito de todos los tiempos del tiempo extraño en la música pop es "Solsbury Hill" de Peter Gabriel. La canción se alterna entre 4/4 y 3/4 (podría considerarlo 7/4) pero se hace de una manera tan suave que no se nota nada extraño si no está prestando atención. Consigue la suavidad manteniendo un bombo muy estable en cada nota de cuarto y un patrón de agitador consistente. El ritmo nunca se interrumpe, por lo que nunca hay una razón para sentir que el tiempo es inusual, pero el fraseo es lo suficientemente extraño como para que podamos sentir que algo diferente está sucediendo. Recortar esa nota del octavo trimestre también mantiene la canción constantemente empujando hacia adelante.
Ya he escrito un tutorial sobre cómo usar The Rule of Three y Music. El concepto básicamente dice que si has repetido algo exactamente igual una vez, es hora de seguir adelante. Mira el tutorial original para una mirada más profunda.
La bendición y la maldición de la tecnología musical de hoy es que podemos lograr casi la "perfección" con nuestra música. Los ritmos pueden ser inhumanamente precisos, los tonos nunca pueden oscilar desde una frecuencia matemática perfecta, y nuestras mezclas pueden responder a la automatización de milisegundos. Si bien todas estas cosas pueden ser útiles, es muy fácil terminar con una pista que suena sin vida y sin corazón. Una de las formas de devolver ese toque "humano" es mediante la incorporación de pequeños ejemplos de imperfección..
Echa un vistazo al primer minuto de esta pieza:
Además del piano, no está pasando nada más que una almohadilla larga que mantiene los mismos tonos todo el tiempo. Tuve un cuarteto de cuerdas que tocaba los mismos tonos muy suavemente debajo del teclado. Las fluctuaciones naturales en la inclinación, la afinación y la resonancia de las cuerdas agregaron un toque de imprevisibilidad que hubiera sido imposible de lograr simplemente al presionar mi dedo sobre la almohadilla. Si bien podría haber extendido muy fácilmente el MIDI a lo largo de la introducción y dejarlo así, habríamos quedado con un sonido aburrido y estático. En cambio, al agregar ligeras imperfecciones podemos agregar un interés sutil. El combo pad / cuerdas no distrae del piano, que es el elemento más importante, pero tiene una sensación orgánica que lo hace sentir un toque más vivo..
Es probable que no tenga un reproductor en vivo a su disposición cada vez que desee agregar un toque humano a su música, así que, ¿qué más podríamos haber hecho con este teclado? Podríamos automatizar un filtro, permitiendo que diferentes frecuencias del pad pasen en diferentes momentos. Podríamos automatizar el volumen para que el pad fluctúe y parezca que "respira" a medida que se vuelve más fuerte y silencioso. Podríamos colocar unas pocas almohadillas diferentes, haciendo que se turnen suavemente para desvanecerse una sobre otra. Todas estas técnicas se emplearían con el propósito de evitar que la almohadilla suene como una máquina, haciendo que suene como un elemento imperfecto y orgánico..
Hay una línea muy fina entre lo innovador y lo excéntrico. A menudo, cuando alguien se considera "adelantado a su tiempo", es porque la gente aún no ha superado las diferencias entre lo que es estándar y lo que el artista está expresando. Imagínese si Eddie Van Halen intentara tocar un solo de rasgadura, rompiendo la guitarra a mil notas por minuto, en 1955. Se habría reído de él o quizás incluso encerrado. Le tomó décadas a la roca evolucionar para preparar el escenario para ese tipo de juego.
Si quieres que tu música sea interesante, tienes que ser único a tu manera, pero para que las personas presten atención, debes darles algún tipo de punto de referencia. Como ejemplo, sin la fuerte orquesta de cuerdas "Viva la Vida" sería solo otra canción de Coldplay. No hay nada revolucionario sobre la progresión de los acordes o la melodía, pero la orquestación única para la música pop hace que la canción sea especialmente interesante..
Puede ser una línea fina entre "interesante" y "errática", que es una de las razones por las cuales los cambios sutiles consistentes pueden ser tan efectivos. Minimalistas como Philip Glass y Steve Reich han hecho carreras completas a partir del concepto de que no hace falta cambiar constantemente de humor o de color para hacer una gran pieza musical, pero sí requiere que su música sea lo suficientemente interesante como para mantener a su oyente. comprometido.
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