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La producción musical es un trabajo frecuentemente mal entendido por todos, excepto el productor, o subestimado en el alcance de lo que implica el trabajo. Esta serie sobre producción musical se basa en mi nuevo libro, The Music Producer's Handbook, donde describiré algunas técnicas básicas de producción y, con suerte, eliminaré el misterio del proceso. Tenga en cuenta que veremos la relación de un productor con una banda o un artista con una banda de acompañamiento o músicos de estudio. Abordaremos la autoproducción más adelante en la serie..
La etapa de sobregrabación puede ser algo tan simple como arreglar o reemplazar algo en las pistas básicas (como el bajo, la guitarra rítmica, los solos o la voz principal) a sofisticadas capas y adiciones de bocinas y cuerdas, múltiples guitarras, teclados y voces de fondo. También es la fase del proyecto donde se realiza la mayor parte de la experimentación, ya que incluso las partes con un diseño más meticuloso a veces no funcionan y requieren alguna modificación..
Un rasgo común que la mayoría de los artistas tienen es la racha creativa que les proporciona idea tras idea para partes, líneas, adornos y mejoras. Cuanto más creativo es el artista, más brotan las ideas y ese es el problema. A veces, un artista tiene tantas buenas ideas que se necesita mucho tiempo para probarlas todas, y antes de que te des cuenta, estás retrasado. Ya es bastante malo, pero una gran cantidad de ideas puede alejar a una canción de su verdadera intención, incluso restándole valor a la inspiración original. Un ejemplo sería un artista que escribió una canción que originalmente era una canción pop directa, pero ahora solo tiene que escuchar cómo suena con un reggae. Si bien la canción podría ser genial con el nuevo estilo, ahora puede que no contenga la esencia de la inspiración original del artista. Depende de usted, como productor, controlar la experimentación y centrar la energía en el lugar donde el artista brilla mejor..
A veces, un artista tendrá una buena idea después de una buena idea en nuevas líneas y partes durante las doblas, y aunque la mayoría de ellos podría funcionar, solo hace que la canción sea diferente y no mejor. Una vez más, depende del productor enfocar la energía del artista y los músicos en el lugar donde debe estar y tomar la decisión de que la dirección original en la que ibas era la mejor.
Sin embargo, a veces la creatividad masiva de un artista puede funcionar a tu favor. Por ejemplo, si no está seguro de la sensación original de la canción, expresarle eso al artista hará que fluyan sus jugos creativos y antes de que se dé cuenta, aparecerá una mejor idea. Pero por lo general, la primera inspiración del artista es la mejor, y es probablemente la que te atrajo de él en primer lugar..
Siempre sucede al menos una vez en la fase de sobregrabación. Un jugador juega algo por error o durante los calentamientos que iluminan todo el estudio y el productor dice: "¿Puedes jugar eso otra vez, pero hacer algo diferente al final?" O "¿Puedes jugar así en esta sección? ? ”Y luego se inicia la persecución para recuperar ese rayo en una botella y verterlo sobre una parte o sección que faltaba antes.
Pero las cosas generalmente nunca son tan simples como parecen, ya que la parte que alguna vez fue brillante se cambia para que se ajuste a la nueva sección o se modifique para servir mejor la canción. Un pase rápido se convierte en horas y antes de que te des cuenta, has pasado todo el día trabajando en esta parte. Por lo general, así es como van las cosas durante las sobregrabaciones. En el momento en que todos hayan trabajado en la parte perfecta, el jugador está demasiado cansado para hacerlo de manera convincente..
Durante estos momentos en los que se está elaborando una parte completamente nueva, he descubierto que a veces se necesitan dos sesiones para que esto suceda. El primer día tomas esa brillante semilla de una idea y la resuelves para que encaje adecuadamente en la canción, y el segundo día es cuando la idea florece cuando puedes ejecutarla correctamente. Tener esto en mente puede ahorrarle muchas horas extra al final de un largo día. Déjalo solo y vuelve mañana cuando todos estén frescos. Probablemente se realizará perfectamente la primera toma..
A veces, las sobregrabaciones son más rápidas y suaves si no se permiten en la sala de control miembros de la banda que no sean los que tocan, amigos o séquito. Demasiadas personas pueden asustar a un intérprete tímido o, lo que es peor, hacer que actúe para la multitud en lugar de centrarse en el trabajo en cuestión. Si los visitantes o miembros de la banda deben venir al estudio, manténgalos fuera de la sala de control y haga que permanezcan en el salón hasta que se complete la parte..
En general, es mejor que las esposas o esposos, novias o novios, amigos y asociados, perchas o personas no esenciales, no se les permita asistir a las sesiones, excepto en circunstancias extraordinarias (como una fiesta de reproducción o la entrega de un instrumento olvidado) . Cuanta más gente, más probable es que la reunión se convierta en una fiesta, y una fiesta no es propicia para la grabación. Hay un momento y un lugar para ello, pero no está aquí. A menos que la persona sea esencial para la tarea en cuestión, haga que se quede en casa..
Independientemente de quién esté tocando y qué tipo de instrumento esté usando, siempre es mejor si puede hacer que graben en la sala de control con usted. Esto es fácil con la guitarra, el bajo, las teclas electrónicas e incluso las voces, y más difícil para todo lo demás. Tener al músico capaz de escuchar exactamente lo que estás escuchando, así como la inmediatez de la comunicación, sin mencionar la ausencia de audífonos, por lo general obtendrá un rendimiento mucho mejor del reproductor.
La mayoría de los estudios ahora están equipados con cables y hardware para mantener un amplificador en otra habitación mientras el jugador juega en la sala de control. Jugar en la sala de control generalmente no es una opción para más de un jugador a la vez (lo que probablemente no sucederá durante las sobregrabaciones a menos que sea una bocina, una cuerda o una sección vocal), o con instrumentos que son silenciosos, como una percusión. guitarras acústicas, o cuerdas.
Si bien parece que se está grabando una blasfemia, muchos vocalistas odian los auriculares y prefieren cantar en la sala de control con un micrófono de escenario como un Shure SM-58. Es posible que esto no le gane ningún premio de alta fidelidad por el sonido de las voces, pero un gran rendimiento superará la calidad del audio en cualquier momento. Además, el sonido de la mayoría de los micrófonos de escenario, aunque ciertamente no es tan fidelidad como un Neumann clásico multimillonario, es mejor de lo que piensa (siempre que esté en buenas condiciones) cuando se transmite a través de un preamplificador de micrófono de alta calidad y lo suficientemente bueno para casi cualquier propósito de grabación.
Existen varias técnicas de sobregrabación que se usan comúnmente y que todos los productores deben conocer. Aunque las siguientes técnicas se refieren principalmente a las voces, se pueden utilizar para casi cualquier instrumento.
Si está en el mismo estudio en el que realizó un seguimiento de sus conceptos básicos, no caiga en la trampa de mantener exactamente la misma configuración del instrumento en el mismo lugar en el estudio en el que realizó sus conceptos básicos (a menos que esté haciendo correcciones en el pistas básicas, por supuesto). Mueva la voz o el instrumento en la parte grande del estudio. Todos los instrumentos suenan mejor cuando hay espacio para que se desarrolle el sonido. Puede reducir los reflejos no deseados de la habitación colocando deflectores alrededor del micrófono, el reproductor o el cantante..
Se ha utilizado la duplicación de una voz principal mientras haya habido grabadoras multipista. Los Beatles lo hicieron cuando estaban usando solo cinta magnética de cuatro pistas y realmente no tenían una pista de sobra, lo que le dice cuán poderosa puede ser una herramienta..
Duplicar una voz (hacer que el cantante cante exactamente la misma línea o frase dos veces en dos pistas y reproducirlas de nuevo) funciona por dos razones; hace que un sonido vocal sea más fuerte, y enmascara cualquier inconsistencia de sintonía en la parte.
Si bien la técnica de duplicación puede funcionar para un gran número de vocalistas, a veces simplemente no suena bien si ambas pistas vocales se reproducen al mismo nivel. Intente agregar la segunda voz de 6 a 10dB menos que la pista que considere más fuerte. Esto agregará un poco de apoyo a una voz por lo demás débil sin que suene el doble.
Aquí hay un ejemplo de una sola voz principal, una que se duplicó pero mezcló 10dB por debajo de la ventaja, y una ventaja doble con ambas al mismo nivel.
Ejemplo 1 - Ejemplos de voz vocal doble
Apilamiento vocal
Una consecuencia de la duplicación es el apilamiento vocal, una técnica que se usa normalmente en las voces de fondo de armonía. Al igual que la duplicación, el apilado puede hacer que una parte vocal de armonía suene más fuerte al tiempo que suaviza cualquier inconsistencia de sintonía.
Un ejemplo de apilamiento vocal sería un grupo vocal de tres piezas que canta una parte de armonía de tres partes. Después de completar su primer pase, doblarían las partes exactas cantándolas exactamente de la misma manera, y luego las triplicarían o más, todo en un esfuerzo por obtener un sonido más grande y completo. Un pequeño truco que hace que el sonido de una pila sea más grande es hacer que los vocalistas retrocedan un paso del micrófono con cada paso vocal, mientras que el ingeniero aumenta la ganancia del micrófono para compensar la distancia. El mayor ambiente de la habitación realzará naturalmente el sonido sin medios artificiales.
Otro truco sería que los vocalistas cambien partes con cada paso. En otras palabras, el vocalista en la parte más alta de la armonía de 3 partes se movería a la más baja, el de la parte media se movería a la más alta y la parte baja se movería a la parte media. Por supuesto, esto supone que los vocalistas son profesionales y capaces de cambiar partes vocales sin demasiado problema, y que sus voces son capaces de interpretar las nuevas partes..
Aquí hay un ejemplo de una banda que no canta bien las armonías, pero termina sonando bastante bien después de que todo está apilado. Cada parte tenía tres miembros de la banda que cantaban solo una parte de la tríada de la armonía. Retrocedieron un paso cuando lo doblaron. Escuchará cada parte, luego se duplicará, y la armonía final..
Ejemplo 2 - Armonías vocales apiladas
Los instrumentos pueden doblarse o apilarse de la misma manera que las voces y mientras que el mismo rendimiento exacto (duplicar) puede sonar bastante bien, pronto alcanzará el punto de rendimientos decrecientes a menos que cambie algo para que suene diferente. Un micrófono diferente, un preamplificador de micrófono, espacio para grabar o la distancia del micrófono ayudarán a aumentar el sonido en las sobregrabaciones posteriores..
Para las guitarras, dos guitarras (una Les Paul y una Strat, por ejemplo) y dos amplificadores (una Fender y una Marshall son la combinación clásica) combinadas con diferentes configuraciones de pastillas permitirán que una multitud de pistas de guitarra vivan juntas de manera más efectiva en la mezcla . Muchas veces encontrarás que se necesitan menos sobregrabaciones si cada sobregrabación de guitarra tiene un sonido claramente diferente.
Aquí hay un ejemplo de una parte de guitarra que está apilada con diferentes ubicaciones de micrófono y amplificadores.
Ejemplo 3 - Guitarras apiladas
El próximo mes veremos el proceso de mezcla y masterización desde la perspectiva del productor..
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