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En la mente de muchos músicos, la producción musical es una especie de hechicería o una litera sobrevaluada. Si bien es cierto que cualquiera de los dos es una posibilidad, la mayor parte del tiempo el trabajo de un productor se reduce a un trabajo duro, experiencia, buenos oídos y una sensación real de lo que hace que la música funcione. Esta serie sobre producción musical se basa en mi nuevo libro, The Music Producer's Handbook, donde describiré algunas técnicas básicas de producción y, con suerte, eliminaré el misterio del proceso. Tenga en cuenta que veremos la relación de un productor con una banda o un artista con una banda de acompañamiento o músicos de estudio. Abordaremos la autoproducción más adelante en la serie..
La preproducción es el momento en que todas las canciones y los arreglos se elaboran y afinan antes de ingresar al estudio para grabar. Puede llevarse a cabo en un garaje, un dormitorio o una sala de ensayo, y puede durar desde un día hasta un par de meses..
Un largo programa de preproducción generalmente es una función del trabajo con artistas o bandas que escriben sus propias canciones y están al principio de sus carreras, ya que las canciones y los arreglos a veces requieren una buena cantidad de ajustes. Los artistas y las bandas más adelante en sus carreras suelen tener un mayor sentido de los arreglos y la ejecución musical, y se han vuelto lo suficientemente musicales como para mantener la fase de preproducción al mínimo como resultado..
Casi nunca hay una preproducción para comerciales y partituras de películas o televisión, ya que el compositor tiene el arreglo bastante bien preparado de antemano y los músicos tienen la habilidad suficiente para aprender o leer en el lugar.
Si hay suficiente tiempo, la preproducción se divide en tres secciones: antes, durante y después de los ensayos. Cada uno juega un papel importante en el proceso de preparación del artista o la banda para la grabación real.
Antes de que comience el primer ensayo, el productor usualmente se tomará el tiempo para conocer al artista o la banda, y viceversa, si ya no se conocen bien. Debe haber un período en el que se desarrolle una relación y un nivel de comodidad para que todo funcione sin problemas en el estudio, y la preproducción es el momento en el que sucede..
Uno de los aspectos más importantes de conocer a un artista es aprender qué música le gusta, sobre la que está influenciada y que está escuchando ahora. Una forma efectiva de hacer esto tiene sus raíces en los días de los álbumes de discos de vinilo, cuando el productor iba a la casa del artista y les pedía que tiraran un montón de álbumes de su colección al piso, y luego describieran lo que les gustaba y no les gustaba. Me gusta de cada uno de ellos. Aún puede hacer lo mismo con los CD, o usar un teléfono, iPod o lista de reproducción de iTunes (sin el lanzamiento, por supuesto). Entre las preguntas para hacer podría ser:
¿Qué te gusta o te disgusta del artista que estás escuchando? Por qué?
¿Te gusta el sonido de la grabación? Por qué?
¿De qué grabaciones te gusta el sonido? Por qué?
¿Cuáles son algunos de tus discos favoritos? Por qué?
¿Cuáles son tus mayores influencias? Por qué?
¿Qué le gusta de mi trabajo (el productor, si ya tiene un cuerpo de trabajo)? Por qué?
Estas preguntas le dan al productor una comprensión de las influencias, gustos y disgustos del artista, que luego le dan al productor una mejor idea de lo que el artista o la banda necesita para escuchar su próxima grabación..
También es importante ir a cenar juntos, pasar el rato y tener una idea de algunos de los problemas de los botones calientes. Por ejemplo, si el cantante se siente fuertemente con respecto a la inmigración (de cualquier manera), o si el estado de la política local o nacional actual incita a un disturbio cercano entre los miembros de la banda, el productor sabe que debe mantenerse alejado de esos problemas para poder realizar un trabajo eficiente. posteriormente durante la producción. Si la novia del baterista acaba de romper con él y se siente muy deprimido, es bueno saber que no debes acercarte al tema si quieres obtener una gran actuación. Por otro lado, tal vez obtendrás un mejor rendimiento si se aborda el tema, por lo que este es el momento de averiguar qué camino tomar..
Si bien el productor puede estar de acuerdo con la política del artista o la banda, o puede ayudar a un hermano mayor a ayudar a un jugador deprimido en el momento adecuado para hacer avanzar el proyecto, la idea es mantener a la banda enfocada en la tarea en cuestión, que Está haciendo buena música. Eso significa mantener las distracciones al mínimo, especialmente las que son autoinfligidas, como la controversia sobre otras cosas que no sean la música..
Otra cosa que es importante que el productor desarrolle es establecer las reglas básicas para trabajar en el estudio durante la preproducción. Si el productor dice por adelantado: "Vamos a trabajar desde el mediodía hasta las 9 p.m. todos los días a menos que nos pongamos en marcha, pero prometo que estarás en casa antes de la medianoche", los jugadores tienden a estar más concentrados porque saben lo que es esperado de ellos y por cuánto tiempo (el tiempo de trabajo cambiará según el artista, por supuesto). Cuando se establece una rutina de antemano, hace una gran diferencia en la preparación diaria de los jugadores, incluso cuando es más probable que lleguen a tiempo porque la hora de inicio es la misma todos los días. Esto también ayuda si alguno de los jugadores tiene una familia, ya que les da cierta normalidad en sus vidas mientras trabajan..
Por supuesto, si el cantante solo puede cantar hasta las 5 de la tarde, momento en el que su voz se abre mágicamente a la de un ángel, el productor debe ser lo suficientemente inteligente como para no programar ninguna sesión vocal durante ese tiempo. Y eso es parte de lo que hace la preproducción: le permite al productor aprender las fortalezas y las peculiaridades de los jugadores para aprovecharlos al máximo cuando sea necesario..
Las reglas básicas por lo general se extienden más allá del tiempo de inicio y finalización. ¿Son bienvenidos los invitados en el estudio? ¿Si es así cuando? ¿Se permiten el alcohol o las drogas (generalmente no es una buena opción)? ¿Tiene que estar allí un miembro de la banda si no está tocando (como durante las sobregrabaciones)? Estas son solo algunas de las cosas para trabajar y el momento para hacerlo es durante la preproducción..
El verdadero trabajo pesado de preproducción se realiza durante los ensayos. Puedes hacerte amigo del artista o la banda y puedes descubrir sus peculiaridades, botones calientes, gustos y disgustos, pero aún tienes que hacer que la música sea lo suficientemente buena para grabar, y eso solo puede suceder durante los ensayos. Este es en realidad un proceso de tres etapas desglosado en las canciones, los arreglos y la ejecución de la interpretación. Echemos un vistazo a cada.
Es probable que usted (el productor) haya estado escuchando demostraciones o grabaciones de ensayos de las canciones anteriores a los ensayos iniciales, pero nunca se sabe en qué forma están hasta que las escucha de verdad, y esto significa que, a la vez, show o durante el ensayo.
Si las canciones están bien construidas, el estado de preparación de las canciones para grabar depende de los arreglos y la ejecución de esos arreglos. Si una canción carece de forma o está incompleta, depende del productor ayudar al escritor a mejorar su forma o encontrar una canción alternativa.
Si bien la escritura de canciones es en sí un proceso demasiado complejo para cubrir en profundidad esta publicación, aquí hay algunos problemas comunes de composición que hay que tener en cuenta:
Sin enfoque - Esto significa que la canción serpentea de acorde a acorde sin una estructura aparente y sin una distinción clara entre las secciones. Este es el resultado de no afinar la canción lo suficiente (o en absoluto) y pensar que está terminada antes de tiempo. A veces realmente hay una canción ahí dentro, si la pelas un poco, pero generalmente la única forma de solucionarla es volver al tablero de dibujo para una reescritura importante.
Un coro débil - Un coro que es interesante es generalmente uno que es diferente del verso. Puede ser solo un poco diferente, como agregar voces de fondo u otro instrumento, o un acento o anticipación a los mismos cambios de acordes y melodía (como el de Michael Jackson No te detengas hasta que tengas suficiente con el relleno de la cuerda y el relleno de la bocina, o Coldplay Relojes con un retorno del riff de apertura). O será muy diferente, como un conjunto diferente de cambios de acordes o melodía combinada con cambios de arreglo como Vértigo por U2. De cualquier manera, alguna cosa tiene que cambiar en el coro para levantar la energía y mantener la canción memorable.
Sin puente - En la escritura de una canción, un puente es un interludio que conecta dos partes de la canción, creando una conexión armónica entre esas partes al aumentar o disminuir la tensión. Un puente es importante porque proporciona una calidad básica que se encuentra en todas las formas de arte: tensión y liberación (en música que va de alto a silencioso o silencioso a ruidoso, en pintura que va de colores oscuros a claros, en fotografía sería de luz a sombras, etc.), para mantener las cosas interesantes. Casi todas las grandes canciones tienen un puente, pero hay excepciones ocasionales. Las canciones que se basan en el blues de 12 compases con frecuencia no tienen puentes, pero pueden usar dinámicas o arreglos para proporcionar tensión y liberación..
Independientemente de la cantidad de canciones que planea grabar, por lo general, desea tener una o dos canciones adicionales en su bolsillo por un par de razones:
Tal vez todo sobre la sesión sea mágico, la banda sonará increíble y la ejecución será tan precisa que quemarás las canciones que quieras hacer y te quedará un poco más de tiempo. Esto casi nunca sucede, pero si lo hace, es bueno poder aprovechar la buena racha y tener una o dos canciones adicionales listas para comenzar..
Una de las canciones simplemente no suena tan bien, no importa lo que hagas. La sensación no es correcta, el ritmo se ha ido, la temperatura ha salido por la ventana: sucede, así que es mejor pasar a otra cosa, que solo puede suceder si tienes algo extra preparado..
De alguna manera, es más fácil aprender acerca de los arreglos al observar qué es lo que hace que uno sea malo primero. No importa qué tipo de música sea, desde rock a country a goth a rock-a-billy a alien space music, quieres que la canción sea interesante para tu público en particular, así que ten cuidado con lo siguiente:
Secciones que son demasiado largas - A menos que sea extremadamente hábil o haga un estilo de música donde esto no se aplique, la idea es mantener todas las partes interesantes y al punto. Las introducciones de dos minutos, los solos de guitarra de tres minutos y los outros de cinco minutos son casi siempre aburridos, así que estás siempre mejor tener una sección demasiado corta en lugar de demasiado larga. Hay excepciones (clásico de Lynard Skynard Pájaro libre, con sus ligeros cambios de arreglos, patadas y acentos cada 16 compases, viene a la mente), pero usualmente se requiere mucha habilidad para lograrlo.
No hay ganchos de introducción / salida - Si estamos hablando de música popular moderna (no jazz o clásica), la mayoría de las canciones tienen una línea instrumental (o gancho) que escuchará al principio de la canción, tal vez nuevamente en el coro, y en cualquier momento. La introducción se repite en la canción. Un gran ejemplo sería el riff de guitarra de apertura de los Stone's. Satisfacción o el piano en Coldplay's. Relojes. El desarrollo de ganchos de introducción / salida es uno de los trabajos principales que siempre enfrenta el productor..
Instrumentos que chocan - Si demasiados instrumentos tocan en el mismo rango de frecuencia, chocarán. Esto se ve generalmente cuando hay dos guitarristas que tocan equipos similares (ambos tienen Strats y Marshalls, por ejemplo), pero pueden ocurrir entre dos instrumentos. Es el trabajo de los productores cambiar el registro, cambiar la parte, cambiar la línea o cambiar el sonido para que todo encaje.
Canciones fuera de rango para el cantante - Seamos realistas, algunas canciones escritas y para guitarra solo suenan mejor tocadas en A o E, pero eso no significa que el cantante realmente pueda cantarlas en esas teclas. El trabajo del productor es asegurarse de que la canción esté en la clave que hace que el cantante brille, pero no le roba a la canción su esencia o sonido (a veces una tarea difícil).
Puedes tener canciones geniales y excelentes arreglos, pero si no puedes ejecutar la interpretación, aún no sonará bien. Es inevitable que el productor se enfrente al problema "¿Por qué esta canción (o parte de la canción) no suena bien?" Tal vez se sienta bien en un recorrido y no tan bueno en el siguiente. Tal vez suene bien a excepción de una sección. Tal vez nunca sonó bien, pero crees que la canción tiene algo especial y estás dispuesta a pasar el tiempo resolviéndola..
Si bien la música se basa en el difícil valor de "sentir", que puede ser muy difícil de definir, hay ciertas mecánicas que determinan qué tan apretada es la música que se toca, y por falta de un término mejor, qué tan "grande" suena. Estos principios se aplican a cualquier tipo de música, desde la banda de música a deep house, el reggaeton y el speed metal, los principios son todos iguales. Si algo no suena bien, probablemente se deba a uno de los siguientes.
Jugar con dinámica significa jugar con menos intensidad en ciertos lugares de una canción, y más fuerte o con más intensidad en otros lugares. La mayoría de las bandas jóvenes son ajenas a la dinámica y tocan en un solo volumen a lo largo de toda la canción (o todas las canciones, para el caso), lo que puede aburrir al oyente muy rápidamente. Si la banda toca la canción dinámicamente, la canción respira en volumen. Pasar de fuerte a silencioso o de silencioso a ruidoso es otro ejemplo de "tensión y liberación".
El verdadero secreto para jugar dinámicamente es este: Cuando juegues en voz alta, toca lo más fuerte que puedas, y cuando juegues suavemente, juega tan suavemente como puedas, luego encuentra un tercer nivel entre!
Para un gran ejemplo de dinámica, escucha Huele a espíritu de equipo por Nirvana donde los versos están en silencio, los coros son más fuertes y los coros rugen.
Hay tres partes en el tiempo que, si cada miembro de la banda no interpreta de la misma manera, hace que la canción suene descuidada: la canción comienza y se detiene, el ritmo y los ataques y lanzamientos. Echemos un vistazo a cada uno.
Comienzos y paradas de canciones (principios y finales) - Puede llamar a los inicios y finales de la canción "inicios y finales", excepto por el hecho de que a veces hay paradas y comienza en medio de una canción. El truco aquí es asegurarse de que todos inicien y detengan la canción al mismo tiempo. Estos no pueden dejarse para más tarde, o tratarse con una actitud de "Será mejor en el estudio". ¡Ensaye cada inicio y pare hasta que todos estén encerrados y lo conozcan como la palma de su mano! Si todavía no suena bien después de cinco o seis intentos, pregunte a cada miembro de la banda, "¿Cómo lo tocas?". Como es el caso con la mayoría de las cosas que no se bloquean, hay al menos un jugador que puede estar jugando de forma ligeramente diferente a los demás. Independientemente de cómo comience o termine la canción, todos deben tocarla de la misma forma, sin excepciones..
La ranura - TODA la buena música, independientemente de si es Rock, Jazz, Clásica, Rap o alguna nueva música espacial que aún no hayamos escuchado, tiene un fuerte ritmo. Siempre escuchas sobre "el ritmo", pero ¿qué es??
El ritmo es el pulso de la canción y cómo los instrumentos respiran dinámicamente con ella.
Un error común de un surco es que debe tener un tiempo perfecto, pero Un surco es creado por tensión contra el tiempo.. Eso significa que no tiene que ser perfecto., solo incluso, y todas las actuaciones no tienen que tener la misma cantidad de "uniformidad". De hecho, hace que el surco se sienta rígido si es demasiado perfecto. Esta es la razón por la cual la cuantización de partes y la alineación de cada golpe en una estación de trabajo cuando se está grabando con frecuencia quita la vida a una canción. Es demasiado perfecto porque no hay tensión.. Ha perdido su ritmo.
Hacer que la sección de ritmo crezca con el resto de la banda es mucho más difícil de lo que piensas, ya que los guitarristas no siempre escuchan al baterista, un teclista puede tener un tiempo metronómico y, a la vez, tener dificultades para coordinar su mano izquierda con la Bajista, y los vocalistas a menudo olvidarán que hay una banda tocando detrás de ellos por completo.. La clave es que todos en la banda se escuchen unos a otros.!
Ataques y lanzamientos - Los ataques y lanzamientos (a veces llamados "articulaciones") son uno de los elementos más importantes que se pasan por alto y, sin embargo, más importantes al jugar juntos. Los ataques y lanzamientos generalmente se refieren a una frase que estás jugando o cantando. La parte de ataque es fácil: todos comienzan a tocar o cantar exactamente al mismo tiempo de la misma manera. Los lanzamientos son lo que se pasa por alto.. Un lanzamiento es como terminas una frase. Y es tan importante como la forma de empezar. Una vez más, todos tienen que jugar exactamente igual.
Otra parte de una canción que a menudo se pasa por alto que debe ser ajustada es el giro entre las secciones, como uno o dos compases entre el verso y el coro, el coro y el verso, el verso y el outro, el coro y el puente, etc. Esta parte requiere mucho Enfocarse porque generalmente se juega un poco diferente al resto de la sección. Para el baterista, generalmente es una tirada de tom o snare en la siguiente sección, pero a menos que sea una compilación, la mayoría de los jugadores que no tienen experiencia en la grabación a veces solo jugarán algo al azar. Esto no funcionará, ya que encontrará que un giro requiere que se toque una línea precisa que tenga que tocar para mantenerse apretado con la batería..
Cada canción necesita el ritmo perfecto para groove. Una de las cosas que descubrimos temprano al hacer discos es que tan solo un BPM (ritmo por minuto) puede hacer una gran diferencia en cómo se siente una canción. Sólo un poco lento y la canción parece arrastrar; un poco rápido y se siente incómodo o se vuelve difícil de jugar. Por lo tanto, es muy importante que establezca el BPM ideal de la canción antes de grabarla..
No importa qué tan bien parezcan los ensayos de preproducción, es realmente importante hacer una grabación de demostración de preproducción, preferiblemente en otro lugar que no sea su espacio de ensayo, porque nunca se sabe realmente qué es lo que está jugando un jugador hasta que está grabado. Además, es importante sacar a la banda de su entorno de ensayo seguro y cómodo para que sepan que cuando las cosas suenan diferentes en un entorno nuevo (como lo harán), no es necesariamente algo negativo..
La demostración de preproducción no tiene por qué ser costosa y no tiene que llevar mucho tiempo. De hecho, cuanto más barato y más rápido, mejor. Lo que intentas aprender es qué tan bien tocan todos juntos y si los arreglos y las estructuras de las canciones realmente funcionan, por lo tanto, solo un par de pases de cada canción es todo lo que es necesario, a menos que haya un gran choque de trenes. Los errores de rendimiento están bien, siempre y cuando pueda escuchar la forma completa de la canción, y no se preocupe por sobregrabaciones o capas, a excepción de un análisis rápido para ver una idea. La perfección no es el objetivo de la demostración, la información sobre la estructura de la canción, el arreglo y las partes individuales es.
Después de escuchar la grabación (incluso solo escuchar las reproducciones durante la grabación), debería ser evidente lo que necesita ser arreglado o mejorado, lo que debería ocurrir en otra ronda de ensayos. También ayudará a los jugadores a escuchar lo que juegan contra todos los demás. No es raro escuchar comentarios como "No sabía que estabas jugando así" durante una reproducción..
La idea detrás de todo esto es reducir las partes para que la grabación real se realice de manera eficiente y sin sorpresas, y los jugadores solo necesitan concentrarse en sus actuaciones en lugar de tener que aprender nuevas partes. Muchas veces, cuando un jugador aprende la nueva parte en el estudio, su rendimiento ha sufrido tanto que se necesita una sesión adicional para capturar un gran rendimiento. Se espera que la preproducción elimine eso..
En la próxima publicación, veremos cómo trabajar con un artista o una banda en el estudio..
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