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En mi opinión, no hay nada tan inspirador como trabajar con músicos talentosos y experimentados en un estudio de grabación. Siempre disfruto estas sesiones enormemente: su organización está organizada y la combinación de pistas está lista; ahora solo estás sentado en tu estudio esperando que llegue el jugador.
Por supuesto, las colecciones de muestras son abundantes para todos los principales instrumentos orquestales y de jazz, por no mencionar una amplia gama de instrumentos "fuera de lo común", que van desde lo étnico y lo indígena hasta lo más estrafalario. Pero un jugador real puede aportar mucho más a tu música..
Si se graba en una configuración adecuada con el tipo correcto de micrófono, se garantiza que el sonido será absolutamente auténtico para una cosa. El otro gran factor es la propia creatividad de los músicos de sesión. Traen su talento y 'toman' el arreglo de su canción y el valor agregado que a menudo es invaluable.
Aquí hay un extracto de un arreglo que hice hace un tiempo que presenta una flauta en vivo que lleva la melodía. La pieza luego continúa en una sección de puente. Un tono hermoso y una entonación son cruciales cuando el instrumento en cuestión se presenta tan lejos en la mezcla.
Aquí hay otro extracto en un estilo algo celta; Esta vez un violinista. Como recuerdo, este jugador interpretó una parte que había escrito anteriormente con un software de escritura de partituras, pero el tono y el estilo de la entonación particularmente hermosos aquí serían extremadamente difíciles de emular con muestras de instrumentos..
Por supuesto, la grabación de jugadores "reales" trae su propio conjunto de problemas y problemas específicos para resolver. Estos van desde qué micrófono usar, hasta cómo preparar mejor la pista para el jugador que llega. Su objetivo general debe ser intentar que la experiencia sea lo más cómoda y natural posible para el jugador de la sesión..
Recuerde que lo más probable es que intenten interpretar una parte que nunca antes han visto, mientras intentan aclimatarse a la configuración de su estudio y a la pista en sí, todo al mismo tiempo. En este tutorial, echaremos un vistazo a una gama de instrumentos en el extremo clásico del espectro y veremos la mejor manera de prepararse para una sesión con cualquiera de ellos..
Si pensamos en la orquesta sinfónica como "familias" de instrumentos (cuerdas, vientos de madera, metales, etc.) notará que he elegido uno o dos de cada grupo, y también incluí el arpa, lo que requiere un enfoque ligeramente diferente. La mayoría de los músicos clásicos tienen una cosa en común: normalmente leen muy bien la música, ya que eso formó una parte clave de su formación musical temprana. Por lo tanto, es muy probable que esperen ver una parte anotada en el día.
No estoy sugiriendo que los músicos clásicos no improvisen o no improvisen. Algunos de ellos lo hacen muy bien. Pero es probable que se sientan mucho más cómodos trabajando con una hoja de música impresa en frente de ellos. Asumiré que planea escribir su parte, lo que probablemente hará usando un paquete de software de notación.
Una vez que tenga su arreglo en mente, ¿cuántos detalles debe incluir en la parte? En el mundo clásico, se cubren absolutamente todos los matices: expresión, fraseo, arcos, etc. No hay una respuesta correcta a esto, pero tiendo a favorecer el enfoque 'esquivo', ya que siempre se puede trabajar en los detalles con los comentarios de los jugadores. durante la sesion.
Aquí hay una introducción de canciones que presenta una parte de cello. Luego, la parte del violonchelo se reduce a un registro más bajo cuando la voz principal ingresa.
La parte que le di al jugador para la introducción está escrita a continuación (¡ciertamente más bien corta!). Traté de darles una cuenta clara desde el principio de la canción. También habría habido una pista de clics silenciosa en sus audífonos para ayudarles a identificarlos..
Cuando escribo partes de cuerdas, tiendo a dejar marcas de arco ya que se discutirán durante la sesión, y el jugador sabrá cómo tocar técnicamente la parte para que suene como yo quiero..
Aquí hay otro ejemplo de MP3, seguido por la parte anotada. Esta vez un violín toca la línea de la melodía:
La parte que le di al jugador en ese momento no habría contenido ninguna marca de inclinación, pero la he agregado arriba, según cómo fue la actuación. Es importante conocer los límites precisos del instrumento y también el tipo de sonido que puede producir en toda su gama tonal cuando escribe la pieza..
Propina: Es una buena idea tener a mano algún tipo de diccionario de orquestación que pueda dar rangos y describir las características básicas del instrumento. Hay un numero. Mi favorito personal es "The Essential Dictionary of Orchestration" de Dave Black y Tom Gerou. Esto es económico, sin complicaciones y también de bolsillo; por lo que es fácil de llevar.
He trabajado con todo lo anterior en mis propios violinistas de estudio tocando en un estilo "celta" y también con un enfoque más clásico, flauta de jazz y flauta clásica. También he grabado el arpa celta varias veces, pero un arpa orquestal solo una vez. En esa ocasión, me preocupaba mucho si el instrumento encajaría realmente en mi estudio, que tiene un techo bastante bajo.
Cuando el jugador llegó, ella me sorprendió al negarme a permitir que la ayudara a descargar el instrumento de su automóvil. (¡Claramente, ella estaba pensando en el costo del instrumento y en mi propia falta de experiencia en llevar uno!) Prontamente produjo un carrito adecuado para ese propósito desde algún lugar dentro del vehículo. Me alegra decir que la altura del instrumento mejoró la altura de mi estudio ... pero solo alrededor de dos pulgadas!
Aquí hay un ejemplo de cómo puede sonar el arpa celta. Esto es tomado de una introducción de la canción..
En términos generales, el uso de cualquier micrófono de condensador de calidad razonable debe producir resultados aceptables. Un micrófono de condensador de diafragma grande como un AKG C414, o un Neumann U87 sería una opción profesional típica para tal situación, pero también son posibles muchas otras opciones..
La colocación del micrófono es crucial. En general, querrá colocar el micrófono muy cerca del instrumento, ya que esto reducirá el ruido ambiental de la habitación. Vea la tabla de abajo.
El sonido ambiental natural de la habitación se hará cada vez más evidente a medida que se coloca un micrófono más alejado de la fuente de sonido. De hecho, el nivel de sonido disminuye en un factor de 6dB a medida que la distancia se duplica, lo cual es bastante.
La cantidad de sonido directo en relación con el sonido de la sala se puede controlar tanto por la distancia del micrófono a la fuente de sonido como, en menor medida, por el patrón polar del micrófono (cardioide u omnidireccional).
¿Estarás grabando el instrumento en mono? Mi preferencia sería grabar todos estos instrumentos en una pista mono con una única fuente de micrófono, con la excepción del arpa que podría beneficiarse al tener un par de micrófonos estéreo a una distancia mínima.
Aquí hay una tabla que da algunos consejos específicos y sugerencias de micrófono:
En la práctica, a menudo parece que me paro al lado del jugador mientras se calientan, tratando de escuchar el lugar "dulce" donde el tono del instrumento se manifiesta con mayor eficacia. Este es el lugar donde se debe enfocar el micrófono y es donde debe buscarlo para configurarlo. Sin embargo, también compruebe que no interfiera con el reproductor u oculte su visión de la música. Los violinistas y los violoncelistas necesitarán espacio para doblar sus instrumentos..
Con la flauta, he notado que el sonido puede variar bastante dependiendo de la posición de su micrófono. Demasiado cerca de la boquilla y puede arriesgarse a que se mezcle demasiado con el sonido, pero demasiado cerca de las teclas y el sonido comienza a ser dominado por el ruido de los dedos en los teclados. Es bastante sorprendente cómo un buen micrófono capta el sonido más pequeño, por muy insignificante que pienses que es en ese momento.
Un poco de distancia del instrumento a menudo termina siendo la opción más segura, especialmente si planea usar cualquier compresión más adelante, ya que esto aumentará bastante el nivel de ruido. Los errores son fáciles de cometer y, ciertamente, me han descubierto en el pasado; y me he encontrado escuchando más tarde las tomas con el extraño ruido o dos que no deberían estar allí, mucho después de que el jugador haya desaparecido!
El arpa es único porque tiene 47 cuerdas organizadas de manera no cromática. El jugador juega usando un conjunto de pedales dispuestos para ambos pies en la base del instrumento para cambiar la afinación de estas cuerdas.
¡La mayoría de los arpistas que graban regularmente tienen un fieltro adicional para amortiguar estos pedales, que de otra manera pueden hacer un sonido bastante torpe! En general, es mejor configurar un par de micrófonos estéreo a cierta distancia del instrumento, para evitar el ruido de pedal no deseado y el ruido de los dedos en las cuerdas..
En el siguiente artículo, veré cómo grabar instrumentos de jazz, lo que requiere un enfoque completamente diferente. También veremos otros problemas técnicos vitales, como la configuración de una excelente combinación de auriculares y el uso adecuado de la compresión y la corrección de sintonización.
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