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Su serie sobre producción musical se basa en mi nuevo libro, The Music Producer's Handbook, donde describiré algunas técnicas básicas de producción y, con suerte, proporcionaré algunos detalles sobre el proceso que aleja algunos de los misterios. Tenga en cuenta que esta parte de la serie analiza la relación entre un productor y una banda, o un productor con un artista con una banda de acompañamiento o músicos de estudio. Abordaremos la autoproducción más adelante en la serie..
En la Parte 3, veremos uno de los elementos más críticos de ser un productor: obtener las mejores interpretaciones de artistas y músicos..
Es importante que un productor interactúe adecuadamente con el artista porque el éxito de cualquier proyecto depende de una colaboración fácil y eficiente. Dicho esto, a veces señalar simplemente quién es el "artista" en un proyecto no es tan fácil como parece..
Por lo general, es bastante obvio quién es el artista (o el líder musical de una banda) cuando se trata de una fecha de grabación o demostración, pero hay muchos otros conciertos de producción musical en los que el artista es una entidad ligeramente diferente. Por ejemplo, si se trata de una fecha de jingle, el compositor o cualquier persona de la agencia de publicidad se puede ver de la misma manera que un artista, y si se trata de una fecha de cine o televisión, el director, los productores, los supervisores musicales Los ejecutivos de estudio o cualquiera de sus representantes también deben considerarse artistas..
Independientemente del tipo de proyecto, es mejor mostrar un respeto tranquilo y amigable con el artista en todo momento. Durante la grabación, usted es un activo valioso para su proceso creativo y de negocios, y por lo general se les considera un compañero al menos y una figura paterna o un maestro como máximo. Durante su tiempo involucrado en la esfera de actividad al crear el disco, usted vive en el universo musical, profesional y social del artista como un cruce entre un invitado de honor y un socio en su empresa musical..
Una vez que un artista comienza a confiar en usted en un nivel musical, esa confianza también se puede llevar a un nivel personal. Es fácil convertirse en un confidente a medida que crece el vínculo íntimo entre usted (el productor) y el artista, pero puede haber peligro si se acerca demasiado. Es fácil que los problemas personales se interpongan en el camino de la música, y si bien el productor tiene que lidiar con ellos, es fácil que el enfoque se aleje de la música si el productor está demasiado involucrado personalmente. Muchos productores tienen cuidado de establecer límites que les permitan mantenerse concentrados en el trabajo en cuestión y solo se comprometen con los asuntos privados del artista si esto tiene un impacto negativo en la música..
Con respecto a todas las interacciones tangenciales que pueden ocurrir en una sesión, considere a cualquier persona asociada con el artista (como su cónyuge, miembro de la familia, novio o novia, invitado, conductor, asistente personal o miembro del personal) como un "artista". Si bien es fácil descartar a estas personas como poco importantes para el proceso de producción, tratarlas a la ligera puede hacer que el desprecio del artista caiga sobre ti.!
Incluso si un músico está completamente cómodo con su entorno, hay cosas que puede hacer para ayudarlo a llevar su interpretación a otro nivel. A menos que ya tengan mucha experiencia en el estudio, la mayoría de los músicos pueden ser muy conscientes de lo que están tocando, especialmente después de escuchar una reproducción que descubre algunos defectos que desconocían hasta ese momento. Es importante que su confianza no se marque y depende directamente de usted para evitar que eso suceda. Aquí hay algunos trucos que ayudarán.
Una de las cosas más difíciles de hacer un disco es tratar de grabar a un vocalista que se siente incómodo. Incluso un profesional experimentado a veces no puede hacer lo mejor que puede a menos que las condiciones sean las adecuadas. Considere algunas de estas sugerencias antes y durante una sesión vocal.
Mientras que los jugadores experimentados en el estudio pueden cortar una gran pista sin una guía o una voz de "scratch", casi todos los jugadores preferirían tener una contra la que jugar. La guía vocal no solo actúa como una señal para ciertas secciones de la canción, sino que se suma al ritmo y la sensación de que ayuda a un jugador a rendir al máximo. Una de las otras ventajas es que el cantante principal también puede dar instrucciones y recordatorios a los jugadores a medida que avanza la canción..
No hay reglas particulares para un scratch vocal. A algunos vocalistas no les importa estar en una cabina vocal mientras ejecutan un scratch vocal, pero casi todos los vocalistas quieren poder ver a todos los jugadores durante una canción, ya que no les gusta sentirse desconectados del resto de la banda. Como resultado, muchos cantantes preferirían estar en la sala con los otros jugadores. La pista de scratch no sonará tan buena en esa situación debido a la fuga (principalmente debido a una fuga de la batería), pero si ayuda al rendimiento de la banda y el vocalista, eso es lo que quiere hacer.
Muchos cantantes principales, productores e ingenieros pueden interpretar un rasguño a la ligera, ya que se volverá a hacer en un último momento en mejores condiciones, pero el productor inteligente siempre está preparado en caso de que ocurra magia que no pueda volver a capturarse. Trata esta voz con seriedad porque nunca sabes cuándo puedes capturar un rayo en una botella y terminará siendo un guardián..
Hubo una época en la década de los 70 en la que unos pocos proyectos de alto presupuesto llevaban una semana entera para obtener el sonido correcto de la caja. Si bien podrían haber alcanzado el nirvana de caja de música, el 99.99999% de las sesiones tienen que moverse más rápido que eso, y deberían hacerlo. Cuanto más tiempo pase antes de grabar, menos tiempo pasará realmente grabando, ya que la capacidad de atención de los jugadores disminuye proporcionalmente al tiempo empleado en obtener los sonidos. Aunque quieres que las cosas suenen lo mejor posible, una pista con un sonido pobre y una gran vibra es mucho más útil que una pista bien grabada, pero musicalmente antigua.
Aún así, obtener sonidos es un mal necesario en la grabación y se debe asignar al menos una cierta cantidad de tiempo para la tarea. Un buen productor sabe cuándo seguir adelante cuando se está demorando demasiado y el ingeniero solo está tratando de marcar el 5% final del sonido, o saber cuándo continuar cuando el sonido realmente no funciona..
Grandes pistas provienen del enfoque del participante y la comodidad de los jugadores. Aunque las comodidades ambientales son útiles, un jugador tocará o cantará lo mejor posible cuando se escuche bien y en la proporción correcta a los otros jugadores o cantantes. Es por eso que la combinación de auriculares (a veces llamada "señal") es tan importante.
Quizás el mayor detrimento para que una sesión se desarrolle sin problemas es la incapacidad de los jugadores para escucharse cómodamente con los auriculares. Esta es una de las razones por las que los ingenieros veteranos dedican tanto tiempo y atención a la combinación de señales y los teléfonos en sí mismos, en lugar de dejar que un asistente lo haga. De hecho, un signo seguro de un neófito de estudio es tratar los auriculares y la mezcla de cueles como una idea de último momento, en lugar de pasar todo el tiempo necesario para hacer que suenen bien. Si bien es cierto que un jugador veterano de estudio puede ignorar una combinación de teléfonos mal o distorsionada y aún así ofrecer un buen rendimiento, las buenas "latas" hacen que una sesión sea más rápida y fácil, y toma una variable que posiblemente sea el mayor detrimento de una sesión. fuera de la ecuación.
La pista de clics, o la grabación mientras se escucha un metrónomo, se ha convertido en un hecho de la vida en la mayoría de las sesiones en estos días. La reproducción de un tempo parejo no solo es mejor, sino que hace posible cortar y pegar la edición entre ejecuciones en una aplicación de audio (DAW) posible y fácil. Tener una pista basada en un clic también hace que la demora y el tiempo de reverberación sean más fáciles durante la mezcla.
Jugar a un clic puede presentar una serie de problemas, sin embargo, como la fuga del clic en los micrófonos y el hecho de que algunas personas simplemente no pueden jugar a tiempo estable para salvar sus vidas. Dicho esto, la mayoría de los jugadores de hoy en día se crían jugando con un clic o bucles, por lo que el problema se convierte en ayudar al jugador a escuchar el clic más que cualquier otra cosa..
Muchas veces simplemente no es suficiente proporcionar un metrónomo en los teléfonos. ¿De qué sirve un clic si no puedes oírlo o, lo que es peor, no puedes hacerlo? Aquí hay algunos trucos para hacer que el clic no solo se escuche, sino que se corte a través de las mezclas más densas y parezca otro instrumento en la pista..
Para obtener las mejores actuaciones, debes mantener a los jugadores concentrados constantemente, y la mejor manera de hacerlo es que un productor maneje bien la sesión.
Llevar a los jugadores a la sala de control para escuchar una reproducción puede ser perjudicial o usarse para reforzar estratégicamente el impulso de la sesión. Si los jugadores escuchan una reproducción después de cada toma, la energía se ralentiza a medida que los jugadores entran en la sala de control y luego vuelven a salir. Incluso si los jugadores escuchan una reproducción a través de sus teléfonos, el impulso se puede interrumpir. Por lo general, toma un minuto o dos hasta que vuelvan a estar cómodos, lo que puede alejarlo más de la toma perfecta en lugar de acercarse..
Una de las mejores maneras de transmitir su punto de vista y mantener la energía alta es ser selectivo en las reproducciones de la sala de control. Por lo general, es mejor llevar a los jugadores a escuchar después de las primeras tomas y todos están al punto de sentirse cómodos con el sonido y el estudio. En ese momento, pueden obtener un punto de referencia de dónde están ahora y adónde tienen que ir. No los lleve de vuelta a la sala de control hasta que tengan lo que podría ser una toma del guardián, o si otra escucha los ayuda a tocar algo mejor. Un menor número de viajes a la sala de control ayudará a mantener la energía alta y el impulso hacia adelante.
Una de las mejores habilidades que un productor puede desarrollar es determinar cuándo es el momento de tomar un descanso. A veces, un descanso de diez minutos puede bombear nueva energía a una sesión de marcado, por lo que el productor siempre tiene que mantener el dedo en el pulso de los jugadores para medir su concentración. El peligro es que llamará a un descanso justo cuando los jugadores se están metiendo en un surco y será difícil recuperarlo después del descanso, pero generalmente los jugadores le dirán que quieren continuar, o que lo harán. Confirme que también se necesita un descanso. Por lo general, es mejor calcular un descanso al menos cada tres horas aproximadamente, según el progreso de la sesión..
Las pausas para la cena pueden ser peligrosas, ya que deben manejarse con cuidado para que pueda recuperar a los jugadores de nuevo. Si la pausa es demasiado larga, los jugadores pueden tardar un tiempo igual en recuperar su atención. Lo mismo se aplica si les permite salir del estudio para comer en otro lugar, por lo que siempre es mejor que traigan comida. Uno de los mayores problemas para protegerse es una comida grande, ya que la digestión normal ralentiza la capacidad del jugador. para concentrarse después. Mantenga el tiempo de comida corto, las porciones pequeñas, y no permita absolutamente alcohol para que todos se mantengan frescos y la sesión se mantenga en el buen camino.
En los días en que la mayoría de la música se grababa en estudios comerciales, todo giraba en torno al "bloqueo" de las 12 horas. Esto significa que, aunque solo te cobran por 12 horas, nadie más puede usar el estudio para los otros 12, así que todo El equipo del músico y el equipo en la sala de control pueden permanecer configurados.
En estos días, con el 87% de la música que proviene de estudios personales, no es tan problemático mantenerse en la configuración, pero la mentalidad con la que puedes tocar todo el tiempo que quieras puede realmente afectar la conciencia de la sesión. Si está pagando por un día de 12 horas en un estudio comercial, no es raro querer ganar cada minuto quedándose en el estudio mucho más allá del punto de agotamiento. Esto puede ser contraproducente en general, ya que el agotamiento tiende a alcanzar a todos en todos los días de grabaciones sucesivas posteriores, lo que hace que cada vez sea más difícil concentrarse y hacer que el tiempo útil en el estudio sea cada vez más corto. Si no paga por el tiempo, es fácil que se muestre indiferente con respecto al tiempo y permanezca más allá del punto de cualquier trabajo productivo..
Los profesionales del estudio han descubierto que es mejor mantener los días a un nivel razonable de 8 o 9 horas, solo superando eso si estás realmente cerca de algo grande y todos quieren continuar, o se acerca una fecha límite. Uno de los trabajos principales del productor es detectar cuándo se ha alcanzado el punto de agotamiento y finalizar la sesión en ese momento..
Saber cuándo tienes las pistas de los guardianes que necesitas para hacer un gran registro es una de las evaluaciones más difíciles para un productor. Durante el seguimiento básico, lo último es un rendimiento impecable con un gran ritmo y mucha sensación, pero lograr los tres atributos es muy difícil de alcanzar. Sepa que, dado el tiempo suficiente y las tomas suficientes, la toma perfecta está a su alcance. No es infrecuente hacer docenas de tomas hasta que aparezca la perfecta (el hito All Along The Watchtower de Jimi Hendrix fue Take # 28).
Pero a veces es mejor determinar que, si bien la pista no es perfecta, tienes suficiente para trabajar. ¿Puedes cortar y pegar varias tomas para obtener lo que necesitas? ¿Debería pasar a otra canción y volver a esta canción más tarde para intentarlo de nuevo? Una vez más, quienquiera que te pague habrá dictado sus necesidades antes de que incluso hayas comenzado a rastrear. Si su trabajo consiste en terminar una serie de canciones dentro de un cierto período de tiempo, entonces es posible que tenga que conformarse con algunas actuaciones para cumplir con la fecha límite. Si su trabajo es obtener el mejor producto posible, entonces puede tirar el calendario y el presupuesto por la ventana.
De cualquier manera, el seguimiento básico puede terminar en unas pocas horas (como en el caso de grabar un proyecto de jazz directo) o puede continuar durante meses o incluso años (como una banda heredada de gran presupuesto), pero depende del productor para hacer el llamado de que se ha cumplido la misión de capturar exactamente lo que se necesita para esta fase de grabación.
El próximo mes veremos el proceso de sobregrabación..
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